Quase Nove

Cinedocumenta exibe dois documentários dia 27, no SESC da Esquina

2010-04-27T10:50:00.002-03:00

Depois do sucesso da Mostra Jorodowsky – CineSesc, o Sesc da Esquina realiza o Projeto Cinedocumenta. Mensalmente haverá exibições gratuitas de curtas com bate papo com diretores, workshop e oficina. Na primeira etapa do projeto o tema será documentário e animação .
A animação marca presença no documentarismo contemporâneo em uma combinação que alia a estética ao olhar sobre o mundo. Para o olhar acostumado ao documentarismo tradicional, especialmente ligado às noções de improviso e autenticidade das imagens in loco , ou seja, feitas no lugar onde os acontecimentos se desenrolam, a presença de um elemento de criação como o traço do desenho animado pode parecer um tanto estranha.
Mas o estudo da história do documentarismo revela, no entanto, que a parceria retoma um aspecto muito comum à gênese deste tipo de filme: a contação em lugar da mostração, ou seja, a capacidade de transmitir uma história ou uma idéia lançando mão de técnicas variadas para levar ao público o conhecimento.
Mais do que funcionar como prova ou evidência, portanto, a imagem animada no documentário serve à imaginação de quem recebe a narrativa, que vê o mundo não pelo olhos aparentemente objetivos da câmera, mas pelo olho subjetivo do próprio objeto do documentário.
"Dossiê Rê Bordosa" (César Cabral, 2008, 16 min.) e "O Divino, de Repente" (Fábio Yamaji, 2009, 6 min.) são exemplos da aproximação entre o mundo da animação e o documentário. No filme de Fábio Yamaji, a história de Ubiraci Crispim de Freitas, repentista criado na Paraíba, é contada através de uma criativa série de animações. Estas animações dão vida aos repentes do artista, tomando forma como pequenas histórias engraçadas e fantásticas contadas pelo próprio Ubiraci. O filme foi premiado em 2009 como melhor animação pelo voto popular no festival internacional Anima Mundi.
Já "Dossiê Rê Bordosa" reconstitui a morte da personagem de histórias em quadrinhos Rê Bordosa. Ao retomar a vida e a morte de uma personagem ficcional, o documentário tangencia a linha que divide as formas de representação do real e a própria ficção. Utilizando o traço inspirado nos quadrinhos de Angeli, criador da personagem, o diretor Cesar Cabral recorreu a um tipo de referência típica do documentário, a reconstituição de aspectos formais de um tema.
Com depoimentos de vários envolvidos na vida de Rê Bordosa o documentário tornou-se um grande sucesso e recebeu muitos prêmios, tanto em festivais de documentário, como o É Tudo Verdade, como em festivais de animação, como o Anima Mundi.

CineDocumenta – Teatro do Sesc da Esquina

27 de abril – 20h - GRATUITO

" Dossiê Rê Bordosa " (César Cabral, 2008, 16 min.)

" O Divino, de Repente " (Fábio Yamaji, 2009, 6 min.)

Informações - (41) 3304-2227

Chico Xavier pelas mãos do ateu e "cafajeste" Daniel Filho

2010-04-11T11:11:00.004-03:00

Daniel Filho é o cara. Tomem os últimos filmes nacionais que superaram a barreira de um milhão de espectadores nos cinemas e o nome dele estará lá em pelo menos 70% dos títulos, seja como produtor ou diretor. (o crítico Luiz Carlos Merten, do Estadão, fez essa conta mais exata em seu blog).

Como cineasta, Daniel Filho mira o grande público. Domina com elegância e simplicidade dos códigos da TV e do cinema, sem pudor em fundir ambos. Clássico, direto, "eastwoodiano", acredita no potencial de boas estórias. Não se espere dele exercícios de linguagem ou experimentalismos radicais. (confesso que a cada entrevista do diretor, em tom sério, seja falando sobre espiritismo ou outros temas de filmes que produz ou dirige, o que me vem à cabeça é aquele garotão imitando índio de filme americano e clicando Norma Benguel nua na praia, ao lado de Jece Valadão, em Os Cafajestes)

Daí que havia uma grande expectativa em torno deste Chico Xavier na versão de Daniel Filho: o mais conhecido e venerado médium brasileiro na visão de um ateu confesso.

Elenco global, orçamento lá em cima, superprodução de época, locações em várias cidades e uma estória, temos que admitir, extremamente difícil de ser contada, pelas posições apaixonadas que suscita. Daniel optou por um filme para o público não-espírita, aquele não familiarizado com a doutrina, o que talvez explique em parte o excesso de didatismo com que conduziu o filme.

A construção do roteiro parte da encenação das entrevistas de Chico Xavier ao apresentador Saulo Gomes, no programa Pinga Fogo, entrelaçadas com passagens de seu passado em Pedro Leopoldo. Confesso que este recurso, sobretudo com as longas explanações de Chico - reiteradas durante os créditos finais com material de arquivo contendo as verdadeiras entrevistas do médium - soa de certa maneira reduntante e ainda toma um tempo que poderia ser dedicado a dramatizar outros momentos da vida de Chico Xavier.

Tenho a impressão que Daniel Filho - que sugeriu ao roteirista Marcos Bernstein esta estrutura presente-passado - criou este formato para justiificar a sua visão sobre o espiritismo. As entrevistas de Chico a uma emissora de TV abrem espaço para a presença do personagem de Tony Ramos, o diretor do programa, cético, amargo e desesperado pela morte prematura de seu filho.

Esta subtrama ocupa um longo tempo do filme, mas se justifica porque insere o olhar externo, crítico e distanciado, sobre as mensagens que o médium apresenta diante das câmeras. É o profissional da imagem, assim como o diretor do filme, que fala nesse momento. Nega o que vê diante de seus olhos, mas respeita e a partir de um certo ponto admira o mistério daquilo que não compreende.

Esta trama paralela ganha força a partir da terceira parte do filme, justamente aquela mais fraca, em oposição às duas primeiras, que retratam a infância e juventude do medium, suas dificuldades em lidar com fenômemos estranhos e o preconceito enfrentado na conservadora, atrasada e ultracatólica sociedade mineira da primeira metade do século passado.

O diretor consegue humanizar seu personagem, mostrando como Chico tinha pânico de voar e sua vaidade, ao conceder uma entrevista a dois jornalistas de O Cruzeiro e sua relação com a calvície e o uso de perucas. O Chico de Nelson Xavier é assombroso, assim como a interpretação de Angelo Antonio para sua juventude.

Os segredos de Campanella para o ótimo O segredo dos seus olhos

2010-04-11T10:31:00.002-03:00

Michel Haneke já tinha o discurso pronto para o seu A Fita Branca, dado como certo na categoria de filme estrangeiro no Oscar deste ano. Ele, mais a crítica, quem assistiu ao filme (maravilhoso, aliás) e os presentes na cerimônia do Teatro Kodak.
Surpresa talvez não seja a palavra adequada para definir a vitória de Juan José Campanella com O Segredo dos Seus Olhos. Foi a segunda indicação do cineasta argentino - a anterior foi com O Filho da Noiva - e o segundo troféu conquistado por aquele país na categoria (o que deixou a imprensa brasileira desnorteada, se perguntando o que o cinema argentino tem que falta ao nosso, como se Oscar , um prêmio da indústria, fosse o único norte para se avaliar toda uma cinematografia).

Como muitos, não pude assistir ao filme de Campanella quando ele foi exibido meses atrás, em curtíssima temporada. Vencedor do Oscar, foi espertamente relançado, com sessões lotadas, filas e um boca a boca que deve prolongar a exibição por mais algumas semanas - na Argentina já se tornou a fita mais assistida na história daquele país.

Em termos essencialmente cinematográficos, A Fita Branca é um filme mais denso, complexo, norteado por sutilezas e aberto a múltiplas leituras, das políticas às psincanalíticas. É "mais filme" que a obra de Campanella.

Mas O Segredo dos Seus Olhos é, em sua essência, uma grande estória, destas tão bem contadas que se tornam irresistíveis e deixam o espectador intrigado e grudado na poltrona até o último segundo. Ótimos roteiros não são novidade para quem acompanha o trabalho de Campanella, que escreveu e dirigiu O Filho da Noiva, O Mesmo Amor, A Mesma Chuva e Clube da Lua, filmes populares em seu país e por aqui. Tramas milimetricamente amarradas, onde cada personagem, diálogo, cenário e objetos são pensados para se articular ao todo e ajudar a sustentar um drama recheado com surpresas, suspense e bom humor.

Todos estes elementos sobram em O Segredo de Seus Olhos, uma fusão de filme policial com drama amoroso. A leveza e a segurança com que Campanella transita entre os dois registros é o grande apelo do filme. Em sua velhice, o funcionário público aposentado Esposito (o ótimo e carismático Ricardo Darin) é atormentado pelas lembranças de assassinato cujo autor nunca foi preso.

O filme pula do presente para o passado e nestes pulos acompanha-se uma relação mal resolvida entre Espósito e sua chefe, a juíza Irene. Tanto o romance quanto o crime vão ocupar os dois durante décadas. Reviravoltas, revelações surpreendentes, uma crítica aos crimes da ditadura peronista e à ineficàcia do sistema judicial argentino pontuam o filme, que até o seu final consegue deixar todas as possibilidades abertas para a sua resolução.

Campanella é sóbrio e simples na abordagem de todo este caldeirão e procura equlibrar os recuos temporais com simplicidade, sempre valorizando os diálogos (em seus filmes os personagens falam bastante) tomando o cuidado de jamais espetacularizar o material que tem em maos.

Há uma brecha no tom adotado, que merece ser citada, pelo seu brihantismo técnico e artístico. É aquele plano sequencia no estadio de futebol, que começa com uma tomada aérea, passeia entre torcedores, corredores e banheiros e termina com o suspeito detido no gramado.

Já entrou para a história do Cinema como um dos grandes momentos sem cortes, ao lado das aberturas de Touch of Evil (Welles), O Jogador (Altman) e o final de Passageiro Profissão Repórter.

A Ilha do Medo - terror psicológico e sanidade nas mãos de Scorsese

2010-03-14T19:20:00.003-03:00

A Ilha do Medo é um destes filmes sobre os quais quanto menos se falar, melhor, pois sua relação com o público depende justamente da aceitação de sua premissa: dupla de policiais vai a uma ilha-prisão para criminosos violentos e mentalmente perturbados investigar o estranho desaparecimento de uma detenta.
Na superfície, é isso. O que está abaixo e além dela é que vai tornar o filme assustador. Parte da crítica caiu de pau em Scorsese, movida por um certo preconceito da chamada "ditadura do autor", que defende a manutenção de temas e estilos a cada obra de um cineasta considerado mais autoral.
A Ilha do Medo não se filia diretamente ao Scorsese de Taxi Driver e Touro Indomável, por exemplo. Não tem relação direta com as crônicas da história americana, como Gangues de Nova York e O Aviador. Muito menos ao território que consagrou o diretor, o gangasterismo cru de Caminhos Perigosos, Os Bons Companheiros e Cassino. Está mais para um filme de gênero, como Cabo do Medo. (em todas estes filmes, o cineasta sempre procurou explorar a violência, ora de forma mais sutil, tratando do indivíduo, ora tentando explicar a influência do meio, ora apenas a retratando como parte da natureza humana).
Scorsese é daqueles diretores que emergem nos anos 70 trazendo para o cinema americano um caminho bastante pessoal, que mescla o domínio das convenções de gênero da era de ouro de Hollywood, um conhecimento enciclopédico da história do Cinema, inclusive dos filmes B, mais as inovações formaies do cinema de arte europeu.
Tudo isso se mantem em sua filmografia e está devidamente espelhado em A Ilha do Medo: as referências ao suspense de Hitchcock (sobretudo Vertigo), os códigos narrativos e visuais dos policiais noir dos anos 40, uma citação explítica a The Manchurian Candidate (Sob o Domínio do Mal), a montagem vertiginosa, a câmera em permanente movimento, interferindo e determinando o jogo de olhares dos personagens.
Se o filme cabe dentro de um gênero, dado o imenso rol de relações que estabelece com o próprio cinema, seria o do terror psicológico. Na primeira imagem do filme, vemos uma barca saindo de uma densa neblina. Nela está o agente de Leonardo de Caprio (um sujeito que melhora a cada parceria com Scorsese) enjoado com o mar. Esta atmosfera de desconforto, típica do noir, é reforçada na chegada à ilha: psiquiatras e policiais encobrem a verdade sobre o sumiço da detenta, em um ambiente misterioso. É aí que Scorsese cria uma iconografia assustadora: a chuva que bate na janela, a tempestade que destrói edifícios, corredores escuros que deslocam o filme do mistério policial para os limites da sanidade humana.
Então chegamos finalmente ao território propriamente dito da obra, onde as pontas soltas na primeira parte começam a fazer sentido, inclusive dando uma ordenação à sensação de caos de citações visuais, narrativas e políticas (o filme se passa em 1954, período fértil da caça ás bruxas macarthista).
Assistir ao trabalho de um grande cineasta que opta por uma produção, digamos, menos afinada com seus trabalhos anteriores em tema e estética, é sempre uma grande diversão. Ainda que não tenha feito um de seus filmes de expressão mais pessoal, A Ilha do Medo é um grande filme, desses que abre muitos caminhos (ao ponto de confundir o espectador) para explorar com profundidade o mais estranho e assustador deles, justamenete o que questiona a loucura como teatro legítimo para a sobrevivência.

O Napoleão que Kubrick não filmou

2010-03-13T12:12:00.003-03:00

O bilhete, datilografado com rasuras num papel não timbrado, listava uma dezena de argumentos. O terceiro deles dizia: "Espero realizar o melhor filme jamais feito." Era 20 de outubro de 1971 e pela última vez Stanley Kubrick (1928-1999) tentava convencer os estúdios MGM a bancar Napoleão, fita de três horas que planejava dirigir sobre o imperador francês. Àquela altura, ele já desconfiava de que era enorme a chance de o longa, de fato, jamais ser feito.

Embora o ambicioso projeto não tenha se concretizado, seus arquivos foram mantidos no espólio do diretor em Hertfordshire, Inglaterra. Por anos, admiradores puderam ler textos sobre o assunto e até uma versão do roteiro, de 1969 - que se acha numa busca no Google por "Napoleon", "Kubrick" e "script". Mas só agora a maior parte dos documentos se tornou pública, com o lançamento, no fim do ano passado, de uma edição limitada de luxo da Taschen, Stanley Kubrick"s Napoleon - The Greatest Movie Never Made.

Composta por uma caixa com dez livros e vendida a US$ 700, a série de mil unidades esgotou-se em um mês. Pela Amazon, é possível encontrar três cópias de segunda mão, com preços entre US$ 2 mil e US$ 5 mil. O volume inclui um fac-símile da última versão do roteiro anotada pelo diretor, cartas para envolvidos na produção, estudos de figurino, fotos de locação e análises de estudiosos.

A opulência do título condiz com o fôlego do projeto. Em dois anos de pesquisa, Kubrick reuniu 15 mil fotos de locações e 17 mil imagens do período de 1769 a 1830. Criou um selo com o símbolo da MGM e a letra N só para usar na correspondência sobre o filme. O roteiro abarcava nada menos que toda a vida do francês, começando e terminando com ele na cama - a primeira vez aos 4 anos, agarrado a um urso de pelúcia, a última aos 51, à beira da morte.

"Kubrick dedicou-se mais a esse projeto que a qualquer outro que tenha chegado a realizar", diz ao Estado, de Londres, Jan Harlan, cunhado de Kubrick e produtor executivo de seus filmes a partir de Barry Lindon - Napoleão seria o primeiro. Uma afirmação e tanto, dada a conhecida obstinação do diretor.

A pesquisa começou em 1967, durante a pós-produção de 2001: Uma Odisseia no Espaço. Kubrick leu aquela que se tornaria sua maior fonte, a biografia lançada em 1963 por Felix Markham, e fez inúmeras anotações nas margens. Já era a base do roteiro. O cineasta relacionava perguntas: "Ele era supersticioso? Tinha senso de humor? Bebia muito? Comia muito? Lia muito? Era bom de conversa?". Para sorte dele, e talvez azar do biógrafo, foi possível levantartais dúvidas em exaustivas conversas ao vivo, cujas transcrições estão no volume da Taschen. Os questionamentos são tão detalhados que fazem o principal biógrafo do imperador parecer, às vezes, despreparado - como quando Kubrick tenta arrancar dele uma conversão de valores para saber quanto Napoleão teria em dinheiro hoje. "Oh, Deus, isso é muito difícil", desabafa Markham.

Leia o texto completo no estadão.

As estudantes de cinema Rafaela e Marcela e os caminhos do cinema

2010-03-09T11:28:00.005-03:00

Rafaela Sonda e Marcela Montagutti são duas jovens estudantes de cinema em Curitiba. Como jovens, são apaixonadas por suas convicções, que defendem com entusiasmo e argumentos inflamados, como todo jovem deveria ser. Como estudantes, preocupam-se com o efeito Avatar sobre o futuro do cinema.
Quase fui apedrejado por ambas em uma discussão das mais acaloradas sobre o filme de Camaron, o oscar para Guerra ao terror e o futuro das salas de cinema. Argumentam elas, sabiamente, que o futuro do cinema não pode se concentrar em produções de meio bilhão de dólares, que monopolizam toda o circuito exibidor e toda a mídia. Seria desanimador, dizem, para quem almeja fazer do cinema um veículo de expressão mais pessoal e artística.
Em seu entusiasmo, estão corretíssimas. Pela minha defesa da premiação para a experiência que Avatar proporciona tanto para o espectador quanto para a recuperação do circuito, quase fui acusado de agente do imperialismo cultural norte-americano. Só faltou falarem que estou recebendo algum trocado do James Cameron (nem ingresso para ver o filme ele me deu!)
Retomando posts anteriores sobre Avatar, esclareço que o filme tem sim, e isso é inegável, um papel importante para discutir tecnologia e a exibição. Primeiro, é inegável seu apelo para levar as pessoas aos cinema - com todos os problemas do filme. Segundo, não se pode desprezar um evento que promove o encontro entre uma parcela do público que não pisava em um cinema ha décadas e um filme.
No fundo, admito, sou um saudosista, talvez deslocado no tempo.
Sou a favor da sala de cinema lotada (mas com isso não defendo as redes estrangeiras, míopes e mercantilistas ao extremo! O problema é que só elas detem salas em shoppings...fazer o que?)
Meu entusiasmo me faz recordar das tardes de sábado no Condor, Lido 1 e 2, Plaza, São Joao e Vitória. Naquelees tempos sem internet, a gente costumava ligar para um serviço da antiga Telepar para saber os filmes e horários. Se programava com o horário dos ônibus, se arrumava e enfrentava filas. Era comum sair de um cinema e ir em outro, sempre tomando cuidado para não perder o último ônibus. Cinema, como no slogan da rede Severiano Ribeiro, era a grande diversão. As ruas eram tranquilas, não havia violência e a sala de cinema era parte da nossa experiência social e cultural.
Eis aí meu entusiasmo pelo tal filme-evento dos seres azuis e rabudos. Começa e acaba aí.
Para mim, o cinema foi e ainda é uma forma de me compreender como ser humano, de entender meu papel no mundo e na existência. Alguns filmes, assim como alguns livros, peças, músicas e telas, tem um poder mágico de ajudar a nos definir. Foi em filmes de Kieslowski, Fellini, Ford, Ozu, Antonioni, Kurosawa que eu encontrei algumas pequenas e fugazes pistas que me iluminaram a alma. Mas também foi em filmes do cinemão pipoca que eu fui transportado para outros mundos.
O cinema, como lembra o crítico Luiz Carlos Merten, cujo trabalho admiro por ter o espírito sempre aberto para estas questões, tem muitos caminhos. Avatar não encerra de forma alguma um destes caminhos, mas aponta alternativas para resgatar o interesse - nostálgico, admito - pela sala cheia, oferecendo uma experiência impossível de ser obtida em casa. Pronto.
Que Rafaela, Marcela e outros estudantes de cinema, dentro e fora das faculdades, criem filmes tão apaixonantes quanto o tamanho de suas convicções. Seguindo por aí, o cinema, seja o cinemão, seja o cinema autoral, vai continuar iluminando o espírito humano.

Sobre o oscar 2010 mais comentários

2010-03-08T12:02:00.002-03:00

Três surpresas marcaram o Oscar 2010.
Primeiro, o argentino O Segredo de seus Olhos, do Campanela, que dirige Law and Order paraa TV americana e ja tinha sido indicado por O Filho da Noiva, ter desbancado o favorito e ótimo A Fita Branca. Haneke tinha até o discurso pronto. Vai ver acharam o filme do Haneke sutil demais. Ainda não vi o filme argentino, mas só li criticas positivas. De novo, a imprensa brasileira, obcecada com o fato do Brasil nunca ter levado uma estatueta, está discutindo o que isso representa. Pode-se falar muito sobre, mas o que está claro é que as indicações do Ministério da Cultura vem sendo bem equivocadas. Para esta edição, o país indicou Salve Geral, de Sergio Rezende, sobre os atentados do PCC em São Paulo. Ano passado foi Onibus 174, de Bruno Barreto. O drama social urbano nao parece interessar muito a Academia.
Segundo, Sandra Bullock levar melhor atriz. Ja falei sobre isso e quero esquecer que aconteceu.
Terceiro, Guerra ao Terror superar o favorito Avatar. Uma produção de baixo orçamento, de uns US$ 15 milhões, ser reconhecida sobre uma de uns US$ 500 milhões. Falei sobre isso abaixo. Gosto do filme da Bigelow: é tenso, muito bem construído e dirigido, estará entre os grandes filmes de guerra que exploram o íntimo do combatente e do combate.
UP levou animação e trilha, com toda justiça para este que é o melhor filme da história da PIxar.
Acho que Distrito 9 poderia ter sido mais valorizado, pois é um grande filme dentro de gêneros consagrados e que trata de exclusão, um assunto muito atual. Os Cohen, com Um Homem Sério, também poderiam ter sido mais considerados.

Oscar , interpretação e Sandra Bullock - o fundo do poço

2010-03-08T11:53:00.003-03:00

Sobre as outras premiações: Jeff Bridges pelo conjunto da obra e por ser esforçado, embora não seja lá um dos grandes atores do cinemão. Mo´nique coadjuvante por Preciosa: premiação justa para uma apresentadora e comediante que consegiu encarnar o mal absoluto como a mãe de Preciosa. Enquanto Gabourey estava na relação mais como um exemplo de superação (ela impressiona pelo seu físico, mas não é uma grande atriz, mesmo porque é estreante), Mo´nique impressiona pela sua frieza e segurança no papel.
Christoph Waltz como o nazista de Bastardos, ótimo! Grande ator, vamos aguardar seus próximso filmes.
Agora, me poupem, Sandra Bullock melhor atriz...é o fundo do poço mesmo. Seria o mesmo que dar um oscar a Eddie Murphy. A moça, bonitona em seus 45 anos, convenhamos, tem uma carreira incrivelmente marcada por filmes estúpidos de ação em comédias romanticas rasas. Bastou pintar o cabelo de loiro e encarar a republicana boazinha que adota um órfão negro e pronto.
Lembrei de Bette Davis e Cate Blanchet, entre muitas outras, já estiveram neste lugar. Bola fora total do Oscar.

Uma mulher leva o oscar de direção: e daí?

2010-03-08T11:44:00.006-03:00

Agora sobre as premiações deste ano.
Soltaram foguetes quando Kathryn Bigelow levou o Oscar de direção. Foi a primeira mulher a ganhar a categoria. Ela é uma cineasta talentosa, que domina os códigos do gênero de ação e que conseguu construir um filme excelente sobre a relação dos homens com a adrenalina da guerra, a proximidade da morte, sem politizar a tema do conflito no Iraque.
Sua premiação é mais o reconhecimento de seus méritos artísticos do que o fato de ser mulher. Festejar esta situaçao, coincidentemente no Dia da Mulher, pode carregar uma conotação machista, no sentido do deslumbramento provinciano. Assim como homens dirigem filmes sobre homens e mulheres, mulheres também criam filmes sobre ambos os sexos.
Pelo menos em algumas sociedades essa questão já parece estar bem resolvida.
Claro, pode-se argumentar, Bigelow não aborda o papel da mulher no mundo contemporâneo (pelo menos em nenhum de seus filmes até agora), como a iraniana Samira Makhmalbaf faz em uma sociedade repressora, ou como Mira Nair parte do melodrama para tratar da mulher dividida entre duas culturas, uma tradicional e outra moderna (Nome de Família), ou mesmo Jane Campion, ou ainda Ana Carolina, pra ficar num caso brasileiro.
Há muito que estas três cineastas vem contribuindo para iluminar algumas questões sobre o papel da mulher no mundo atual, com obras mais independentes. É um outro caminho, uma outra possibilidade.

Avatar ignorado: sinal verde para a pirataria e dowload de filmes

2010-03-08T11:36:00.005-03:00

Complementando o post anterior: não estou defendendo a indústria do cinemão pipoca nem defendo as redes exibidoras, a maioria delas americanas, geridas por gente sem nenhuma sensibilidade artística, de olho apenas nos lucros (o exemplo de Guerra ao Terror, lançado direto em DVD, mostra a miopia dessa gente).
Mesmo porque esta discussão é bem mais ampla e envolve o acesso ao cinema por parte do grande público, o preço dos ingressos, a polêmica da meia entrada, as cotas para filmes nacionais (que mal conseguem ser vistos pela sua própria gente), os projetos de construção de salas em periferias e cidades do interior.
Defendi apenas uma experiência que mobilizou as pessoas em torno do cinema. O ue acontceu ontem foi uma espécie de sinal verde para as cópias piratas e o download de filmes. O recado foi: "Não damos a mínima para uma tecnologia que leva as pessoas ao cinema, não nos importamos se a maioria dos habitantes do planeta não vai mais o cinema e não estamos nem um pouco preocupados se vocês assistem filmes piratas ou em seus computadores".
Depois nao venham reclamar.

Hollywood despreza Avatar e dá as costas para a experiência do cinema

2010-03-08T11:14:00.005-03:00

Confesso que até agora não consegui entender muito bem este desprezo de Hollywood por Avatar. Toda aquela gente bem vestida, bem maquiada e muito bem paga que estava na platéia do Teatro Kodak vive do dinheirinho que a gente pinga na bilheteria do cinema quando vai assistir a um filme. Está bem, a rentabilidade desta indústria não vem só do circuito exibidor, mas do home vídeo, cabo, locação, Tv aberta, merchandising, licenciamento de produtos, etc.
Mas bilheteria ainda conta e muito, sobretudo para a sobrevivência do negócio da exibição, que vem perdendo púlico brutalmente. Será que aquele povo todo não sabe que no mundo inteiro a experiência de ver um filme em uma sala escura é uma experiência em extinção?
Pensemos no caso brasileiro. Só há cinemas em shoppings, o que já elitiza a experiência, favorecendo o veículo e o cinema como diversão dentro de centros de compras decorados com colunas de profundo mau gosto, as ilhas de segurança artificial que protegem a classe média da violência. O ingresso é caro. Há milhões de opções em filmes nos canais a cabo, nas locadoras e pela INternet, no conforto e privacidade do lar, em home teathers que lembram telas de cinema em imagem e som.
Então, para que gastar dinheiro e ir ao cinema?
Daí que se cria uma tecnologia para fazer o sujeito tirar a bunda do sofá da sala, largar o controle remoto e deixar o computador. Cria-se uma experiência sensorial que só pode ser oferecida em uma sala escura. Aponta-se uma caminho para o futuro do cinema como exibição. E essa gente, vá saber porque, ignora este caminho.
Avatar, já escrevi aqui, não é em si um grande filme. Fora do cinema, seus problemas ficam ainda mais visíveis: seus esquemas simplificadores e rasos no tratamento do bem e do mal, sua caracterização superficial de personagens, os diálogos pobres, os furos de dramaturgia, os trechos cansativo, as explicações científicas enroladas, as sequencias cansativas e arrastadas, o final previsível.
James Cameron é arrogante e um roteirista bem meia boca, se acha o todo poderoso, é dinheirista pra burro, tudo bem.
Mas a EXPERIENCIA QUE AVATAR PROPORCIONA é tão grandiosa quanto a que os filmes dos Lumiére devem ter proporcionado aos incrédulos espectadores que viram imagens animadas em 1895, em Paris. É maravilhosa, é única, é algo que só a sala de cinema e só o 3-d podem oferecer.
Escrevi aqui que a tia Leonor, da pipoca, viu Avatar e ficou feliz por ter pago seus vinte reais (caro, com razão segundo ela). Tia Leonor não ia ao cinema há uns 30 anos, mas de tanto ouvir falar neste tal de Avatar arrastou filha e netos e foi. Pode não ter entendido muito, mas ficou extasiada, encantada, hipnotizada. Disse que era um troço doido de bonito, que ela se sentiu lá dentro, voando com os na´vis, tocando aqueles bichos e plantas esquisitas.
Tia Leonor ficou na fila para ver um filme no cinema. Arrastou mais uns dez familiares com ela. Tia Leonor, assim como milhoes de pessoas mundo afora, saíram de casa para ver no cinema uma experiência que nao teriam na TV.
Tia Leonor é quem deveria estar de vestido de griffe, maquiada e com brincos dourados sentada no Teatro Kodak, ontem.

Oscar 2010

2010-03-07T23:01:00.001-03:00

Comentários sobre o Oscar, em twitter.com/fabiofp.

Christoph Waltz Coadjuvante e UP - animação. Até agora. Muita enrolação, atraso e piadas sem graça.

Palestra sobre cinema americano no Museu Guido Viaro

2010-03-01T20:09:00.004-03:00

Na próxima segunda, dia 8 de março, às 20h, no Museu Guido Viaro, eu falarei sobre Cinema Americano Contemporâneo, em palestra que integra a primeira Semana Cultural do Museu Guido Viaro, uma iniciativa muito bacana do neto homônino do artista para estimular a reflexão sobre as artes em várias frentes.

Minha intenção é pensar um pouco sobre a produção atual, dentro de uma perspectiva histórica a partir dos anos 60, situando a filmografia contemporânea que se debate entre o filme mais popular e o mais autoral, ou independente - com as dificuldades de se aplicar conceitos ou rótulos consagrados.

Na sexta, 5, a semana abre com o monólogo CINETON, peça baseada na vida do pintor polonês Bruno Lechowski e que será apresentada pelo ator Paulo Alves. A peça terá uma segunda apresentação no sábado.
Na terça, 9, o músico Andrey Luna Giron apresenta a palestra "Música e Filosofia - vislumbrando potenciais infinitos".
Na quarta, dia 10, os músicos Angelo Esmanhotto, Vinny Moura, Alex Zanão e Ivan Wolkoff apresentam o concerto "Da renascença ao modernismo".
No dia 11, quinta, será exibido o longa-metragem curitibano Mystérios, baseado na obra do escritor Valêncio Xavier, seguido de debate com os cineastas Beto Carminatti e Pedro Merege.
Dia 12 , sexta, o cineasta Fernando Severo fala sobre "A cinematografia pictórica", palestra na qual aborda a relação da pintura com o cinema.
As palestras são gratuitas, com exceção da peça CINETON, que tem ingressos a R$ 10,00.
Tanto a peça quanto as palestras iniciam ás 20 horas.
O museu, inaugurado em novembro de 2009, fica na Rua XV de Novembro, 1348, na frente da Reitoria da UFPR.
Mais informações no 30186194 ou no site do museu

UP - as grandes e pequenas aventuras de se estar vivo, é o melhor filme da Pixar e um dos melhores do ano

2010-02-28T17:43:00.005-03:00

Não é de hoje que a Pixar tem a fama de Midas do mundo do entretenimento. Desde 1995, com Toy Story, passando por Vida de Inseto, Monstros S.A, Procurando Nemo, Os Incríveis, Carros, Ratatouille e Wall-E, todas as animações em 3-D da companhia de Steve Jobs são referência para a animação, por um simples motivo: toda a evolução em software esteve sempre a serviço de roteiros criativos e ousados.

Tamanho foi o estrago da Pixar sobre os desenhos em 2-D da Disney que ela se viu na obrigação de se unir à concorrente, sob pena de desaparecer. Muitas brigas depois, as duas empresas se entenderam, com a Pixar na criação e Disney na distribuição.

O mais recente filme da Pixar-Disney, UP, que em português chama-se Altas Aventuras, é simplesmente o melhor filme já produzido pela companhia. E digo mais: está entre os três melhores dos dez indicados ao Oscar deste ano.

O crítico Luiz Carlos Merten, do Estadão, escreveu que Ratatouille era um dos melhores filmes de 2008, lembrando que a estória do ratinho cozinheiro atualizava Proust,quando o rigoroso crítico prova um prato que o leva à sua infância.

Wall-E quase não tem diálogos em sua primeira parte (e quem é louco de lançar um filme sem dialogos hoje em dia?) e faz uma tremenda crítica ao futuro da humanidade, preguiçosa e obesa.

UP é um conto sobre os grandes e pequenos feitos da existência humana. Sobre como estes dois extremos podem ser mais próximos do que a gente imagina. O filme sugere que envelhecer ao lado do grande amor de sua vida é uma aventura tão excitante quanto desbravar uma paraíso desconhecido na América do Sul. O tédio, a rotina, o cotidiano de uma relação de muitos anos, todos aqueles rituais diários, tudo aquilo que leva as pessoas a terminarem suas relações, toda esta pequenez da vida do ser humano, isso é a grande aventura de estar vivo.

Carl Fredericksen é o simpático velhinho vendedor de balões que na infância sonhava em ser explorador de novos mundos. Conhece a tagarela Ellie, com quem se casa, mas ela não pode ter filhos. Ellie morre e a casa de Fredericksen está atrapalhando a construção de um edifício.

O filme trata dos sonhos interrompidos, dos planos não-realizados, das frustrações a qual todo mundo está sujeito. Do dinheiro economizado para aquela viagem tão sonhada, cujo projeto foi interrompido estupidamente pela morte. Da necessidade de seguir adiante, por mais que nada em volta faça sentido.

Quando a casa de Frederickson voa inflada com balões rumo a um lugar desconhecido, é inevitável comparar UP a O Magico de Oz (coincidentemente, em 1939 dez filmes foram indicados ao Oscar). Lá atrás, o vendaval em preto e branco sacudindo a casa de Dorothy encantou as platéias com seus efeitos visuais ainda primários, mas convicentes. Com seus balões coloridos, UP recupera este espírito de abertura para o desconhecido.

Haverá o momento do desprendimento, quando nem a presença física da casa, carregada como um peso ás costas do protagonista, fará sentido algum. Esta é a verdadeira aventura de se estar vivo: ter a coragem de olhar para trás, sorrir com as lembranças, jogar fora o que já não mais serve e seguir adiante, de cabeça erguida, pois a vida, por mais dura que seja, a todo instante se abre para as grandes conquistas e para os pequenos milagres do cotidiano, ainda que escondidos sob a mesmime da rotina.

Um Olhar do Paraíso abusa do visual para compensar uma direção travada e óbvia

2010-02-22T17:43:00.003-03:00

Havia uma grande expectativa para o novo filme de Peter Jackson. Queridinho dos estúdios com o sucesso da ótima trilogia O Senhor dos Anéis, ele teve carta branca para torrar o quanto quisesse em seu filme seguinte. Aproveitou toda a evolução do CGI para criar um King Kong bastante verossímil, no que Marion Cooper, em seu clássico de 1933, teve que se contentar com um monstro em stop-motion um pouco caricato (mas assustador para as platéias da época - aliás, o original é divertidíssimo e o próprio Jackson tratou de cuidar da restauração do filme quando criou sua versão contemporânea).

A concepção de cinema de Jackson é, tomando como base sua curta mas impactante filmografia, a da imagem como um elemento a ser moldado, uma peça de barro em que a filmagem em si não importa tanto quanto o que se fará a partir dela com as possibilidades criativas da moderna tecnologia de efeitos visuais.

Aí (que baita regressão para chegar ao ponto...) que se esperava muito de Jackson desde o projeto de UM OLHAR DO PARAÍSO (The Lovely Bones) foi anunciado. Seria o olhar de um criador contemporâneo, que acredita na tecnologia, sobre um drama mais intimista e menos fantasioso, com um tema pesado, o assassinato de uma criança.

Jackson escolheu a dedo sua incursão neste território teoricamente novo. Adaptou o romance Uma Vida Interrompida, lançado no Brasil em 2003 tendo nas mãos a responsabiliade de equilibrar um deslumbrante mundo pós-morte, com toda a carga de referências religiosas e espirituais consagradas na cultura popular, com uma narrativa mais densa que seus trabalhos anteriores, com ênfase no doloroso processo de reconstrução familiar após uma perda violenta.

A primeira parte da tarefa até que ele da conta, pois está em seu terreno predileto. Do além, Susie observa o andamento da vida de seus familiares após ter sido brutalmente estuprada e morta por um serial-killer de meninas, vizinho de sua casa. Jackon cria imagens belíssimas (algumas delas óbvias e de gosto duvidoso, convenhamos) que traduziriam a visão de Susie sobre aquele lugar que não é mais a terra mas ainda não é o céu.

O filme reproduz toda uma iconografia de árvores com folhas ao vento, campos amarelados banhados de sol e cenários com dimensões desproporcionais ao mundo que Susie acaba de deixar. Nestes momentos, o filme conversa com Amor Além da Vida, outra tentativa de se criar um universo visual para o que seria este estégio pós-morte.

O outro lado desta empreitada, o drama familiar dos que ficam e o próprio desespero da protagonista em observar seus pais e o cotidiano de seu assassino, carece de vibração legítima. Do reconhecimento da perda, passa-se a uma estrutura que mais lembra um filme de serial killer, onde a ênfase recai sobre o suspense em torno da punição para o assassino.

As cenas de contato entre a dimensão de Susie e sua família na terra são tão tênues e vazios quanto o ritmo que Jackon imprime à rotina da menina, antes e depois de seu crime. O tom é contido demais, travado, com um evidente zelo para não chocar ou confundir a platéia.

Outro filme genial em que o protagonista inicia seu drama morto, Crepúsculo dos Deuses, se permite uma liberdade intrínseca à própria condição que a narrativa impõe: um morto pode tudo, pode especular, questionar, criar, recriar, inventar, mentir, comentar.

Nesta brecha que sua estrutura propõe, Jackson constrói uma protagonista linear demais, que quando muito reluta em aceitar sua condição e nutre ódio pelo seu algoz. Falta a Susie, uma menina linda, esperta e criativa, aquela perspectiva vibrante que está embutida em sua caracterização ainda enquanto viva. No mais, o filme se desenvolve em lamentos e imagens hipnotizantes. Um pouquinho de ousadia com o material que tinha em mãos teria rendido um filme mais original.

Preciosa se enrosca em esquemas simplificadores e perde o melhor de sua protagonista

2010-02-18T17:11:00.005-02:00

Em PRECIOSA, há um momento do filme que a protagonista homônima e sua mãe assistem pela televisão a uma cena de Duas Mulheres, uma requentada tardia no estilo neo-realista (ou neorrealista, segundo a reforma ortográfica) que Vittorio De Sica dirigiu em 1960, quando o cinema italiano (e europeu) já era sinônimo de Fellini e Antonioni.

Preciosa se imagina dentro do filme, falando em italiano e recusando a comida que sua mãe tenta lhe empurrar. Embora Duas Mulheres não se encaixe muito bem na consagrada escola neorrealista (vai ser duro acostumar sem o hífen...) a intenção do diretor Lee Daniels é clara: ele quer beber na fonte do filme-denúncia, quer evitar toda glamourização para sua história e seguir sua personagem e seu drama pessoal e social.

O interessante deste trecho é que ele sintetiza tanto o reducionismo do filme quanto evidencia seu potencial desperdiçado. Enquanto denúncia, PRECIOSA é um desfile de desgraças tão intenso quanto cansativo, jogando com as convenções do melodrama a todo momento (mas sem o encanto de filmes como Ladrões de Bicicleta, por exemplo.

O que poderia conferir ao filme uma linha mais pessoal, no caso a imaginação da sua protagonista como válvula de escape para sua triste condição, perde a força diante do compromisso em mnter uma estrutura maniqueísta, sem espaços para nuances na representação de seus tipos humanos.

Preciosa é uma menina de 16 anos, negra, obesa, feia, mãe de uma filha mongolóide do próprio pai e grávida do segundo filho, também do pai. É odiada e humilhada pela mãe, vive em um apartamento miserável, sujo e escuro. Ah, esqueci, também é semi-alfabetizada.

Esta lista de flagelos por si evidencia um material extremamente delicado para qualquer criação. Não precisa se esforçar muito para que essa situação toda caia no comum, no trivial, com as oposições bem demarcadas entre o bem e o mal e os clichês de superação, tão caros ao cinema americano, bem posicionados.

Mas apesar de tudo conspirar contra seu destino, Preciosa encontra em sua grande capacidade imaginativa um refúgio seguro. Ela viaja dentro de sua mente onde é branca, magra, cantora de sucesso, em delírios que brincam com o universo pop, o pequeno universo cultural da protagonista.

São estes os momentos mais intensos e honestos do filme. É neles que está a força desta estória. E também naquela assombrosa capacidade humana de se reagir com alguma dignidade perante os infortúnios da vida, de erguer a cabeça, como diz Preciosa, mesmo que seja para ver um piano caindo.

Além desta força, que é a tônica de um modelo de cinema baseado na redenção e na segunda chance, como já bem observou o crítico Luiz Carlos Merten, Preciosa tem instantes em que consegue contrapor, com algum equilíbrio, a aparência exterior distante dos padrões considerados como belos na sociedade a uma sensibilidade interior profunda, terna e inquebrável.

Mas a estes caminhos, que dariam ao filme uma certa originalidade, Daniels prefere fazer sua protagonista comer o pão que o diabo amassou, criando representações que são a síntese do bem e do mal: a mãe repugnante, que maltrata a filha e sente ciúmes dela, a professora lésbica que alfabetiza Preciosa, a assistente social (uma Mariah Carrey irreconhecível) que se revolta com esta exploração, o enfermeiro (Lenny Kravitz) carinhoso que provê o afeto que falta em casa.

Tudo acaba sendo construído tão em cima de extremos, que a própria Preciosa se perde neste caldeirão de maldades x bondades, optando pelo caminho mais óbvio, sem que suas escolhas mereçam algum aprofundamento ou que o bem e o mal sejam minimamente relativizados.

É um filme com momentos encantadores, sobretudo quando se permite entrar na psicologia de sua protagonista e revelar que por baixo de tanto lixo respira uma flor rara. Mas infelizmente o resultado é um drama sob medida em tempos de Obama presidente, onde a indústria sente a necessidade de discutir mais seriamente questões raciais e sociais.

pretensiosa do diretor como revela um potencial

Blog no facebook e twitter

2010-02-17T18:34:00.003-02:00

Devo ser a última pessoa no continente a aderir ao Facebook...confesso que foi pura preguiça de manter em dia mais uma rede, além do orkut.
Estou lá em
http://www.facebook.com/home.php?#!/profile.php?id=100000741718487

Sempre que atualizo aqui, aviso no twitter do blog (twitter.com/quasenove) e no pessoal (twitter.com/fabiofp).

Guerra ao Terror revela a adrenalina de enfrentar a morte

2010-02-17T15:36:00.002-02:00

Há tempos não se via um filme de guerra tão intenso e envolvente quanto este THE HURT LOCKER, que por aqui foi lançado como GUERRA AO TERROR. É um título infeliz, de pouca inspiração, como a maioria das traduções. Neste caso, a esperteza da distribuidora com o nome pode ter sido creditada à pressa em lançar nos cinemas um filme que ela mesma havia negligenciado e distribuído direto em DVD. Bastou o filme receber nove indicações ao Oscar e corraram atrás de um nome de apleo comercial. Por aí dá para se ter uma idéia da falta de visão dessa gente.

O título original refere-se a uma expressão que significa algo como causar sofrimento físico e mental, mais coerente com os efeitos que o filme da diretora Kathryn Bigelow causa sobre o público. Com precisão cirúrgica, ela conduz o filme como uma experiência terrivelmente angustiante, na qual seus personagens brincam de perto com a morte, criando momentos tão tensos que a gente perde até a vontade de respirar.

O filme acompanha o cotidiano de um esquadrão antibombas na Bagdá ocupada pelas forças norte-americanas.

Os grandes filmes de guerra não tratam do conflito bélico em si. Apocalipse Now, de Coppola, é o retrato da insanidade humana em meio a uma guerra. Kubrick sabia disso. Seu Glória Feita de Sangue é um tratado sobre a vaidade, os jogos de poder e as injustiças ampliadas com lente de aumento no conflito. Outra obra fundamental do cinestas, Nascido para Matar é sobre a brutalização humana, necessária à vitória no campo de batalha. Kubrick leu nas camadas internas de Samuel Fuller, que com seu Agonia e Glória mostrou a pequenez humana diante das adversidades. Em Além da Linha Vermelha, Terrence Malick usa a guerra para discutir a complexa relação entre o homem e natureza.

THE HURT LOCKER filia-se a toda esta linhagem nobre, o que já o eleva ao posto de ums dos grandes filems do gênero em todos os tempos. Ele trata da necessidade masculina de flertar com o perigo. Este suprimento vital de adrenalina é o que busca o capitão William James em suas missões suicidas. Casado, pai de uma menina recém-bascida, ele precisa se expor à morte a todo momento para se sentir vivo. O que outros soldados temem, ele faz questão de enfrentar, levando a cineasta a perguntar se o conflito, a batalha, a disputa não são necessdiades masculinas artificialmente sufocadas por tudo aquilo que chamamos de civilização.

Para registrar estas missões suicidas e a delicada operação de desarme das bombas, a cinesta opta por uma linguagem de documentário, com muita câmera na mão e uma edição televisa, rápida e dinâmica.

Há uma cena que sintetiza bem o espírito do filme: o capitão James diante de uma prateleira com dezenas de opções de sucrilhos em um supermercado. Sua expressão é frégil, distante. Ele está totalmente perdido diante de tantas marcas, ele não se encaixa na sociedade de consumo, ele não se acomoda no papel de pai e provedor.

A guerra, apreende-se da cena, alimenta uma energia masculina tão essencial à sobrevivência quanto à agua, é só por isso que elas continuam e continuarão existindo. Só uma mulher conseguiria espiar com tamanha sensibilidade a alma masculina.

THE HURT LOCKER teve o mesmo número de indicações ao Oscar de Avatar. Curiosamente, a diretora Bigelow foi casada com James Cameron.

A Fita Branca , a violência e a maldade do ser humano na visão de Haneke

2010-02-17T11:15:00.006-02:00

O austríaco Michael Haneke vem construindo sua filmografia em cima da compreensão da violência no mundo contemporâneo. Mas seus filmes, densos e autorais, não trazem respostas prontas e fechadas. Ao contrário, se alimentam de perguntas que representam tentativas, buscas, aproximações sempre honestas daquilo que, no fundo, é doloroso de entender e de admitir, o que torna seus filmes tão perturbadores.

Em A Professora de Piano, a violência é exposta ao nível das relações humanas e dos sentimentos reprimidos, entre a mãe, a professora e entre esta e seu jovem aluno.
Funny Games, que no Brasil foi estupidamente batizado de Violência Gratuita - uma violência contra a inteligência do espectador! - mostra dois jovens bonitos e bem de vida que sentem prazer em torturar um casal em férias no cenário paradisíaco dos alpes austríacos. A versão americana, com Tim Roth, Michael Pitt e Naomi Watts, dirigida pelo próprio Haneke, tenta imitar o original plano a plano (mais ou menos como Gus Van Sant fez com a refilmagem de Psicose). Não acrescenta muito, a não ser atualizar o original com rostos mais conhecidos do público. Caché continua nesta linha, acrescentando um componente de ressentimento e preconceito racial ao drama do bem sucedido apresentador de TV que tem sua vida virada de cabeça para baixo quando recebe vídeos mostrando sua casa. Haneke aproveita aí para brincar com o conceito de realidade, ao estabelecer uma relação dúbia com a imagem, alternando o registro entre película e vídeo.

Fiz essa baita progressão para chegar ao seu mais recente filme, A FITA BRANCA. As raízes da violência humana, mais ainda, da maldade humana, são os temas do filme. Em um tranquilo vilarejo no interior da Alemanha um pouco antes da Primeira Guerra, a paz do povoado é perturbada por uma série de incidentes: um atentado contra o médico, a morte da esposa de um camponês, o espancamento do filho do Barão e a tortura de um menino deficiente mental.

Os habitantes do vilarejo vivem uma rotina severa, pautada pelo trabalho duro nas colheitas e por austeros princípios religiosos. Filhos são disciplinados pelo chicote. As relações familiares são puramente formais, sem afetos legítimos. Há uma ética pública, aquela da missa dos domingos e dos sermões, e uma privada. Os códigos das duas, sempre conflitantes, são os eixos sobre os quais o filme se equilibra.

Haneke aborda em A FITA BRANCA a violência como resultado de uma educação rigorosa, que sufoca qualquer instinto humano mais primitivo. O que o filme procura explorar, sem nunca cair no sociologismo de ocasião, é que os seres humanos, em qualquer época, respondem às pressões do meio em que vivem com brutalidade, não importa quanto tenham sido condicionados a se portar com sobriedade. Pode-se reprimir o monstro da maldade, diz Haneke, mas em um determinado momento ele voltará com toda sua fúria.

Esta idéia fica bem clara no tratamento que o diretor dá as crianças. A família do pastor da aldeia cultiva o hábito de amarrar fitas brancas nos braços dos filhos, como forma de lembrá-los de sua pureza (dái o título do filme). A questão é que esta pureza parte de uma limitada visão de mundo, que condena a sexualidade e sufoca todo e qualquer instinto prmitivo e vital. Na base, o filme trata da violência como remédio civilizador, mas cujos efeitos colaterais são mais violência, numa espiral sem fim.

Haneke é um cineasta dado à sutileza. Recusa qualquer mecanismo de espetacularização, tanto na tessitura de seus roteiros quanto na composição visual. Os 145 minutos de A FITA BRANCA privilegiam a palavra, meio esquecida nestes tempos de pirotecnias e terceira dimensão. A fala é um recurso que já não dá conta das tensões internas dos personagens e quando exercida, não consegue estabelecer uma comunicação plena. Um exemplo é o trecho em que a baronesa diz ao barão que deseja se separar dele. Outro é o momento em que o inocente filho do pastor, com uma voz terna e suave, pede ao pai para ficar um passarinho doente.

Por baixo das convenções sociais públicas, A FITA BRANCA revela um universo de tensões alimentadas por ressentimentos de toda espécie: sociais, afetivos, políticos. A mise-en-scene de Haneke acompanha este mundo com composições igualmente austeras:a fotografia em preto e branco (belíssima, aliás) e os enquadramentos valorizam os claros e escuros, os efeitos de contraluz, as zonas do plano em que pouco se percebe visualmente mas muito se intui. Sua câmera passeia pelos cenários seguindo os personagens, revelando lentamente o que eles enxergam, ou melhor, o que eles pensam enxergar.

Haneke, mais uma vez, não apresenta respostas para os crimes da aldeia. Prefere ampliar as perguntas. As crianças do vilarejo, entre 7 e 15 anos às vésperas da Guerra, serão os adultos na década de 30, quando o nazismo já tiver florescido na Alemanha. Esta associação, por si, explica muita coisa, não só do contexto social e familiar em que as futuras gerações alemãs foram gestadas, mas fala ainda ao mundo contemporâneo. Nazismo, fascismo, qualquer forma de totalitarismo e o próprio terrorismo fundamentalista são difíceis de combater pois, sugere Haneke, suas motivações estão encravadas no mais profundo da psiqué humana.

Eis porque A FITA BRANCA conquistou a Palma de Ouro em Cannes e é favorito ao Oscar de Filme Estrangeiro, além de ser aplaudida com entusiasmo por onde passa. um filme obrigatório.

Em cartaz no Unibando Arteplex. Corram, antes que seja retirado de cartaz nesta quinta!

Onde vivem os monstros é uma fantasia original e poética sobre a infância

2010-02-11T21:30:00.004-02:00

ONDE VIVEM OS MONSTROS é um belíssimo conto sobre o poder da imaginação. Ao contrário do que pode sugerir, não é necessariamente um filme para crianças, mas sim um filme sobre o universo infantil e como esta fase da vida pode ser terrivelmente marcada pela solidão e pela incompreensão.

O título original, Onde estão as coisas selvagens, é mais claro que a tradução nacional. Max, o menino peralta, como todos os meninos saudáveis, não consegue se comunicar com a mãe preocupada com o trabalho e com o namorado novo nem com a irmã e seu amigos adolescentes e grosseiros. Sente-se sozinho e sua solidão alimenta uma espécie de pacto pessoal com o seu lado mais "selvagem", o que expressa na ausência de limites em casa como forma de obter um pouco de atenção da família.

Mandado para o quarto sem jantar (quem de nós já nao passou por isso?) Max empreende uma jornada (visualmente bela, aliás) de barco a um mundo distante, habitado por criaturas estranhas, grandes e peludas.

Lá se torna o rei da bagunça, das brincadeiras, da folia, imperando numa espécie de paraíso dos sonhos de qualquer criança.

É ali que Max terá seu grande aprendizado, a percepção de que as relações humanas só são possíveis dentro de certos limites de respeito ao outro. Aprenderá isso de forma dura, ao ofender e estimular brincadeiras perigosas e dolorosas entre seus novos amigos.

Os monstros do reino de Max (atores usando fantasias de pelos, penas e outros adereços sujos, nada de efeitos visuais) são figuras arquetípicas que todos encontramos em nossa infância: o líder valentão inseguro, o frágil quietão, a tristonha, o grandalhão de quem todos tem medo mas é afetuoso.

E que momentos de grande força o diretor Spike Jonze cria neste mundinho! Briguinhas, bate-bocas, uma soneca com a turma toda abraçada em uma pilha, a construção de um forte, guerra de barro.

Não há adultos chatos para mandar, não há escola nem obrigações. Tudo é permitido, nada é proibido entre árvores frondosas, paisagens desertas e cavernas feitas à mão.

O mundinho onde Max é rei é a materialização de nossos sonhos de infância. É a representação em imagens de nossas fantasias mais profundas e também de nossos medos e duros aprendizados rumo à vida adulta.

É um mundinho que de tempos em tempos só o cinema, cada dia mais careta e saturado de explosões e ação vazia, é capaz de criar.

Distrito 9 empolga, diverte e critica

2010-02-11T20:55:00.003-02:00

Distrito 9 é um destes raros casos em que um diretor estreante consegue dois feitos em seu primeiro filme. O primeiro é o domínio seguro dos códigos de um gênero, no caso a ficção científica, e desse domínio vem uma grande capacidade inventiva de reciclar e brincar com os clichês, construindo um filme de grande apelo popular.

O outro diferencial do sul africano radicado no Canadá Neill Blomkamp é um roteiro muito bem estruturado, que subordina a tecnologia CGI a uma narrativa vibrante, crítica dos abismos sociais de nosso tempo e encenada com uma ousada riqueza visual.
Sem entrar muito em detalhes, penetramos no universo ficcional do filme momentos antes da execução de um plano para a retirada de milhões de alieníginas confinados no Distito 9.

Os extraterrestres acabaram ficando ali por uma pane ocorrida na nave em que viajavam, parada agora sobre Johannesburgo, capital da África do Sul. É inevitável a associação com o regime separatista que imperou naquele país até poucos anos atrás. Os aliens, feios de dar dó, chamados pejorativamente de camarões, vivem em barracos imundos, se alimentam de lixo e são explorados por quadrilhas de nigerianos, que trocam comida de gato por armas.

É um enredo bem estranho, colocado assim no papel, que tinha tudo para descambar ou para o filme tese sobre o separatismo, ou para mais um festival de efeitos visuais sob medida para mascarar uma estória batida.

Que nada. O jovem cineasta, com apoio de Peter Jackson, que agora trabalha na trilogia de O Hobitt (um dos filmes será do ótimo Guilhermo Del Toro)criou um fake documentary sobre toda a polêmica em torno dos aliens e no meio dela inseriu a estória.

O resultado é um filme que transita livremente pelas linguagens do telejornalimso, com imagens reais extraídas de noticiários da CNN, do documentário com câmera na mão e do cinemão de ação e sci-fi. Referências a Guerra dos Mundos (a versão dos anos 50, de Wise) e Alien são explícitas.

Depoimentos em primeira pessoa, dos moradores próximos aos Distrito 9, dão um ar de autenticidade ao filme, complementado pelas imagens cruas do burocrata Wikus Van De Merwe. É dele a responsabilidade de conduzir o despejo dos aliens, o que levará a consequencias trágicas a partir do momento que Wikus, um sujeito chato e sem graça, se torna um deles.

O cruzamento destes registros dá uma energia intensa ao filme, que em seu subtexto trata sim, das divisões étnicas e sociais de nossa era. Os aliens são uma representação do outro, daquele que incomoda, do indesejável, daquele grupo sobre o qual se quer distância. Sugerem os imigrantes em qualquer grande centro urbano da Europa ou os grupos sociais que habitam os entornos das cidades nas chamadas periferias.

Há críicos americanos que foram mais longe e leram o filme como uma metáfora atualizada da relação entre os judeus nos campos de concentração e os nazistas, dada a brutalidade com que os encarregados da segurança no distrito tratam os aliens.

O comentário social é presente no filme, mas nunca direto ou panfletário. Ao contrário, é um filme de ação, muito divertido, com momentos cômicos, para não dizer absurdos.

Filmefobia

2010-02-09T16:01:00.002-02:00

A única imagem verdadeira é a de um fóbico diante de sua fobia.
Filmefobia, experimento radical e muito instigante, de Kiko Goifman.
Volterei ao assunto depois porque agora não dá mais tempo.

Invictus é uma derrapada na obra do brilhante Clint Eastwood

2010-02-09T15:28:00.003-02:00

São belíssimos e inspiradores os versos finais do poema "Invictus", escrito e 1875 pelo inglês Wiiliam Henley:

"Não importa o quão estreito seja o portão e
quão repleta de castigos seja a sentença,
eu sou o mestre do meu destino,
eu sou o capitão da minha alma".

Infelizmente, INVICTUS, o filme de Clint Eastwood, parece não ter sido contagiado em sua plenitude pela força dos versos de Henley. Sou a pessoa mais suspeita do mundo para falar de Eastwood, para mim o grande cineasta americano em atividade, ao estilo dos grande narradores que moldaram a tradição do cinema clássico americano, como John Ford, só para ficar no exemplo mais conhecido.

De cowboy dos operísticos western spaghetti de Sergio Leone ao detetitve durão Harry Calahan, Eastwood passou a digirir e construiu uma sólida obra, que nos últimos trabalhos atingia altos níveis de refinamento e expressão pessoal.

Criou filmes maravilhosos, onde explorou com delicadeza e rara sensibilidade, dentro de estruturas comunicativas simples, porém extremamente difícies de serem atingidas, o tema dos arranjos familiares moldados por circuntâncias do destino.
Sao os pais e filhos que não se acertam com seus herdeiros ou responsáveis biológicos, mas que a vida trata de dar uma segunda chance.

Esta estrutura está em Um Perfeito, Menina de Ouro, A Troca e Gran Torino, uma quadrilogia eastwoodiana sobre o poder do ser humano de se abrir para o afeto nas mais incríveis situações no mundo contemporâneo.

Aí que se se criou uma grande expectativa em torno de Invictus. O presidente Nelson Mandella acaba de assumir o poder de um país dividido por décadas de ódio racial e vê na fraquíssima seleção de rugbi da África do Sul a oportunidade de catalisar para o esporte um esboço de projeto de nação multiracial.

Morgen Freem como Mandela está exuberante, os bastidores do poder recém conquistado são interessante, Matt Damon como o capitão da equipe de rugbi é sóbrio e discreto no tom certo, a reconstituição de época é perfeita.

Até aí tudo bem, não fosse um filme de Clint Eastwood.

A partir de um certo momento, tudo se torna previsível. As longas partidas são filmadas com grande dinamismo visual, colocando o mpúblico dentro do gramado..mas é só isso. Que apelo tem o rugbi para as platéias fora dos países onde o esporte é praticado? Aliás, desculpem a ignorância, não consegui entender porque aquele monte de homens gosta tanto de se esfregar naqueles motinhos humanos.

Em Menina de Ouro, o esporte era uma via para se chegar ao âmago da boxeadora criada por Hillary Swank. Em certo ponto daquele filme, não assistíamos mais as lutas no ringue, mas acessávamos sua alma, suas angústias e esperanças desesperadas. Em Invictus, pouco se tira do rugbi, a não ser um conjunto de clichês sobre motivação que em breve serão usados como exemplos em palestras motivacionais.

O Mandela de Freeman é quase um santo de tão bondoso, gentil e sorridente. Sentimos que o diretor o mostra levemente encantado com o poder, mas seu grande projeto, o de fazer a conquista da Copa do Mundo de Rugbi o marco zero da nova nação, sofre alguma resistência aqui, outra ali. A conflituosa relaçao do líder com sua família é sugerida muito superficialmente.

Ao abraçar a esfera pública de uma figura histórica, Clint Eastwood se afastou dos temas que mais marcaram a sua obra, construidno assim um filme banal, que não se relaciona com seus filmes anteriores, a não ser que se queira enxergar na obstinação de Mandela um ponto em comum com personagens de outras fitas do diretor.

Por mim, tudo bem. Até os grandes não são grandes o tempo todo. Já estou ansioso pelo próximo filme do velhinho, que passou dos 80 e não mostra (felizmente) nenhum sinal de cansaço.

Nine é fraco como filme e sofrível como musical

2010-02-08T16:51:00.004-02:00

Oito e Meio (1963) é um dos maiores filmes de todos os tempos, se não o maior. É exemplar maduro do moderno cinema que se começou a fazer nos anos 50, na Europa, com toda a geração de Fellini e Antonioni. Uma geraçao que abriu caminho para a piazada dos Cahiers da Nouvelle Vague, que por sua vez arejou as mentes de gente como Altmann, Coppola, Penn e Scorsese nos 70.
Em Oito e Meio, a angústia feliniana perante a vida e o ser humano ganha um tom de sonho: as mulheres do harem de Guido Anselmi, a relação com a igreja, os conflitos sexuais, a pressão sobre o criador, as mulheres, tudo é visto sobre um olhar masculino que em alguns momentos é infantil como uma criança no circo, em outros é perdido como alguém que precisa da mãe diante das dificuldades da vida.
É uma obra para ser vista muitas vezes. Não lembro bem, mas acho que foi o escritor Ignácio de Loyola Brandão quem afirmou ter visto Oito e Meio mais de 80 vezes.
Oito Meio está em All That Jazz, obra-prima de Bob Fosse sobre a crise de criatividade e sobre a masculinada perdida nestes tempos modernos.

NINE dá a impressão que o diretor BOb Fosse não assistiu nem ao Oito e Meio nem ao musical de Fosse.
O filme é uma pastelada dessas difíceis de engolir e de fazer ao ponto de fazer a gente se perguntar: O que faz um sujeito reunir o dream team da estética cinematográfica feminina mundial (Nicolle Kidmann, Penélope Cruz, Marion Cotillard) secundadas por Sophia Loren, Jude Dench, Katie Hudson, Fergie e por toda essa mulherada para cantar umas melodias banais com letras sofríveis e dançar umas coreografias de festas de escola?

Não sei.
NINE é a adaptação para as telas de um musical que por sua vez é inspirado em Oito Meio. Como filme, é triste ver Daniel Day Lewis sendo perseguido por todas estas mulheres, escondido em seus óculos escuros, acuado em sua crise de criatividade e em crise no casamento. Inevitável, porem injusto, lembrar do Guido Anselmi do eterno Mastroiani. O que o ator italiano tinha, pelas mãos de Fellini, de dúvida e descrença, Lewis tem de chatice e pamonhice.
O filme se sustenta como uma colagem de momentos desconexos entre si, com o Guido de Lewis fugindo de suas responsabilidades e tentando equacionar os apelos da esposa e amante. Como filme, não consegue segurar ou desenvolver sequer uma linha dramática. Como musical, dói. Os números, sugeridos no filme como sendo do plano da imaginação ou das lembranças, invadem o drama. São coreografias banais, apresentadas no mesmo cenário do filme que Guido deve começar a filmar.
Tudo que existia de denso em Oito e Meio foi digerido e transformado aqui em algo mais, digamos, palatável para as massas. Perdeu-se a dimensão misteriosa e complexa dos relacionamentos de Guido com as mulheres. Em NINE, estas relações se tornam draminhas rasos de amor e ciumes conjugais. Perdeu-se aquele tom de alegria triste, ou de tristeza alegre, caracterítico da obra de Fellini, em prol de uma celebração vazia da midiatização sobre a figura do artista.
Foi, confesso, uma das grandes frustrações dos últimos tempos.

Amor sem escalas revela a desumanização do homem em sua relação com o trabalho

2010-02-08T16:28:00.004-02:00

Amor sem Escalas (Up in the air) observa o universo masculino sob dois prismas. O primeiro revela no que se tornam os homens obcecados pelo seu trabalho, que levam a vida viajando. O segundo é consequencia deste: uma existência sem espaço para a construção de relacionamentos afetivos de qualquer espécie ou mesmo de enraizamento no conforto de um lar.
O que chama a atenção no filme é que o protagonista, o consultor Rayn Bingham de Geroge Clooney tem justamente a dura tarefa de demitir pessoas que tem família e filhos. Ele, solteiro convicto que passa 22 dias por ano em terra firme, em um apartamento impessoal e quase sem móveis, precisa destruir tudo aquilo que não tem. É irônico, mas ao mesmo tempo permite ao personagem fazer seu trabalho sem culpa, pois ele nunca esteve do outro lado para saber o que é um marido comunicar sua demissao à esposa.
Uma novata da empresa onde Ryan trabalha, uma psicóloga recém-formada, sugere que as demissões sejam feitas por videoconferência, para cortar custos. A possibilidade deixa Ryan em pânico, pois sua vida é estar dentro de aviões, hotéis e ministrar palestras motivacionais repletas de clichês.
Um roteiro muito bem elaborado faz com que ele tenha que lidar com uma grande mudança em sua vida, ao mesmo tempo em que experimenta um romance com uma mulher que conheceu em uma das viagens.
O filme resume bem o espírito que se abateu sobre o mercado de trabalho durante a crise de 2009 nos Estados Unidos, quando grandes companhias demitiram milhares de empregados.
Há momentos espetaculares no filme, como quando Ray revela que seu fetiche no programa de milhagem é conquistar dez milhões de milhões e ser um dos seletos proprietários de um cartão exclusivo da companhia aérea. Não é para voar de graça, mas apenas para ter o cartão. O filme o mostra como alguém que supre a carência afetiva se escondando atrás de relacionamentos casuais ou investindo energia ma escolha de promoções e cartões de fidelidade.
É um trabalho equlibrado do diretor Jason Reitman, que evita um desfecho fácil e óbvio para o personagem, ao mesmo tempo em que mostra com lupa de aumento, mas sem defender tese alguma, como o homem contemporâneo se torna desumanizado ao se identificar integralmente com seu trabalho.
Adorei o filme, mas pessoalmenteainda prefiro Obrigado Por Fumar e Juno, do mesmo diretor.

Sherlock Holmes de Guy Ritchie une pancadaria e dedução

2010-02-08T16:01:00.005-02:00

Nas mãos de Guy Ritchie, Sherlock Holmes transformou-se em um personagem de filme de ...Guy Ritchie.
O diretor inglês apropriou-se do famoso e sisudo detetive ao seu estilo bem pessoal, consagrado em filmes como Snatch, Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes e Rock´n´Rolla: a Londres dos becos e do submundo com seus tipos e atividades ilícitas, à margem do mundo oficial; muita ação e pancadaria, sequencias em câmera lenta e imagem congelada.
É um Sherlock com habilidades marciais e gosto pela briga, enroscado em uma ladra do submundo e quase sempre salvo pelas intervenções do médico e assistente Watson. Um pouco distante daquela imagem consagrada pelos romances de Conan Doyle, o que poderá chocar os leitores mais radicais.
Esta operação revela um upgrade no velho Holmes, que de outro modo, mais fiel às suas origens literárias, com seu assombroso poder de dedução, soaria um pouco ancrônico às platéias juvenis, alvo do grosso da produção contemporânea.
É um filme muito divertido, sobretudo na exploração da intimidade entre Holmes e Watson e no desespero que o famoso detetive revela perante a possibilidade de perder seu companheiro para a noiva do médico. É uma amizade com seus altos e baixos, como todas as grandes amizades, nutrida por uma dependecnia nao assumida da parte de Holmes e por uma admiração por parte de Watson (que não está totalmente seguro de sua opção pela monotonia de uma casamento ocupando o lugar das agitadas investigações com Holmes).

O Lula do fime reforça o mito público e ignora o privado

2010-02-08T14:57:00.003-02:00

Reparem na imagem acima. Dona Lindu e sete de seus oito filhos deixam Caetés, no agreste pernambucano, rumo a Santos. Là no cantinho, a ótima Gloria Pires, que faz a mãe de Lula, segura o mais novo no colo. Reparem que o caminhão tem uma bandeira do Brasil no lugar da placa. É o destino na nação que está no veículo, sugerem seus realizadores.
Este é um pequeno detalhe que ilustra o desenvolvimento do filme Lula, o Filho do Brasil. Roteiro, cenários, direção de arte, diálogos e a direção optam por alimentar o mito Lula ao invés de explorar o homem. Eis aí, em minha visão, o principal entrave para a produção dos Barreto.
Conheço gente que não assistiria ao filme nem de graça, com argumentos que vão de um ódio profundo ao presidente passando por acusações de corrupção nos dois governos do PT. Assim fosse, ninguém teria assistido A Queda, sobre os bastidores dos últimos momentos de Hitler em seu bunker. Ter uma posição crític em relação as idéias e atitudes do presidente (muitas vezes questionáveis) e sua administração são um direito dentro de uma sociedade democrática. Evitar uma cinebiografia de uma pessoa que tem sim, sua importância para a história recente do país, é um preconceito que não ajuda muito. Tempos atrás vi um filme horroroso sobre John McCain, candidato derrotado por Obama nas eleições americanas. É fiel à sua biografia de soldado abatido em combate e prisioneiro dos vietnamitas por cinco anos. É parcial pra burro,mostrando um MacCain herói, resistente e patriota, mas é só um filme. Personagens da história sempre foram uma fonte generosa para o cinema.
O Filme Lula é só um filme, e pronto.
São muito ingênuos os que associam o filme à campanha eleitoral de 2010, imaginando que ele se encaixe como uma peça para alavancar a candidatura Dilma. Só quem não conhece o circuto exibidor afirma isso. O ingresso médio aos finais de semana custa em Curitiba cercad de 12 a 15 reais. É para a classe média pra cima. Há muitos anos que a população das classes C para baixo não chega nem perto de um cinema. Se o eleitorado de Lula fosse ser influenciado pelo filme, seria preciso criar uma operação para exibir o filme gratuitamente, nas cantos mais pobres e distantes do Brasil.
até onde acompanhei, o filme fez 650 mil espectadores. A sessão a que assisti tinha oito pessoas. Fica difícil chegar aos dez milhoes que a produção esperava. A classe média, que paga ingresso em cinema de shopping, parece não ter se entusiasmado com o filme.
Logo em seu início, o filme traz a logomarcade vários patrocinadores e informa que nenhum tostão de dinheiro público foi aplicado na produção. Diz a Veja que todos os patrocinadores têm contratos generosos com o Governo Federal.
Não vou ficar dos lado dos que apedrejam. "Nâo vi e nao gostei". Há momentos muito bem construídos no filme. A primeira vez em que Lula entra em um cinema para ver um filme de Mazzaropi, usando uma gravata cedida por um amigo. A cena em que a mãe se emociona ao ver o filho recebendo o diploma de torneiro mecânico. A família reunida no pequeno casebre vendo Jornal Nacional. Lula e um amigo traçando planos para se aproximar de duas moças em um baile. É, inegavelmente, uma produção caprichada, com momentos de um roteiro bem articulado e uma direção segura, atenta ao desenrolar dos pequenos detalhes privados de Lula.
Mas pena que estes pequenos momentos sejam tão poucos. Para alguém com o mínimo interesse na figura de Lula, não é novidade saber da viagem em pau de arara para Santos, a morte da primeira esposa no parto do filho, a dedicação da mãe à sua prole. A dura biografia do presidente em si já é um grande drama, com sua exemplar trajetória de superação. Ela está toda ali no filme, mas a serviço da construção de uma imagem impecável de um ser humano. O Lula de Fabio Barreto (que ainda está inconsciente, mas fora da UTI) só existe dentro do filme. É bondoso demais, seguro demais, correto demais. Não se trata com mais profundidade da transformação do Lula metalúrgico em líder sindical. Do nada, ele fala com segurança para os trabalhadores, sem esboçar o mínimo de indecisão. O alcool aparece no filme apenas nos momentos em que é socialmente aceito, como festas ou comemorações. Lula no máximo fuma muito. Não se vê ele reagindo com raiva ou palavrões à morte de sua esposa e filho (sugere-se que teria sido descaso do médico em hospital público).
Outro ponto é o ator Rui Ricardo. Há momentos em que ele tenta imitar a voz rouca de Lula e o resultado fica um tanto quanto caricato. Melhor seria compor seu tipo baseado na figura do presidente. Glória Pires consegue desaparecer no papel de Dona Lindu, dando consistência ao filme.
Nâo deve ter sido fácil a tarefa dos roteiristas e do diretor Barreto. Todas as cinebiografias sempre são problematicas ao assumiram escolhas mais conservadoras de trechos das vidas de seus personagens. Neste sentido, pintam seus retratados como modelos, elegendo cenas exemplares, ignorando a complexidade humana que envolve insegurança, medo, paralisia, tristeza e a própria superação de tudo isso.
O filme repito, tem seus momentos emocionantes, mas fornece uma imagem unidimensional de um homem cuja trajetória privada teria mais pontos de interesse dramático que as escolhas didáticas direcionadas para a construção de um passado público.

A tia da pipoca quer ver Avatar

2010-02-08T13:34:00.004-02:00

Se eu, você e mais alguns cinéfilos comentamos sobre o último Almodóvar, contamos ansiosos os dias para o lançamento da versão Tim Burton para Alice ou ainda nos agendamos para assistir A Fita Branca, tudo isso pode ser considerado "normal". Vivemos imersos em nosso pequeno mundinho de filmes, falamos de filems o tempo todo, sabemos o que vem por aí (e sempre praguejamos contra as distribuidoras!) gastamos nosso trocados em sessões para três ou quatro espectadores no Arteplex e Novo Batel (vida longa aos cinemas desta sala!!!!).
Porém, há casos em que um filme rompe este nosso círculo minúsculo. Um filme em cinema, com ingresso pago e mais caro que o normal. Aquela grande parcela do público que já não se lembra mais da última vez em que pisou em um cinema quer assistir a este filme. A produção se torna tema de conversa de ponto de ônibus, de salão de beleza e ás vezes rivaliza com a novela.
Quando um filme atrai atenção de gente que não costuma frequentar cinema, seja para ver títulos mais alternativo ou o feijão com arroz habitual, alguma coisa acontece. Estamos diante de um fenômeno cultural, que merece alguma reflexão.
Estou falando de Avatar, a fantasia de James Cameron que em pouco mais de 40 dias bateu os dois bilhões de dólares de bilheteria, superando o recorde de Titanic, também de Cameron, que precisou de sete meses para chegar aos US$ 1,4 bilhoes.
Não se pode tratar de Avatar apenas como um filme. Seria simplista demais ignorar a produção dentro de um contexto que transcende o próprio filme e o futuro do cinema como negócio e entretenimento.
Avatar se encaixa naquilo que Justin Wyatt chama de blockbuster high-concept. Simplificando, é o filmão assumidamente pipoca, de altíssimo orçamento, com violenta e onipresente divulgação, repleto de efeitos especiais possíveis pela mais moderna tecnologia. Tem enredo fácil de ser entendido, ocupa quase todas as salas do circuito exibidor e deixa os executivos do estúdio que o produziu se embriagando de alegria ao consultar os resultados da bilheteria a cada segunda-feira.
Os números não são muito claros, pois as fontes divergem, mas comenta-se que o filme custou cerca de US$ 200 milhões só para ser produzido. A FOX se empolgou e aplicou mais uns 200 e cacetada no lançamento e promoção. Estima-se que os custos totais cheguem a US$ 500 milhões.
É da lógica do high-concept apostar quase todas as fichas em poucos títulos, fazendo com que o filme massacre nos primeiros dias de bilheteria e por saturação (de tanto se falar nele o todo mundo quer ver e o esquema vira uma boal de neve) a dinheirama investida acaba retornando. É a estratégia das majors para cobrir os prejuízos com a miaoria dos filmes que são lançados, em tempos de troca livre de arquivos de vídeo pela Internet.
Visto sobre esta ótica, Avatar terá sim, lugar especial na história de uma indústria que desde seus primeiros momentos, ao final do secúlo XIX, se pautou pela lógica comercial. É triste, mas sempre foi e será assim. O que não impediu esta mesma estrutura de produzir obras de arte de Ford, Huston, Hawks, Hitchcock, Kubrick e Clint Eastwood.
Como o que conta é o dinheiro, Avatar é um filme bem sucedido e pronto. Você dira que os filmes não se julgam assim, tão friamente. Concordo, mas para uma indústria que a cada ano vê seu público minguar nas salas de cinema e perde receita com o download de filmes, um filme evento como Avatar é uma virada de mesa. Pergunte a qualquer exibidor o que ele pensa de Avatar. Em 1997, os circuito exibidor da Rússia ia muito mal das pernas. Foi Titanic quem salvou muitas salas de fecharem. Cameron é amado e idolatrado até hoje por lá.
Quando escrevi acima que Avatar é um fenômeno cultural, refiro-me aquela capacidade cada vez mais rara que alguns produtos da indústria tem ao canalizar a atenção de uma parcela muito mais amplo de seu público-alvo.
A tia a pipoca ouviu falar de um tal de Avatar. A tia da pipoca nao entra num cinema há mais de vinte anos. Deve ter visto no máximo uns 2 filmes em cinemas em sua vida. A tia da pipoca quer ver Avatar.
Entendeu agora?
Se a tia da pipoca quer pagar 20 reais para ver Avatar, já não estamos mais falando de um filme. Estamos no reino da experiência, do fetiche do filme em uma sala escura. Uma experiência que as novas gerações parecem ignorar, dada a facilidade em se relacionar com o audiovisual por outros caminhos e tecnologias.
Consegui assistir o filme na terceira tentativa, em dezembro, uma semana após a estréia. Nas duas primeiras todas as sessões estavam lotadas. Fila para entrare correria para pagar um lugar na sétima ou oitava fileira, para aproveitar os efeitos do 3D.
A última vez em que vi um cinema totalmente lotado, com TODAS as poltronas ocupadas, foi em 1997, com Titanic, nas salas do UCI Estação.
Avatar trouxe de volta aos cinemas gente que nem lembrava mais que existiam cinemas e filmes. Adultos que puderam recuperar um pouco daquelos momentos de infância em que não existiam sequer videocassete. Idosos que não perdiam as sessões de domingo na nossa Cinelândia, no Luz, Avenida, Palácio, Ópera e Arlequim. Crianças e adolescentes que sequer tinham pisado num cinema e que só viram filmes pela tela de seus computadores.
Por mobilizar tanta gente em torno de um filme, Avatar tem, sim, sua importância especial na história do cinema.
Cameron, uma espécie de Midas do entretenimento (gasta muito e também fatura muito) sabe que está cada vez mais difícil ou quase impossível tirar as pessoas do sofá da sala ou do computador no quarto. Por isso esperou quatro anos para desenvolver uma tecnologia que obrigasse o público a ver seu filme em uma sala de cinema.
(Se alguém fez download do filme, esqueça. É como se não tivesse visto)
O universo de Avata em terceira dimensão é um destes espetáculos tão impactantes quanto as primeiras projeções de filmes que os Lumière promoveram para uma platéia incrédula em 1895.
A experiência que o filme proporciona é extasiante. Os animais, plantas, montanhas suspensas, rituais e toda a cultura na´vi do planeta são apresentados como se estivessem ao alcance de um braço do espectador. Raras vezes se viu no cinema um visual tão perturbador em beleza, força e energia.
As obsessões de Cameron tambpem estão presentes no filme: mulheres fortes e decididas, a interação homem-tecnologia. Há uma espécie de celebração das culturas primitivas e de sua relação harmoniosa com a natureza. É um contraponto aos tempos de hoje, com o homem sofrendo na carne os efeitos de sua tentativa de controlar e depredar os recursos naturais. Há uma discurso ambiental que opõe os na´vi aos soldados e exploradores americanos. E o público acaba torcendo contra os soldados americanos, ironia das ironias para uma país que está enroscado em duas guerras sem solução no Afeganistão e Iraque.
Este é o Avatar fenômeno cultural.
O Avatar filme tem problemas graves. Dirão alguns que toda a experiência proporcionada pelo 3D disfarça estes problemas. Talvez tenham razão. O roteiro é frouxo, raso, evidente. Constrói a dualidade bem x mal sem nuances ou ousadias. Força o espectador a acreditar que o avatar do soldado Jake Scully é aceito sem resistência pelos na´vi. Cameron dá a impressão de confiar demais em seus belíssimos delírios que na costura de seu drama. Os soldados mercenários são a encarnação clichê da maldade. Os discursos motivacionais da resistência ao invasor são óbvios. A longa cena da batalha final é cansativa com resultado previsível.
Mas Cameron, que tem uma boa mão para segurar uma estória (méritos sejam reconhecidos) passa por cima de tudo isso e consegue dosar suspense com ação e mensagem ecológica.
Certeza absoluta que levará o Oscar de Filme este ano.

Imagens do passado e música ao vivo no Teatro da Caixa

2009-11-30T11:23:00.002-02:00

Belo e emocionante o espetáculo Cine Re-Sonar, apresentado no último fim de semana no teatro da Caixa. Imagens antigas, de Curitiba nas primeiras décadas do século, projetadas em uma tela com trila sonora executada ao vivo (atrás da tela) em arranjos para violino, teclado, violoncelo, violao, guiterra e percussão.
Até o final dos anos 30 quase todas as exibições tinham alguma forma de acompanhamento musical. Aqui mesmo em Curitiba o pioneiro Aníbal Requião - que em 1908 abre o Cine Smart, primeira sala com programação diária de filmes - acompanhava as imagens ao piano ou ao oboé.
Há muitos anos atrás tive a oportunidade de acompanhar a projeção de Nosferatu (nao tenho certeza absoluta se era este filme...) no finado Cine Ritz, com a trilha intepretada ao vivo por um pianista alemão e uma senhora que ia traduzindo os letreiros. Era uma promoção do Goethe, acho. Experiência marcante, sala lotada, na época ainda se ia muito aos cinemas de rua, se camainhava tranquiloamente pelo calçadão da XV, falando sobre o filme e decidindo em quel bar tomar a próxima cerveja.
O espetáculo de sabado, iniciativa do músico Vadeco, me fez lembrar estes tempos. As peças compostas pareciam dar vida a todas aquelas pessoas na tela. Todas já mortas há muito tempo, mas que pela magia do cinema voltaram a viver por alguns instantes.

Mysterios é ode a Curitiba, ao cinema e aos pesadelos

2009-11-22T20:28:00.004-02:00

Acabei me alongando demais no post anterior, mas a intenção era tratar do filme em si. Mysterios narra três contos, tendo como fio condutor justamente o mistério. No primeiro deles, uma moça desaparece ao dar uma volta no trem-fantasma do Parque Alvorada. Dos três segmentos, foi o que mais gostei. Tem um clima de nostalgia inocente do final dos anos 60, mais precisamente na mesma semana em que o homem pisa na lua. O tratamento visual e sonoro é impecável - uma marca que por sinal se mantém durante todo o filme. O Passeio Público com seus vendedores de mação do amor, o lambe-lambe interpretado pelo Hugo Mengarelli, a trilha pop-brega com "Se Deus Me Ouvisse", tudo remete a um tempo mais tranquilo, com menos correria, mais esponteneidade e simplicidade. Mas a intenção do filme nao é apenas recriar uma Curitiba que se perdeu. É partir desta cidade que o tempo esqueceu - quem lembra do divetido trem-fantasma do Alvorada? - que o filme mergulha no desaparecimento da garota. Em tempos de ditadura, a crônica policial explorou à exaustão este sumiço, o que permite ao filme um tratamento gráfico e sonoro bem modern, inserindo trechos de manchetes de jornais, imagens de livros antigos e narrações radiofônicas.
O segundo segmento trata da descoberta de fragmentos de um filme dos anos 20 em um galinheiro. Pouco se salva da fita erótica, pouco se sabe de seu realizador. É uma baita homenagem aos pioneiros do cinema paranaense, Anibal Requião e Joao Batista Groff, citados no trecho. A fotografia em PB consegue criar com riqueza de detalhes os trechos da fita danifica e direção de arte segura e inventiva traduz o clima erótico em torno de um grupo de belas jovens seminuas filmadas por um anônimo na provinciana Curitiba dos anso 20.
O terceiro segmento é o mais surreal dos três. Em um espetáculo de mágica, a assistente do ilusionista se fere durante a apresentação. Dizer isso nao siginifca nada. É o mesmo que citar sinopse em filme de David Lynch, cujo visual de pesadelo parece ter sido a fonte na qual beberam os realizadores do filme.
Os três contos são costurados pela presença de um narrador, interpretado por Carlos Vereza, que ora se limita a tentar interpretar o que vê, ora participa mais ativamente das situações.
É uma produção de um capricho especial na imagem e no som, que mostra a maturidade e a originalidade do cinema feito atualmente em Curitiba, que parece estar trilhando um caminho muito rico e pessoal, sem embarcar na fórmula do drama social de viés urbano - dominante nas produções paulistas e cariocas.
O trabalho dos diretores Beto Carminatti e Pedro Merege é sólido, ousado, detalhista e consegue explorar com habilidade a idéia de que o desconhecido, o estranho, o que nao se vê está mais presente na realidade do que a gente imagina. Mysterios é um exercício de sutilezas visuais e sonoras, uma homenagem a uma Curitiba perdida, uma ode ao cinema dos pioneiros e anônimos e um belo pesadelo em cores fortes.
Avisem os amigos , corram ver. Está no Crystal Arteplex.

Mysterios nos cinemas e o drama do filme nacional

2009-11-22T20:08:00.003-02:00

Alertado pela querida Monica Rischbieter, fui assistir Mysterios, produção curitibana inspirada na obra O Mez da Gripe, de Valêncio Xavier. Estava ansioso pela estréia no circuito , o que aconteceu na última terça, mas só foi possível assistir no sábado. Como são gritantes os contrastes da vida e cinematográficos. No último sábado, passando no Estação, vi de perto a euforia teen com Lua Nova: nas sessões da tarde, as filas quase alcançavam a saída da Sete de Setembro.
À noite, do Arteplex do Crystal, eu e mais quatro pessoas na sessão das 21h30 para conferir Mysterios, um bom filme com elenco e equipe técnica aqui da terra. Não que me assuste uma sala quase vazia - sendo bem egoísta, ate prefiro assim, optando sempre pelas salas do Crystal e Novo Batel, o que é ótimo para um cinéfilo e péssimo para o exibidor. Cansei de ver filmes com 3, 2 ou sozinho mesmo - fora o projecionista. Filme nacional então, se nao tem o apelo básico (comédia + rostos da novela das oito) nao passa de dez, 12, pessoas por sessão. Isso, cá entre nós, contando com a saturação do ciclo de violência urbana, que arrebatou multidões com Cidade de Deus e Carandiru e hoje aposta em Salve Geral, que inclusive deve representar o Brasil no oscar de fita estrangeira. Nao vi números do Salve, mas por aqui assou bem em branco. Na sessão em que estive, menos de 1o pessoas em um domingo á noite, véspera de feriado. Nao é sequer o caso de tratar do filme em si, que tem seus problemas ao abordar os ataques do PCC do ponto de vista de quem os fomentou, com todo um discurso sociológico questionável, mas de pensar um pouco na dificuldade danada que o filme nacional enfrenta no circuitão.
Bom, fiz toda essa volta, mas queria mesmo falar do Mysterios. A Monica, uma das produtoras e roteiristas do filme, me avisa toda empolgada da estréia no Crystal, circuito que mantém a tradição de equilibrar títulos mais comerciais com obras alternativas, graças ao espírito do Adhemar Oliveira, que vive abrindo espaço nas salas que o Unibanco Arteplex tem em várias capitais para filmes nao-americanos e títulos nacionais sem estrutura forte de distribuição. É o sujeito que atende o cineasta guerreiro, aquele que marca um encontro com a lata de seu filme debaixo do braço e precisa de um espaço para fazer circular sua arte.
Conhecendo a sensibilidade, a inteligência, o entusiasmo e o bom humor da Monica Rischibieter, não creio que deve ter sido muito difícil para ele abrir uma sala para Mysterios aqui na capital. É um chute, pois desconheço os detalhes da estratégia de distribuição do filme, como ele será divulgado, se o boca a boca vai ser forte o suficiente para sustentar a virada na próxima sexta. Espero que sim
(continuo no post seguinte)

O polêmico e inventivo Herzog abre sua escola de cinema

2009-11-14T12:03:00.001-02:00

Diretor de grandes filmes como “Fitzcarraldo”, “O Enigma de Kasper Hauser” e “O Homem Urso”, o alemão Werner Herzog abriu uma escola de cinema. Mas, como se trata de Herzog, não espere uma escola comum. Entre os mandamentos da Rogue Film School, publicados no site da escola, estão os seguintes:

“A Rogue Film School não irá ensinar nenhuma técnica relacionada a cinema. Para esse fim, por favor matricule-se na escola de cinema mais perto de você.”

“A Rogue Film School é sobre um estilo de vida. É sobre um clima, a excitação que torna um filme possível. É sobre poesia, filmes, imagens, literatura.”

“O foco dos seminários será um diálogo com Werner Herzog, em que os participantes irão encontrar sua voz para seus projetos, seus questionamentos, suas aspirações.”

“Trechos dos filmes serão debatidos, e isso pode incluir os seus. Dependendo do material, a atenção irá se concentrar em questões essenciais: Como a música funciona em um filme? Como narrar uma história (isso certamente irá se distanciar das lições acéfalas sobre roteiros em três atos)? Como sensibilizar o público? Como o espaço é criado e entendido pelos espectadores? Como produzir e editar um filme? Como iluminar o público e criar o êxtase da verdade?”

“Outros assuntos relacionados serão: viajar a pé, a alegria de ser alvo de tiros malsucedidos, o lado atlético do cinema, a falsificação de permissões de filmagem, a neutralização da burocracia, táticas de guerrilha, autoconfiança.”

“A censura será estimulada. Não haverá conversas sobre xamãs, classes de yoga, valores nutricionais, chás de ervas, a descoberta dos próprios limites, crescimento interno.”

“Siga sua visão. Forme células secretas da Rogue em todos os lugares. Ao mesmo tempo, não tenha medo da solidão.”

O primeiro seminário será em Los Angeles, de 8 a 10 de janeiro, e custará US$ 1.450.

Cinemas de rua em Curitiba - procura-se

2009-10-22T20:13:00.001-02:00

Procuro pessoas que trabalharam em cinemas de rua em Curitiba: donos, gerentes, projecionistas, lanterninhas, atendentes de bomboniére. É para uma pesquisa que estou fazendo.
Mas só vale cinemas de rua, de shopping nao vale.
Se souberem de alguém, por favor me avisem no
alfekur@terra.com.br

Obrigado!

Festival exibe filmes em Super-8 em Curitiba

2009-10-21T18:14:00.002-02:00

Começa nesta sexta dia 23 a quinta edição do Curta 8 – Festival Internacional de Cinema Super 8 de Curitiba, o único festival dedicado ao Super 8 no País, que exibirá até domingo mais de 40 filmes, de 12 países.

A Caixa Econômica Federal promove o evento através da CAIXA Cultural Curitiba, que receberá a primeira retrospectiva brasileira do cineasta argentino Ernesto Baca, que conversa com o público na noite de sábado.

Na abertura, na sexta-feira, às 19 horas, Cristian Borges, professor da ECA/USP e doutor em cinema pela Universidade Paris III, apresenta a série de quatro filmes “História privada de revoluções pessoais”, rodada, respectivamente, na Inglaterra, República Tcheca, Portugal e Grécia. Borges foi cocurador das mostras "Agnès Varda – o movimento perpétuo do olhar" (2006), "Alain Resnais – a revolução discreta da memória" (2008) e "Novo Cinema Independente Alemão: uma outra política do olhar" (2009).

O paulista Marcos Bertoni é o convidado da noite de domingo, quando apresentará quatro de seus trabalhos no formato. Ele é o idealizador do movimento Dogma 2003, cuja única regra é a não utilização de uma câmera ao fazer filmes, parodiando o Dogma dinamarquês. No caso de “No fundo do poço: a biografia não autorizada de Edir Macedo (2005)”, credita a autoria do filme a Zezinho do Apocalipse – enquanto se apresenta como seu representante. Arquiteto de formação, Bertoni trabalha com esculturas e também modelagem para publicidade e cinema. Fez o passarinho da Zorba, os dedinhos do Castelo Rá-Tim-Bum, a máscara da Tiazinha e ainda o ratinho que aparecia nos comerciais do jornal Folha de São Paulo.

Pela segundo ano consecutivo, o festival apresenta duas sessões com os filmes resultantes da oficina Tomada Única, ministrada em setembro por Leandro Bossy e Pedro Merege. Cada um dos 12 realizadores curitibanos selecionados recebeu um cartucho de Super 8 (3’20”) da organização do festival com o desafio de fazer um curta com edição no gatilho da câmera, no ato de filmar; sem edição posterior. Enquanto os filmes estavam sendo revelados, os realizadores desenvolveram trilhas sonoras que podem ser apresentadas ao vivo ou a partir de gravações. Uma surpresa tanto para o público quanto aos realizadores, que assistirão a seus filmes pela primeira vez.

Nas noites de sexta e sábado ainda acontecem as mostras competitivas, com filmes nacionais e estrangeiros, que concorrem a dez prêmios. Entre as premiações, está a oferecida pela Kodak, um dos apoiadores do Curta 8: quatro rolos de filme 16mm e cinco cartuchos Super 8. Já a Locall de Cinema e Televisão oferece R$ 4 mil em aluguel de equipamentos. O júri do festival é composto pelo produtor Bruno Gehring (Apucarana, 1982), pelo realizador Goyo Anchou (Mar del Plata, 1973) e pela crítica Lila Foster (Nova Iorque, 1980).

Os ingressos para todas as sessões são gratuitos e podem ser retirados com antecedência na bilheteria do Teatro da CAIXA, que fica na Rua Conselheiro Laurindo, 280. Mais informações no (41) 2118-5111, através do email festival@curta8.com.br ou ainda no site do evento: www.curta8.com.br.

Começa no próximo dia 19 a 1ª Mostra Internacional de Cinema pelos Direitos dos Animais

2009-08-25T13:40:00.006-03:00

A iniciativa surgiu durante uma reunião do Grupo da Sociedade Vegetariana Brasileira em Curitiba, coordenado por Ricardo Laurino. O grupo curitibano se reune a cada 15 dias para discutir e colocar em prática ações em favor dos direitos dos animais e do vegetarianismo.

A 1ª Mostra Internacional de Cinema pelos Direitos dos Animais exibirá filmes brasileiros e pela primeira vez em sala de cinema curitibana o documentário longa-metragem Terráqueos (Earthlings), produção independente que tem como narrador o ator Joaquin Phoenix. Também está confirmada a exibição do título estrangeiro Uma verdade mais que inconveniente (Meat the Truth), documentário sobre o aquecimento global apresentado pela deputada do 1º Partido pelos Animais nos Países Baixos, Marianne Thieme.

Foram convidadas para a Mostra pessoas da área de proteção ambiental e animal, como a ativista Nina Rosa e a cantora Patrícia Marx; Solange Stecz e o documentarista Eduardo Baggio integraram a comissão para seleção dos filmes inscritos.

“A intenção da Mostra vai muito além de falar sobre vegetarianismo. Falaremos sobre meio ambiente, debatendo a intervenção humana, seus impactos, possíveis soluções para a sustentabilidade e respeito aos seres vivos. O vegetarianismo é uma consequência dessa reflexão." Diz Bianca Dantas, empreendedora do projeto.

A Mostra acontecerá nos dias 29 e 30 de agosto na Cinemateca com programações de filmes e debates sobre cinema ativista e direito animal a partir das 15h.

Mais informações poderão ser encontradas no blog : mostraanimal.blogspot.com

Serviço:
1ª Mostra Internacional de Cinema pelos Direitos dos Animais
Dias: 29 e 30 de agosto - filmes e debates a partir das 15h

Cinemateca
Rua. Pres. Carlos Cavalcanti, 1174
Mais Informações
(41)3019-8857/3013-4163

Clube do filme mostra educação pelo cinema

2009-07-15T11:22:00.003-03:00

Estou lendo O CLUBE DO FILME, do canadense David Gilmour.
Resumo: Adolescente de 16 anos não quer mais ir à escola e o comprreensivo e amoroso pai permite que ele abandone os estudos, com uma condição: que assista três filmes por semana e que pense sobre o que viu.

Como literatura é dispensável, mas é divertido ao explorar as tentativas de um pai educar seu filho pelos filmes. Antes de cada exibição, o pai - o próprio autor, que é crítico de cinema) dá uma breve explicação sobre o diretor, a obra e destaca um momento a ser visto com mais atenção no filme.

Há comentários muito divertidos e curiosos sobre filmes, cineastas, atores e atrizes. E é muito comovente oservar os gestos de carinho, a atenção e a paciência que o pai devota ao filho, um meninão entediado com quase tudo à sua volta.

A educação do jovem conta com discussões em torno de títulos como Os Incompreendidos, Assim Caminha a Humanidade, O Iluminado e Instinto Selvagem.

O mais tocante na obra é o que ela deixa transparecer do imenso poder emanado dos filmes, que conseguem emocionar, fazer rir, chorar e pensar, ao oferecer retratos tão diversos e complexos do ser humano.

Uma educação afetiva que, se não susbstitui a educação formal, tem um impacto profundo na mente confusa de um adolescente, sobretudo com filmes apresentados e comentados com tanta paixão.

MON exibe obras dos Lumière

2009-07-11T19:49:00.012-03:00

Enquanto o mundo se espantava com as imagens em movimento do cinematógrafo, os irmãos Lumière continuavam pesquisando técnicas para criar imagens coloridas.

O complexo processo, batizado de autocromo, envolve a seleção de cores e a captura da cena por meio da fécula de batata

A descrição não faz jus à beleza e ao mistério das 70 imagens que estão expostas no Museu Oscar Niemeyer, na Mostra Autocromos Lumière.

Não são retratos, no sentido exato da palavra. Mas também não quadros, se pensarmos em pincéis e tintas.

São imagens únicas, de uma textura rica, de um colorido vivo, como se aquelas figuras estivessem sussurrando algo ao ouvido dos visitantes. Eis seu mistério. São imagens pioneiras na longa trajetória humana pelo registro do mundo à sua volta.

Publico aqui algumas delas, de qualidade obviamente limitada. A maioria mostra momentos familiares dos Lumière. Poucos são os retratos de pessoas trabalhando.

Os cromos de familiares são mais harmônicos em equilibrados na composiçao que as paisagens. Como se Louis exercesse com mais liberdade seu olhar de pintor impressionista com esposa, filhos e netos.

Sâo raríssimos os cromos em que as pessoas olham direto para a câmera. Na maior parte, dirigem seu olhar para um ponto à margem do quadro.

Como se imaginassem em silêncio nos visitantes que apreciaram estes instantes, um século depois.

FIlmes independentes em blog

2009-07-09T19:47:00.003-03:00

Fabiana Moro, curadora e organizadora da MeMOstra, a maior vitrine de filmes independentes do Paraná, criou um blog para divulgar as informações do evento.
Desde 2006 o Me Mostra abre espaço para produções de jovens realizadores em formatos que vão do drama ao filme experimental.
Para quem quiser saber mais e se inscrever na mostra de 2010, segue o link
http://memostraartigos.blogspot.com/

Como produzir um filme barato

2009-07-08T21:05:00.003-03:00

"Olá. Meu nome é Marc Price, tenho 30 anos, e sou o diretor de COLIN. Vou tentar explicar para vocês como eu cheguei até aqui com um filme de apenas US$ 70. A sinopse é mais ou menos assim: um sujeito, o Colin, um dia é mordido por um zumbi e morre. Mas, aí, ele volta dos mortos. E começa a arrastar a sua carcaça por uma cidadezinha durante o apocalipse promovido pelos mortos-vivos...

Com essa história eu fui ao Festival de Cannes. Quer dizer: eu vi Cannes, mas Cannes não me viu. No dia em que meu primeiro longa teve sua exibição, exatamente uma semana depois do meu aniversário, eu estava com vergonha demais para encarar o público. COLIN tinha sido feito de forma caseira, improvisada, com atores e figurantes que não cobraram nada, com maquiagem emprestada e duas câmeras velhas. E custou... US$70. Então, enquanto um monte de gente assistia ao meu filme barato de monstros, eu estava num boteco ali perto. Mas a resposta do público e da crítica às duas sessões foi fantástica, inacreditável. A minha agente de vendas não me deu, e acho que nem vai me dar, muitas informações ? ela sabe que eu não sou muito confiável quando o assunto é manter segredos. Sei que uma porção de distribuidores viu o longa, e as negociações estão rolando. Recebemos uma proposta do Japão. E sabe como essa história toda começou? Com um porre...

Continua em

GALILEU

Curso Cinema - História e Arte 2009 e a Audrey

2009-07-08T13:55:00.004-03:00

Turma do curso CINEMA - Introdução à História e à Arte dos Filmes e Cineastas, primeiro semestre de 2009.
Com a Audrey Hepburn, lembrarei sempre de vocês!

Mostra de filmes independentes acontece hoje em novo local

2009-06-30T16:27:00.000-03:00

Graças a recente parceria firmada entre a produção do MeMostra! Filmes Independentes e o SESC, as próximas sessões de 2009 serão realizadas no Paço da Liberdade Sesc Paraná.

Para a estréia desta parceria, o evento confirmou a sessão deste mês de junho, com a exibição de dois curtas-metragens e dois médias, no dia 30, terça-feira às 19h.

Na programação, os filmes "Interiores - espaços e artefatos cotidianos"; "Tempos de Cinzas"; "Carro Maria Fumaça, Colchão" e "Bandeira do Divino - fé que move a tradição".

O MeMostra! Filmes Independentes é um evento de exibição e promoção de obras audiovisuais que há dois anos vem proporcionando aos realizadores locais a oportunidade de exibirem seus filmes com estrutura de divulgação e exibição diferenciada.

Os interessados em inscrever seus filmes devem solicitar o formulário através do site www.memostra.com.br. Junto com a ficha de inscrição, deve ser entregue uma cópia do filme em DVD, nos pontos de coleta indicados pela produção do evento.

Com a intenção de abrir mercado para os produtos audiovisuais paranaenses, dando maior visibilidades para os profissionais desta área, os organizadores do MeMostra! anunciaram essa semana, a parceria com o portal de cinema ParanáCine.

O ParanáCine é um portal que reúne informações e notícias a respeito das produções audiovisuais paranaenses e seus realizadores. Para saber mais basta acessar www.paranacine.com.br.

SERVIÇO:
Data: 30 de junho de 2009 - terça-feira
Horário: 19hs
Ingressos: R$4,00 / meia R$2,00
Local: Paço da Liberdade SESC PARANÁ - Praça Generoso Marques – Centro, Centro, Curitiba

Passos para quem sai da faculdade de cinema

2009-06-28T21:28:00.005-03:00

Procuro uma história genial. Quando se sai de uma faculdade de cinema nao se tem muitas opções sabe? Enquanto isso eu tenho que trabalhar. e meus pais ainda pudessem me sustentar até os 30, talvez eu tivesse tempo para char uma história genial.

Assim começa o divertido curta MEMÓRIAS SENTIMENTAIS DE UM EDITOR DE PASSOS, de Daniel Turini. Obrigatório para quem pretende estudar ou está estudando Cinema.

Pode ser visto no Porta Curtas ou no Youtube, em duas partes.

Zorba o Grego, Fellini, o sonho e Neil Gaiman

2009-06-28T21:06:00.005-03:00

Apenas um ano separa Oito e Meio de Zorba o Grego.

O primeiro é de 1963, o segundo do ano seguinte.

Não seria de todo errado supor que o filme de Fellini, com aquele final espetacular do circo, quando ele nos diz que nada mais nos resta a não ser entrar no picadeiro e continuar, fosse um sonho.

E que este sonho, no misterioso universo onírico, se conectou a outro sonho, este de Cacoyannis, que em seu desfecho sublime trata desta idéia de que nada mais pode ser feito a não ser seguir adiante, viver, só que agora, dançando.

Uma travessura dessas, de um sonho antecipando outro, tem toda a cara de universo Neil Gaiman.

Jules Dassin e Telecine - brilhante e pouco visto

2009-06-28T20:33:00.006-03:00

O Telecine Cult (que um dia já foi Classic e era, convenhamos, bem melhor que hoje) exibiu quatro filmes da fase européia do diretor Jules Dassin, mais conhecido por Cidade Nua, do final dos anos 40.

Ex-assistente de Hitchcok, Dassin era filiado ao Partido Comunista Americano mas se afastou dos camaradas depois das revelações dos crimes do stalinismo. De tanto encherem seu saco na caça às bruxas macartista, acabou saindo dos Estados Unidos.

São de seu exílio europeu os filmes exibidos em junho. Aquele que Deve Morrer é adaptado de Kazantizakis (autor do polêmico livro levado as telas por Scorsese, A Última Tentação de Cristo. Quando o vi no finado Cine Itália, ali no shopping com o mesmo nome, na saída duas freiras distribuíam panfletos com frases como "Não tenha nada a ver com este filme, blasfêmia, etc).

Continuando, Aquele que deve morrer é o melhor dos quatro. Uma aldeia grega chefiada por um bispo conservador vai encenar a Paixão de Cristo para a Semana Santa. O problema é que habitantes de outro vilarejo, expulsos pelos turcos, aparecem famintos e desesperados na aldeia.

Está armado o cenário para Dassin, sobre o texto de Kazantizakis, tratar da hipocrisia humana e de como o poder se sustenta com base na tradição, na exploração dos mais fracos e na interpretação equivocada das escrituras.

Dassin tem uma sensibilidade especial para dirigir seus atores, para criar cenas de grupo com intensa movimentação de atores e sobretudo, para armar seus planos de forma econômica, funcional e original.

E sobretudo sabe valorizar o talento e os belos olhos de sua esposa, Melinda Mercouri, que foi Ministra da Cultura da Grécia. Ela está em Aquele que deve morrer e nos outros filmes.

Nunca aos Domingos mostra a paixao pelo cineasta pela cultura grega. Uma prostituta que só tem relações com quem quer, é adorada pela cidade pelo seu jeito simples e alegre. Um turista americano ( o próprio Dassin, que bem poderia ser o quarto integrante dos Três Patetas, pelo seu tipo desengonçado e cômico) quer transformá-la em uma mulher culta. É um filme ousado, libertário, divertido, que constrasta a chamada alta cultura com o estilo de vida voltado para o presente, epicurista mesmo.

A mitologia grega levou Dassin e atualizar Fedra, a trágica narrativa da mulher mais velha, segunda esposa de seu marido, que se apaixona pelo filho dele, mais jovem. Em Profanações, o pano de fundo é a indústria naval grega dos anos 50. O rapaz é Anthony Perkins, o filho-mãe (aiaiaiaiaa, contei...quem mandou nao ver Psicose????) da obra suprema de Hitchcok.

O mais fraquinho dos quatro títulos, mas nao menos divertido, é Topkapi, sobre um plano mirabolante para roubar uma jóia preciosa em um museu turco. Pelo menos aqui dá para ver Melinda, a mulher de Dassin, em cores.

Jules Dassin, pouquíssimo visto, pouquíssimo conhecido. Grande sujeito, morreu em março do ano passado.

Katyn aponta o dedo para massacre soviético na guerra

2009-06-28T19:59:00.007-03:00

O cinema americano contribuiu para moldar o imaginário ocidental sobre a Segunda Guerra Mundial produzindo dezenas de filmes sobre o Holocausto, revelando em algumas produções como A Lista de Schindler e O Pianista os horrores cometidos pelos nazistas.

Pouco ou nada se fez sobre os soviéticos, parceiros dos nazistas em crueldade e barbárie. Coube ao cineasta Andrzej Wajda tocar em uma ferida ainda aberta daquela época, o estúpido e incompreensível massacre das florestas de KATYN, que dá título ao filme em cartaz nos cinemas daqui.

Resumindo, no auge do conflito, por ordens de Stálin, o exército soviético simplesmente prende e mata milhares de oficiais e intelectuais poloneses. Na ótica do ditador, que ainda hoje é admirado por alguns, eliminar o comando militar e a força pensante do país era garantia de que a Polônia não terias forças para resistir à ocupação soviética.

O pai de Wajda foi uma das vítimas dos massacres. Tão abominável quanto o fuzilamento com uma bala na nuca e o enterro em valas coletivas foi a estratégia dos exército soviético, que durante anos jogou a responsabilidade dos assassinatos nas costas do alemães.

Wajda tratou de dar vida a esta ferida, acompanhando, pelos olhos da esposa de um oficial polonês, os caminhos tortuosos que os massacres de Katyn abriram no país. Seu filme é não-linear e nada espetacular.

Vai e volta no tempo para mostrar o impacto na vida de cada pessoa afetada direta ou indiretamente pelos massacres. Equilibra estes momentos de grande impacto - a produção é impecável - com a tentativa da população de retomar uma rotina normal após a guerra. Nada se podia falar sobre o episódio, sob pena de prisão e fuzilamento por parte dos soviéticos.

Ao dividir a observação e o sofrimento dos seus personagens perante o fato e a versão fabricada do fato, Wajda se afasta do espetáculo de imagens chocantes ( sim, elas estão lá, mas a serviço de uma proposta muito maior que a simples denúncia) e cria um painel sobre a história (com H) e a memória. E com segurança, entrelaça as duas para reforçar a velha e batida idéia de que a história é sempre contada pelos vencedores. Mas á margem da História também é feita de maldades indescritíveis. Wajda exorcizou as suas.

Assista ao trailer de Katyn

A Partida mostra a morte para celebrar a vida

2009-06-28T19:38:00.003-03:00

Apresentada a um produtor, destes habituados a contar montanhas de dinheiro com alguma coisa 2,3, 4 após o nome do filme, tinha tudo para dar errado. Quem seria louco de transformar em filme a rotina de um sujeito que prepara cadáveres? E quem seria louco de criar várias cenas que mostram corpos e familiares chorando, em um momento no qual os filmes gritam cada vez mais bobagens superficiais - sob o pretexto de alegrar e entreter - para disputar a atenção anestesiada do público?

Sorte que o roteirista Kundo Koyama e o diretor Yojirô Takita estavam longe de Hollywood.

Juntos criaram um dos filmes mais bonitos desta temporada, A PARTIDA, que ehcgou aos cinemas daqui respaldado pelo Oscar de Filme Entrangeiro deste ano. Prêmio que era dado como certo ao espetacular e infelizmente ainda não exibido VALSA PARA BASHIR.

Bonito porque sensível e simples. Conduzido à maneira clássica, com suas viradas bem marcadas e costuradas, de forma a ser bem assimilado, o filme aborda a morte para, no fundo, celebrar a vida.

Seu protagonista, Daigo, um músico desempregado, aceita o úncio emprego disponível em sua cidade natal, o de assistente na preparação de corpos.

Superado o medo, o asco e a vergonha, ele encontra um profundo sentido em sua profissão. O filme revela como a sociedade japonesa, mesmo a contemporânea, profundamente ocidentalizada, ainda tem uma relação unica com os ritos de passagem.

É da observação das cerimônias, das reações de familiares e do aprendizado em lidar com o morto e com a morte que o filme consegue tirar momentos de rara sensibilidade. Um dos mais marcantes é quando o músico , agora agente funerário, retorna de seu primeiro trabalho e abraça desesperadamente o ventre de sua jovem esposa. A cena tao simples mostra o instante exato em que a vida, a pele, o cheiro, o vivo precisa se antepor e vencer o morto, o velho, o podre.

O roteiro amarra ainda um conflito familiar com o pai ausente de Daigo, figura que é temporariamente suprida pelo seu chefe na funerária. Assim segue o filme, acompanhando, com momentos cômicos e emocionantes, a labuta de Daigo, seu chefe (pai) sua jovem e bela esposa, seus amigos de infância.

Penélope...loira...

2009-06-25T19:45:00.002-03:00

Penélope Cruz no novo filme de Almodóvar, Los Abrazos Rotos.

Celular hoje, cineasta amanhã

2009-06-25T19:28:00.006-03:00

Esta veio do Adnews

Spike Lee, um dos mais influentes cineastas e diretores da atualidade, realizou conferência de imprensa no Festival de Cannes, na França.

Lee falou sobre o projeto MOFILM, plataforma digital de conteúdo, do qual é um dos apoiadores, e novas formas de convergir tecnologia e publicidade com produção de filmes.

Fiona Bosman, executiva da Nokia, cliente da MOFILM, e Andy Baker, CEO da organização, também estavam à mesa. Lee estava descontraído, brincou com jornalistas, e inclusive disse amar o Brasil.

Ele manteve sua postura de defensor do conteúdo gerado por produtores independentes e fez uma previsão: "anotem esta data (25/06/2009). Alguém que começou nos dias de hoje com um celular na mão será um grande cineasta amanhã".

Lee considera "maravilhosa" a possibilidade de qualquer usuário gerar conteúdo. No campo da tecnologia, credita isso à explosão digital, que, segundo ele, "libera a criatividade das pessoas" e principalmente dos jovens. Apoiados pela Nokia, Lee e Fiona concluem que este novo movimento é uma boa oportunidade para causar engajamento entre marcas e pessoas.

O fácil acesso proporcionado pela tecnologia também foi citado. Atualmente, os equipamentos de vídeo são acessíveis e permitem a expansão do modelo.

"Não precisamos mais fazer uma faculdade para trabalhar com produção de vídeos", lembra. O cineasta citou a importância da internet quando o assunto é produzir filmes nesta nova era. Segundo ele, o meio digital abre possibilidades e imcrementa a qualidade das criações de conteúdo e informação.

Para estudar cinema

2009-06-25T19:18:00.004-03:00

O escritor colombiano Gabriel Garcia Marquez ganhou o Nobel de Literatura, lá pelos idos de 82 ou 83. Além do prêmio, levou para casa uma bolada de dinheiro. Cinéfilo e com uma obra inspiradora para muitos filmes, decidiu bancar um empreendimento de educação em cinema, a famosa Escuela Internacional de Cine y Television de San Antonio de Los Banhos, em Cuba.

Para quem ainda está pensando em estudar Cinema, vale a pena dar uma olhada no criativo vídeo institucional da escola, que reúne sobretudo gente de toda América Latina.

http://www.youtube.com/watch?v=qQg0D3iUTGQ

Filmes pelos direitos dos animais terão mostra em Curitiba

2009-06-10T14:07:00.002-03:00

Estão abertas as inscrições para a 1ª Mostra Internacional de Filmes pelos Direitos dos Animais de Curitiba.

Vídeos, filmes, clipes produzidos em qualquer formato e duração poderão se inscrever.

Materiais em outros idiomas deverão conter legendas em português.

O evento que será realizado nos dias 29 e 30 de agosto na Cinemateca.

Mais informações em Mostra Animal

Filme é lançado nos cinemas e no YouTube ao mesmo tempo

2009-06-08T21:13:00.000-03:00

O site de vídeos YouTube, que pertence ao Google, vai exibir o
primeiro filme que terá lançamentos simultâneos nos cinemas e na web.
Estreia nas telas de cinema de 50 países e nos computadores de todo o
mundo o filme "Home", do cineasta Luc Besson.
A parceria do Google com estúdios de Hollywood visa atrair grandes anunciantes
e obter lucro para o YouTube.
O site, que foi comprado pelo gigante de buscas na
internet em 2006 por US$ 1,65 bilhão, tem cerca de 350 milhões de
visitantes únicos por mês, mas ainda não encontrou um equilíbrio
financeiro.
A exibição de filmes em salas virtuais é ainda uma
tentativa dos grandes estúdios de driblar a queda na venda de DVDs e o
aumento de downloads ilegais de filmes.

Os Falsários e o ótimo cinema alemão

2009-06-06T14:23:00.003-03:00

Meu texto sobre OS FALSÁRIOS saiu na edição de ontem do Jornal do Estado (impressa) e no portal BEM PARANÁ.

Aproveito a estréia tardia do filme para comentar sobre o nosso circuito e a ótima safra de filmes alemães do últimos anos.

O texto está disponível no portal Bem Paraná

Cinema argentino em cartaz na Cinemateca

2009-05-27T16:07:00.002-03:00

De 23 a 30 de maio acontece a Semana Ficção Viva do Cinema Argentino, que reúne mostra de filmes, encontros e workshops com cineastas daquele país.
O evento, promovido pelo Projeto Olho Vivo, tem patrocínio da Petrobras e parceria com o Consulado da Argentina e Fundação Cultural de Curitiba.
Mesmo não sendo possível falar categoricamente de um “novo cinema argentino”, já que se trata de um conjunto bastante heterogêneo, é fato que essa nova safra de filmes tem chamado a atenção da crítica e do público em festivais pelo mundo pela qualidade de suas produções e pelo talento de seus realizadores.
As discussões sobre o tema iniciam neste sábado (23), às 20h, com o 5º Encontro Ficção Viva, que tem como convidado o diretor Carlos Sorín, um dos nomes de peso dessa nova geração.
Com um viés essencialmente humano, os personagens dos filmes de Sorín são inspirados em gente comum e interpretados por atores não profissionais “para conseguir personagens com credibilidade”, segundo o diretor.
Obras como “La Película del Rey” (1986), “Histórias Mínimas” (2002) e “O Cachorro” (2004) levaram as paisagens e as histórias do sul argentino ao público de todo o mundo e ganharam prêmios em vários festivais importantes, como o Leão de Prata em Veneza e o Goya de melhor filme estrangeiro.
Na ocasião, será exibido o último filme de Sorín, intitulado “A Janela”, ainda inédito na capital paranaense. O filme mostra as horas finais de um escritor de 80 anos, Antonio (Antonio Larreta), aguardando a visita de seu filho em sua fazenda no norte da Patagônia.
O 5º Encontro Ficção Viva é gratuito e inclui bate-papo com o diretor Sorín, que também comanda um workshop sobre direção cinematográfica, no sábado e no domingo (23 e 24), na Cinemateca, com vagas limitadas.
As inscrições e informações sobre o investimento para o workshop podem ser obtidas no site www.projetoolhovivo.com.br.
Durante a semana de 25 a 29 de maio, sempre às 16h e às 20h, ainda na Cinemateca, exibição da mostra de filmes de diretores argentinos, igualmente gratuita.
Na relação de cineastas participantes estão Sorín, Daniel Burman, Rodrigo Moreno e Alejandro Agresti, com os filmes “O Caminho de San Diego”, “O Cachorro”, “O Guardião”, “As Leis de Família”, “O Abraço Partido”, “Um Mundo Menos Pior”, “Histórias Mínimas” e “Buenos Aires Vice Versa”.
Já no sábado (30), às 20h, é a vez do roteirista argentino Jorge Goldenberg participar do 6° Encontro Ficção Viva, apresentando o longa-metragem “La Pelicula del Rey”.

Serviço:
5º Encontro Ficção Viva com Carlos Sorín (Argentina)
Bate-papo com o convidado e estreia do longa-metragem “A Janela”
Data: 23 de maio de 2009 (sábado)
Horário: 20h
Local: Cinemateca de Curitiba (Rua Carlos Cavalcanti, 1.174)
Entrada franca.

Workshop de direção cinematográfica com Carlos Sorín (Argentina)
Data: 23 e 24 de maio de 2009 (sábado e domingo)
Horário: das 9h às 12h e das 14h às 17h
Local: Cinemateca de Curitiba (Rua Carlos Cavalcanti, 1.174)
Vagas limitadas
Inscrições e informações: www.projetoolhovivo.com.br / (41) 3015-1592

Semana do Cinema Argentino
Data: 25 a 29 de maio de 2009 (segunda a sexta-feira)
Projeções diárias de filmes de diretores argentinos
Horário: 16h e 20h
Local: Cinemateca de Curitiba (Rua Carlos Cavalcanti, 1.174)
Entrada franca.

Dia 25
16h - O Caminho de São Diego (El Camino de San Diego) – Carlos Sorín
20h - O Cachorro (El Perro) – Carlos Sorín

Dia 26
16h - Histórias Mínimas – Carlos Sorín
20h - As leis de família (Derecho de Família) - Daniel Burman

Dia 27
16h - O Abraço Partido (El Abrazo Partido) - Daniel Burman
20h - Um Mundo Menos Pior (Un Mundo Menos Peor) - Alejandro Agresti

Dia 28
16h - Buenos Aires Vice Versa - Alejandro Agresti
20h - O Guardião (El Custódio) - Rodrigo Moreno

Dia 29
16h - O Caminho de São Diego - Carlos Sorín
20h - Histórias Mínimas – Carlos Sorín

6º Encontro Ficção Viva com Jorge Goldenberg (Argentina)
Bate-papo com o convidado e exibição do longa-metragem “La Pelicula del Rey”

Data: 30 de maio de 2009 (sábado)
Horário: 20h
Local: Cinemateca de Curitiba (Rua Carlos Cavalcanti, 1.174)
Entrada franca.

Festival do Paraná de Cinema abre inscrições

2009-05-07T17:55:00.002-03:00

0 Festival do Paraná de Cinema Brasileiro Latino mudou de nome e este ano passa e se chamar FESTIVAL DO PARANÁ DE CINEMA IBERO AMERICANO.

A quarta edição do evento, que ano passado trouxe a Curitiba o Zé "Mojica" do Caixão, está com inscrições abertas até o dia 15 de junho.

O festival acontece 05 a 11 de novembro na sede do Museu Oscar Niemeyer - MON.

Serão selecionados 12 longas e 21 curtas-metragens, entre filmes brasileiros e ibero americanos.

Os dados para concorrer ao Prêmio Araucária de Ouro de Longas e Curtas-Metragens em 35mm e HD estão disponíveis no site http://www.festivaldecinema.pr.gov.br

Inscrições abertas para o 6º PUTZ! Festival Universitário de Cinema e Vídeo de Curitiba

2009-05-07T17:53:00.001-03:00

Inscrições abertas para o 6º PUTZ! Festival Universitário de Cinema e
Vídeo de Curitiba
Estudantes podem se inscrever gratuitamente até 15 de maio, no site do
festival

Estão abertas as inscrições para o 6º PUTZ! Festival Universitário de
Cinema e Vídeo de Curitiba. Até o dia 15 de maio, estudantes de todo o
país podem se inscrever gratuitamente pelo site www.putz.ufpr.br, nas
categorias ficção, documentário, trash, videoclipe, experimental/ arte,
publicitário, institucional e reportagem. São aceitos vídeos produzidos a
partir de 2006, com formato de exibição em DVD.

Além das premiações tradicionais do PUTZ!, os participantes podem publicar
o vídeo na Internet e concorrer ao inédito Prêmio Especial 91Rock,
selecionado pelos colunistas e blogueiros do site 91Rock.

E pelo segundo ano consecutivo, valendo uma bolsa integral do curso de Cinema Digital,será entregue o Prêmio Estímulo Centro Europeu.

O 6º PUTZ! será realizado de 11 a 14 de junho, no Sesc da Esquina, em
Curitiba, com mostra dos vídeos selecionados e debates entre os
realizadores.

O PUTZ!

O PUTZ nasceu em 2000, quando estudantes de Comunicação Social da
Universidade Federal do Paraná decidiram criar um festival interno para
exibir os vídeos produzidos no curso. A idéia deu tão certo que, quatro
anos depois, o evento foi aberto às outras universidades brasileiras e
ganhou uma nova versão: Festival Universitário de Cinema e Vídeo de
Curitiba.

Desde 2004, o PUTZ exibiu mais de 200 produções de estudantes de todo o
país e recebeu grandes nomes do cinema. José Mojica Marins - Zé do Caixão,
Claudio Assis, Lucila Meirelles, Jorge Durán, Henry Breitrose, Joel
Pizzini, Heloisa Passos, Marina Person e Marcos Jorge são alguns dos
convidados que passaram pelo festival.

Mais informações em www.putz.ufpr.br.

Em exibição os primeiros minutos de um filme

2009-04-30T22:41:00.000-03:00

Gilles Jacob, presidente do Festival de Cannes, quer abrir o site do festival para exibir os 5 minutos iniciais dos fimes programados na seleção oficial do evento, na época de sua estreia nos cinemas (estreia na França, supõe-se).

Nenhum diretor ou distribuidor é obrigado a fazê-lo, mas Jacob está oferecendo essa
possibilidade, já que o site acaba de ser reformulado visualmente e
está hospedado em um provedor de banda larga de grande capacidade.

"Não me lembro se foi Altman ou Renoir que dizia que os grandes
diretores atingiam a sua melhor forma na primeira e na última bobina
do filme. Esperamos que o internauta deixe um pouco de lado seus
videogames e game-boys e fique tentado a correr ao cinema mais próximo
para descobrir o resto do filme".

(Fonte: UOL, 24/04, matéria)

Livro sobre cinema para baixar grátis

2009-04-23T15:01:00.003-03:00

Quem procura uma introdução bem direta à História do Cinema, com contextualização e lista dos filmes principais de cada período ou estética, pode acesar o blog Dissertando sobre Cinema.

O autor, Nelson Barbosa, disponibiliza para download gratuito em PDF a sua obra Cinema - Arte, Cultura e História, que dá uma base introdutória interessante e bem didática sobre o assunto.

(Justiça seja feita: a dica é da Simone, aluna do nosso curso de História e Estética do Cinema)

Cinema Vivo atualiza Dogma 95 em São Paulo

2009-04-23T14:51:00.003-03:00

Tem novidade na produção nacional. Bem ao estilo Dogma 95, um grupo de realizadores de São Paulo lançou o Cinema Vivo, que tem como proposta, em seu manifesto publicado no
site do grupo " a captação, edição e exibição simultâneas: câmeras na mão, em diferentes locações acessíveis ao público, transmitindo ao vivo para um computador, com edição em tempo real, que projeta o filme na tela de cinema".

Algumas regras para a criação do roteiro desta proposta:

- Não há cortes numa mesma locação.
- Um personagem não pode sair de uma locação e aparecer em outra imediatamente.
- Movimentação de câmera não extravagante.
- Três principais locações, com possibilidades de sublocações (de acordo com o alcance da tecnologia).
- Nas imagens externas, sempre as mesmas condições do ambiente e meteorológicas: sempre é dia, ou sempre é noite, ou sempre está nublado.
- As trocas de figurino e maquiagem devem ser rápidas e feitas na própria locação
- As cenas não podem ter duração muito breve, para dar tempo de deslocamento de atores de uma locação para outra.
- As cenas precisam ser expandidas, iniciando antes e terminando depois das ações principais, para possibilidade do corte ao vivo.
- Há espaços para improvisações, cacos, e inserções de informações atuais cotidianas nos diálogos dos personagens.
- Criação de jogos de aproximação e afastamento da diegese com o público.

O primeiro longa da turma tem o sugestivo nome de Fluidos e está sendo produzido neste momento. É esperar para ver. No site é possível inclusive acompanhar vídeos dos ensaios da equipe.

Sei que não tem nada ver, mas agora lembrei: alguém viu aquele longa gravado em Porto Alegre, "Ainda Orangotangos", todo em Plano-Sequência? Não chegou nem perto daqui e eu estava muito curioso para ver.

Um mês depois de São Paulo, CHE chega a Curitiba

2009-04-23T14:42:00.003-03:00

Não fiz a conta na ponta do lápis, mas Curitiba (sem contar a região metropolitana) deve ter umas 70 salas de exibição. Está, se não me engano, entre os cinco maiores circuitos exibidores do Brasil.

Então se o problema não é do circuito deve ser de distribuição mesmo.

Pois, bem, quase 30 dias depois de ser lançado em São Paulo, o CHE de Soderbergh chega ao circuito curitibano, em seis salas.

Uma pergunta: quando vem o espetacular VALSA PARA BASHIR?

Festival de cinema universitário abre inscrições

2009-04-14T11:55:00.000-03:00

Estão abertas até as inscrições para o Festival Brasileiro de Cinema Universitário.
O evento acontece de 29 de julho a 9 de agosto.
Para a mostra competitiva nacional serão aceitos filmes de até 30 minutos de duração, concluídos a partir de 2007 e não exibidos em edições anteriores do festival.
A direção e pelo menos outras três funções técnicas devem ter sido ocupadas por universitários à época de realização do curta.
Mais informações e inscrições no site: www.fbcu.com.br

Filmes brasileiros em 2009

2009-04-10T11:55:00.002-03:00

A Revista de Cinema publicou uma relação dos longas brasileiros de ficção em fase de pré-produção, ou seja, aqueles que ainda serão filmados e finalizados.
A maioria das produções é do eixo RJ-SP e assinada por cineastas que já tem uma filmografia sólida, mas tem muitos nomes novos na lista.
Resta saber quando estas produções serão lançadas e no caso de Curitiba quando serão exibidas por aqui.

1. A Alegria - Felipe Bragança (RJ - Pecego Produções)
2. A Erva do Rato - Júlio Bressane (RJ - República Pureza Filmes)
3. A Floresta é Nossa - Paulo Munhoz (PR - Teknokena Audiovisual e Multimídia)
4. A Morte de Quincas Berro D’Água - Sérgio Machado (RJ – Videofilmes)
5. A Última Estação - Márcio Curi (DF - Asacine Produções)
6. A Vida no Campo - Valter Moreira (SP - VMV Produtora)
7. Amor Sujo - Paulo Caldas (RJ - Bananeira Filmes)
8. Antes da Noite - Toni Venturi (SP - Olhar Imaginário – Filmagem em outubro/2008)
9. As aventuras do avião vermelho - Frederico Pinto/José Maia (RS - Camila Gonzatto/Frederico Pinto)
10. As Doze Estrelas - Luiz Alberto Pereira (SP - Lapfilme Produções Cinematográficas)
11. Bateau Mouche - 20 anos depois - Cavi Borges/Júlio Pecly/Paulo Silva (RJ – Cavídeo)
12. Besouro - João Daniel Tikhomiroff (SP - Mixer/Buena Vista International/Globo Filmes - Filmagem em setembro/2008)
13. Bruno quer o paraíso - Flávio Cândido (RJ - Cândido & Moraes)
14. Capitães de Areia - Guy Gonçalves/Cecília Amado (RJ - Lagoa Cultural e Esportiva/Araçá Azul)
15. Chibata - Marcos Manhães Marins (RJ - Fibra Cine Vídeo – Filmagem em novembro/2008)
16. Do Amor - Gisela Callas (SP)
17. É Proibido Fumar - Anna Muylaert (SP - Africa Filmes/Dezenove Som e Imagens)
18. Faroeste Caboclo - René Sampaio (RJ -De Felippes Filmes e Produções)
19. Fala Sério! - Augusto Seva (SP - Albatroz Cinema - Filmagem no segundo semestre/2008)
20. História de um Valente - Cláudio Barroso (PE - Camará Filmes)
21. Histórias de Fronteira - Juan Zapata (RS - Estação Elétrica Filme e Vídeo/V2 Cinema/Zapata Filmes)
22. Histórias de um amor duram apenas 90 minutos - Paulo Halm (RJ - Tipos e Tempos Produções)
23. Hoje -Tata Amaral (SP - Tangerina Entretenimento)
24. Jean Charles - Henrique Goldman (SP - TV Zero)
25. Leões da Mata Atlântica -Michel Tikhomiroff (SP - Mixer/Buena Vista International/National Film Board/Discovery Channel Canadá)
26. Mano - Laís Bodanzky (SP - Gullane Filmes)
27. Mão na Luva - Roberto Bomtempo (MG/RJ - Sala 2/Movimento Carioca - Filmagem em março/2009)
28. Marcha Pela Vida - Jessica Sanders (SP - Latinamerica Internacional/Conspiração Filmes - Filmagem em abril-maio/2008)
29. Meninos de Kichute - Luca Amberg (SP - Amberg Filmes)
30. Não se pode viver sem amor - Jorge Duran (RJ - El Desierto Filmes/Luz Mágica Produções Audiovisuais)
31. Não se preocupe, nada vai dar certo...- Hugo Carvana (Mac Comunicação e Produção)
32. Nervos de Aço - Maurice Capovilla (RJ - Saturna Produções Artísticas)
33. O Bem Amado - Guel Arraes (RJ - Natasha Enterprises)
34. O Contador de Histórias - Luiz Villaça (SP - Francisco Ramalho Júnior Filmes)
35. Corpo do Rio - Izabel Jaguaribe (RJ - Jaguar Produções Artísticas)
36. O Fim e os Meios - Murilo Salles (RJ - Cinema Brasil Digital)
37. O Homem que não dormia - Edgard Navarro (BA - Truque Produtora de Cinema - Filmagem em agosto/2008)
38. O Senhor do Labirinto - Geraldo Motta (RJ - Tibet Filmes)
39. Os famosos e os duendes da morte - Esmir Filho (SP - Dezenove Som e Imagens)
40. Os sonhos não envelhecem - Roberto Bomtempo (MG/RJ - Movimento Carioca - Filmagem em novembro/2009)
41. Panis Et Circensis – Tropicália 40 anos - Francisco César Filho (SP - Anhangabaú Produções)
42. Paradeiro - Gilson Vargas (RS - Clube Silêncio)
43. Peixonauta - Kiko Mistrorigo (SP - PG Produções de Cinema Video e TV)
44. Plastic City - Yu Lik-Wai (SP - Gullane Filmes/Xstream Pictures (Hong Kong)
45. Poder Paralelo - Roberto Farias (RJ - RF Cinema e TV)
46. Por um punhado de dólares - Os Novos Emigrados - Leonardo Dourado (RJ - Telenews Service)
47. Quase Memória - Ruy Guerra (RJ - Studio Uno Produções Artísticas)
48. Querido Pai - Chico Faganello (SC - Faganello Comunicações - Filmagem em outubro/2008)
49. Quixote nas Trevas - Jom Tob Azulay (RJ - Bossa Produções - Filmagem no segundo semestre/2008)
50. Raul – O início, o fim e o meio - Alain Fresnot (SP - A. F. Cinema e Vídeo)
51. Reflexões de um Liquidificador - André Klotzel (SP - Brás Filmes - Filmagem em julho/2008)
52. Se eu fosse você 2 - Daniel Filho (RJ - Total Entertainment)
53. Sé... Quando a carne é fraca - Eduardo Ramos (CE - Imagem Produções Artísticas)
54. Somos um bando de loucos - Reinaldo Pinheiro (SP - Seqüência 1 - Filmagem no primeiro semestre/2009)
55. Trampolim do Forte - João Rodrigo Mattos (BA - Docdoma Filmes - Filmagem em novembro/2008)
56. Tropicália – Marcelo Machado (SP – Bossa Nova Films/Mojo Pictures/Fernando Meirelles)
57. Uma professora muito maluquinha (RJ - Diler & Associados/The Raldo Estúdio de Arte e Propaganda)
58. Vendo ou Alugo - Betse de Paula (RJ - Aurora Cinematográfica/Raccord - Filmagem no segundo semestre/2008)
59. Xuxa - Rudi Lagemann (RJ - Conspiração Filmes/Xuxa Produções - Filmagem em julho/2008)

Hollywood assume crise de criatividade

2009-04-10T11:41:00.003-03:00

Os estúdios vêm recontando histórias desde os primórdios do cinema, mas no último ano, e especialmente nos últimos meses, a máquina dos remakes vem funcionando a pleno vapor.

Os anos 1980 viraram uma grande feira de títulos. "Tudo por uma esmeralda", "Footloose - Ritmo louco", "A hora do pesadelo", "Duna", "Karatê Kid", "Amanhecer violento", "Robocop - O policial do futuro", "O reencontro", "Arthur - O milionário sedutor", "Os caça-fantasmas" e "História sem fim" são apenas alguns dos títulos dessa década que estão sendo desenvolvidos novamente em Hollywood.

Os produtores dizem que hoje é comum vasculharem listas de sucessos de décadas passadas para analisar o que poderia ser legal e criativamente mais fácil de ser reembalado e montado num estúdio.

"Hoje em dia, se você quer fazer um filme, pode empurrar uma pedra grande morro acima ou pode empurrá-la no plano", disse um produtor de estúdio, explicando a lógica por trás dos remakes. "A maioria de nós prefere empurrar no plano."

Quando o filme "Transformers" decolou, seus responsáveis foram procurados pela linha de brinquedos Hot Wheels, da Mattel, que perguntou se eles gostariam de contar uma história envolvendo a marca. A resposta foi negativa, mas um filme com os carrinhos Hot Wheels está em desenvolvimento agora na Warners.

O ciclo que vai do original ao remake vem ficando cada vez mais curto. Como "Velozes e furiosos 4", que reúne o elenco principal e os roteiristas do filme original de 2001 e ocupa um terreno a meio caminho entre uma sequência e um remake, outros filmes estão voltando em nova roupagem em menos tempo do que nunca.

Neil Moritz, que produziu "Furiosos", está desenvolvendo uma nova versão do sucesso de ficção científica de 1990 "O vingador do futuro" e também relançando "XXX - Triplo X", que chegou aos cinemas há apenas sete anos. "Lara Croft" está ganhando novo tratamento de Dan Lin e da Warner Bros., apenas oito anos após o original com Angelina Jolie. A Fox já pensa em relançar sua franquia "Quarteto fantástico", cujos dois filmes fizeram sucesso há poucos anos. E a Sony anunciou recentemente que vai trazer "Homens de preto" de volta para mais uma aventura.

Ninguém está dizendo que "Titanic" ou "Forrest Gump" serão refilmados - por enquanto, pelo menos - mas o fato de que o público teen geralmente não se recorda de nenhum filme de mais de 15 anos atrás é um fator chave para o sucesso dos remakes. Dentro de um dois anos, os cinemas poderão exibir os mesmos títulos que foram lançados pela primeira vez durante o governo Clinton. Nas palavras de um produtor, "os anos 1990 já são terreno fértil".
(fonte: G1)

Filmes italianos na Cinemateca salvam feriado cinematográfico fraco

2009-04-09T12:16:00.003-03:00

Cinéfilos curitibanos: a programação deste feriado é de chorar. Simplesmente não tem nada de interessante no circuito.
Com exceção de títulos que já estão em pré-estréia há algumas semanas, em sessões e horários restritos, o que entra em cartaz não chama muito a atenção.
A Cinemateca salva o feriado com uma Mostra de Cinema Italiano dos anos 70, 80 e mais recente.
O interessante é que esta programação não está no site da Fundação Cultural. Aparece apenas na agenda do portal Onda RPC. É bom conferir antes de ir.

Sexta-feira (10/04):
-16h: Represália (Rappresaglia – Itália; 1973; 107 minutos. Direção de George Pan Cosmatos)
-20h: Os Cem Passos (I Cento Passi – Itália; 2000; 114 minutos. Direção de Marco Tullio Giordana)

Sábado (11/04):
-16h: Quatro Dias De Rebelião (Le qattro giornate di Napoli – Itália; 124 minutos. Direção de Nanni Loy)
-20h: Cem Dias Em Palermo (Cento Giorni a Palermo – Itália; 1984; Direção de Giuseppe Ferrara)

Domingo (12/04):
-16h: O Crocodilo (Il Caimano – Itália/França; 2006; 112 minutos. Direção de Nanni Moretti
-20h: O Caso Aldo Moro (Il Caso Moro – Itália; 1986; 114 minutos. Direção de Giuseppe Ferrara

Animações premiadas no YouTube

2009-04-07T11:54:00.004-03:00

Viva o Youtube!!!!! A grande rede de compartilhamento de vídeos é o maior circuito exibidor do mundo ao permitir que a gente tenha acesso a obras muito bacanas, que de outra forma nunca seriam exibidas aqui.

Minha dica é o curta de animação vencedor do Oscar deste ano: Les Maisons en Petis Cubes, do japonês Kunio Kato.

Joque o nome do diretor no YouTube e assista ao filminho, em duas partes. É maravilhoso. Um pequeno e poético tratado sobre a solidão, sem nenhum diálogo.

O mesmo YouTube tem um espaço Screening Room, onde é possível assistir a muitos curtas de animação. Entre eles, o imperdível e belo The Danish Poet.

Por que você faz cinema?

2009-04-07T11:42:00.006-03:00

No CD Fábrica do Poema, de 1994, de Adriana Calcanhoto, tem uma música chamada "Por que você faz cinema?", em cima de um texto do cineasta Joaquim Pedro de Andrade. Reproduzo abaixo a letra.
O primeiro verso "para chatear os imbecis" se aplica a boa parte da produção atual, que mira um espectador infantilizado e anestesiado por uma profusão de bobagens no cinema e na TV.
Quem hoje corre o risco de ser desmascarado pelo grande público? Quem é louco de insultar os arrogantes?

POR QUE VOCÊ FAZ CINEMA

Para chatear os imbecis,
para não ser aplaudido depois de seqüências
dó de peito
para viver à beira do abismo,
para correr o risco de ser
desmascarado pelo grande público,
para que conhecidos e
desconhecidos se deliciem,
para que os justos e os bons ganhem
dinheiro, sobretudo eu mesmo, porque de outro jeito a
vida não vale
a pena,
para ver e mostrar o nunca visto,
o bem e o mal, o feio e o
bonito,
porque vi "simão no deserto",
para insultar os arrogantes e
poderosos quando ficam como "cachorros dentro d'água"
no escuro
do cinema
para ser lesado em meus direitos autorais.

Por que os filmes alternativos não chegam a Curitiba?

2009-04-07T11:35:00.002-03:00

Não dá para entender a cabeça de quem administra o circuito exibidor de Curitiba. Frost/Nixon, Valsa para Bashir e o Che de Sordenbergh ainda não chegaram por aqui e já estão sendo exibidos há tempos em salas de Rio e São Paulo.

Será que o público curitibano não tem inteligência suficiente para ter acesso a estes filmes? Será que todos nós só queremos o filme pipoca?

Interessante notar que Curitiba está entre as capitais com maior número de salas no Brasil (se não me engano, é a quarta cidade), o que não quer dizer muito.

Custo a acreditar que a cidade não tenha um público cinéfilo mínimo para sustentar um circuito mais alternativo.

Enquanto isso, gente, vamos prestigiar as sessões mobilizadas do MovieMObz, ok? Sábados à noite, por volta das 21h, no Unibanco Arteplex do Crystal. O Visitante ainda está lá. Três Macacos já entrou em mais sessões no Novo Batel.

Três Macacos incomoda e vai na contramão do cinemão

2009-04-07T11:22:00.004-03:00

Três Macacos, o filme turco que deu ao cineasta Nuri Ceylan a palma de ouro de Direção em Cannes, é um filme angustiante do primeiro ao último plano. Não se está aqui diante de um filme de digestão rápida e fácil. Seus longos planos e silêncios incomodam. mais que isso, eles reforçam o tempo todo a sensação de que algo está muito errado nas relações da família do motorista que assume um crime do patrão em troca de dinheiro.
Poucos filmes são tão econômicos e sintéticos na abordagem de conflitos familiares. Fala-se pouco e o pouco que se fala é geralmente mal assimilado.
Com o pai preso, o patrão seduz a mãe. O filho desempregado não vê grandes perspectivas de vida. Ainda há o fantasma do filho menor que aparece para a família.
A trilha sonora do filme é construída por ruídos da rua e sobretudo pelo vento que movimenta as cortinas do minpusculo apartamento da família. Pai, mãe e filho varreram tanta sujeira debaixo do tapete que o peso emocional deste trio é quase insuportável. É justamente este peso que o diretor filma, sem consessões fáceis. A imagem é escurecida, triste. Os planos de longa duração incomodam. A narrativa explica pouco sobre a motivação dos personagens. O que não se resolve ou não se admite, na contramão da psicanálise freudiana, vai matando aos poucos por dentro.
Dá para contrapor Três Macacos a Entre os Muros da Escola. Se neste professor e alunos se utilizam da linguagem como ferramente de afirmação social e de agressão aberta, naquele a linguagem sequer é encarada como recurso.
Melhor nada ver, nada ouvir e nada falar, bem como na parábola oriental dos três macacos.

O visitante é bom cinema sobre relações humanas

2009-04-07T11:08:00.003-03:00

Anos atrás vi um filme maravilhoso no Cine Luz: O Agente da Estação, de Thomas McCarthy. Um conto sobre solidão em uma estação desativada, que passa a ser administrada por um anão.
Não via a hora de assistir este O Visitante, do mesmo diretor. Não deu outra. Um filme pequeno, simples, honesto, um pequeno tratado sobre a solidão e como o destino se encarrega de tocar o coração de alguém que já não sente mais nenhuma alegria pela vida.
Richard Jenkis, o veterano ator indicado ao Oscar, é o professor entediado com sua profissão. Velho demais para aprender piano, vê sua vida pacata se transformar ao conhecer dois imigrantes ilegais que ocupavam seu apartamento.
Tudo que poderia descambar para os clichês sobre encontro transformadores e amizades entre pessoas de culturas distantes ganha um verniz colorido e criativo nas mãos do diretor. Há sim, a proximidade, a amizade entre o professor o percussionista sírio e sua esposa muçulmana, a atração pela mãe do jovem, mas o encaminhamento destes encontros é sutil e natural.
A juventude, a alegria e o talento de Tarek são tudo que o professor Walter perdeu. Mas ele sabe que não vai simplesmente se apropriar de forma automática destes atributos. Mas o fato de estar próximo deles já lhe basta. Aí o filme demarca um espaço único: não concilia facilmente necessidades, mas as aproxima delicadamente.

Gran Torino : longa vida a Clint Eastwood

2009-04-07T10:53:00.003-03:00

Sou muito suspeito para falar de Clint Eastwood. Alguns vão me apedrejar pelo que escrevo agora, mas em minha humilde opinião, ele é simplesmente o maior diretor americano em atividade. Do cinema clássico, lembro. Sua obra é herdeira à altura do legado de mestres como John Ford, Howard Haws, John Huston, Don Siegel, Sergio Leone. gente que sabia contar uma história sem frescuras e sem enfeites tecnológicos - o que parece a tendência clara da produção atual, sobretudo a o do cinemão.
Adorei Gran Torino. O grande tema da oba de Clint está lá: pais e filhos. O velho conservador, rabugento e solitário que se redime de sua paternidade falha ao adotar um jovem vizinho oriental. A necessidade de afeto familiar, ainda que por vias indiretas e não biológicas.
O velho Kowalski do filme é uma referência a outro personagem célebre imortalizado por CE: Harry Calahan, o Dirty Harry, que combatia a criminalidade eliminando a bandidagem sem dó. Só que o mundo mudou e Clint sabe disso. Daí que seu Kowalski não pode mais sair por aí resolvendo conflitos de gangues de orientais na bala. Nesta aceitação e no que ela traz de auto-sacrifício está a beleza do filme.

Spirit de Frank Miller fica devendo a Eisner

2009-04-07T10:35:00.003-03:00

Confesso que fiquei desapontado com o Spirit de Frank Miller. Se no papel, com suas espetaculares HQs e Graphic Novels ele é um artista digno do nome, suas incursões atrás das câmeras carecem de uma consistência, de um senso narrativo mais profundo.
Sin City já deixava isso claro. O visual original, o clima noir, os contrastes de cores, camuflavam uma narrativa capenga.
Em 300, nas mãos de um diretor mais tarimbado, já se vê uma articulação mais orgânica dos eventos. Recursos do universo HQ são filtrados pelo instrumental da gramática cinemtaográfica. O resultado é um filme mais orgânico, que flui mais. Havia ali a mão visível do diretor Zack Snyder (de Watchmen)
Daí que a aguardada adaptação de Spirit saiu meio capenga. O clássico de Will Eisner ( lembro agora de uma versão teatral dirigida pelo Edson Bueno nos anos 90, no Guairinha, muito boa aliás) soa infantil, sem vibração, sem alma.
Talvez o elenco não ajude. O ator que faz o Spirit (Gabriel Match) é uma sopa de chuchu: sem sal, sem gosto, sem nada. Claro que o visual noir, os becos ameaçadores, as mulheres estonteantes (Eva Mendes, Scarlet Johansson), o vilão malvado (um Samuel Jackson cômico, que mais parece um palhaço de circo) estão lá, mas não fazem o filme ir para frente. Ao contrário, tentam esconder um roteiro fraco, previsível e pouco inventivo.
Como diretor, Fran Miller (cujo Batman repaginado em cima da obra de Bob kane nos anos 80 eu amo) é melhor criador de HQ e graphic novels.

ENTRE OS MUROS VISÍVEIS E INVISÍVEIS

2009-03-16T22:31:00.003-03:00

Há um bom tempo não se falava tanto de um filme francês. Desde o final dos anos 60, quando uma geração de jovens críticos e cineastas criou as bases do que veio a se chamar Nouvelle Vague, a produção cinematográfica da França andava meio apagada. Nas décadas seguintes, foi abafada pelo cinema italiano dos 70, tendo que se contentar com uma ou outra produção de Godard ou Truffaut – só para citar dois exemplos.

De lá para cá, a terra onde os irmãos Lumière projetaram os primeiros filmes em público vem se debatendo entre um cinema autoral de pouca expressão fora dos país e filmes mais comerciais, restritos ao circuito local. Mais recentemente, teve que se contentar com a aclamação mundial das produções de vizinhos como a Romênia , a Alemanha e a Itália.

Daí que a badalação em torno de Entre os Muros da Escola ganha um sabor especial. Ganhador da Palma de Ouro em Cannes no ano passado, o filme vem sendo muito elogiado e assistido onde é exibido – num dos raros casos de entendimento entre crítica e público.

Um breve resumo do que trata do filme não chega a empolgar. Trata-se do retrato do relacionamento entre um professor e seus alunos em uma turma de sétima série em escola pública nos subúrbios de Paris. Até aí nada de novo, ou pelo menos nada que não tenha sido explorado em outras produções.

Fosse um produto do cinema americano, o filme seguiria o previsível caminho de mostrar jovens rebeldes que são inspirados por um professor obstinado em ver neles qualidades ocultas, com direito a um final feliz onde os alunos reconhecem seu crescimento espiritual e intelectual transmitido pelo mestre. Haveria uma mensagem, uma idéia moral a sustentar a narrativa.

Nas mãos do diretor Laurent Cantet, Entre os Muros da Escola se torna uma crônica, por vezes cruel e desanimadora, mas nunca derrotista, de uma sociedade fragmentada em subculturas impossíveis de conviverem em harmonia no espaço da sala de aula. Os alunos do professor de Francês François Begaudeau pertencem a diversas etnias: africanas, latinas, orientais. São jovens de 13 a 15 que não chegam a ser totalmente marroquinos, hispânicos ou chineses, pois nasceram em território francês, mas também não se sentem totalmente franceses.

Os meninos e meninas tem seus próprios códigos culturais muito bem marcados em suas gírias, roupas, interesses (na maioria limitados a rap, futebol e games de computador). Compõem um mosaico da sociedade francesa contemporânea, que já não consegue mais varrer para debaixo do tapete a existência dos imigrantes vindos das antigas colônias e seus filhos.

Se limitado ao registro de imigrantes ou excluídos, o filme poderia soar limitado e de pouco interesse fora da França. No máximo seria objeto de curiosidade para quem quer saber um pouco mais sobre o gravíssimo problema da inserção dos imigrantes em uma Europa cada vez mais assumidamente racista e conservadora. (A ascensão dos movimentos neo-nazistas e os assassinatos de imigrantes falam mais alto).

A grandeza deste pequeno e despretensioso filme vai além dos “muros” geográficos. Ela fala com simplicidade da nobreza do ato de educar e quando este ato se faz mais necessário, ainda que os que mais precisem dele não tenham sequer a capacidade ou habilidade para compreender e valorizar a escola e o professor.

O que vem atraindo a atenção para o filme é sua disposição em trazer, sem meios tons, sem discursos sociológicos ou argumentos morais, sem preconceitos ou medos, a dificuldade brutal que é compreender e ser compreendido e como a instituição escolar molda quem nós somos e como reagimos ao mundo.

Dito de outra forma, o que filme traz à tona é o questionamento sobre o próprio papel da escola na vida do ser humano. Mais ainda, ele pergunta – nunca diretamente: por que aprendemos? Por que temos que aprender? Quem diz o que é mais importante aprender? E quem garante se o que se aprende serve para alguma coisa fora da escola?

Para além dos debates – e eles serão muitos – sobre o poder transformador da educação, Entre os Muros da Escola pode ser visto como um painel crítico da comunicabilidade humana e o quanto ela é limitada para expressar a grandeza que cabe dentro de um ser humano. O professor François, francês e branco, leva aos extremos suas tentativas, na maior parte das vezes frustrada, de se fazer entender pelos seus alunos malineses, marroquinos e argelinos.

Quase todo passado dentro da sala, o filme não mostra as aulas no sentido convencional. Ele mostra conflitos verbais, que dos dois lados, do professor e dos alunos, servem-se das palavras como armas. De um lado, um educador empenhado em ensinar conceitos que simplesmente não têm nenhum eco no espírito dos alunos. Do outro, jovens revoltados, desanimados, frustrados, que não conseguem ver sentido nos ensinamentos.

A forma documental como o diretor Cantet filma estes embates, com câmera na mão e deixando espaço para improvisação do elenco, dá esta sensação de agressividade mútua. Todos os personagens falam muito, como se as palavras fossem uma forma de demarcar um espaço, de afirmar uma identidade, de testemunhar a própria existência. Ou de admitir o fracasso da própria linguagem como mediadora de pensamentos e sentimentos.

A beleza do filme também está na construção do personagem do professor François – que também é autor do livro homônimo que inspirou o filme. No desespero, ele recorre à ironia para sinalizar a total ignorância de seus alunos. Quer ensinar tempos verbais que não são mais usados e métrica em poesia, mas mal consegue se fazer entender com expressões básicas como “ter uma pulga atrás da orelha”.

O que nós testemunhamos é o conjunto de suas batalhas diárias, disfarçadas muitas vezes atrás de um sorriso nervoso e amarelo, de um desânimo e de um cansaço que se aproximam da derrota total. Neste sentido, nos identificamos com ele e em alguns momentos sentimos sua frustração, até o ponto em que ele próprio perde a paciência com duas alunas e as ofende. É quando o papel do professor cede lugar ao do homem, falível, passível de erro e cansado de guerrear com o resultado de todo um conjunto de omissões e erros sociais, históricos e políticos, anteriores à ele mesmo e à própria escola.

O título original não tem os muros da tradução brasileira. Justamente porque os muros de concreto do lado de fora seguem com os alunos para a sala de aula. E dentro dela eles se revelam intransponíveis. Mas o que mais toca no professor François é a sua disposição para olhar o muro, visível ou não, e sentir-se na obrigação de tentar ultrapassá-lo, mesmo sabendo que esta tarefa será impossível.

O apelo do filme é universal porque as situações retratadas não fogem muito da realidade enfrentada por professores de escolas da periferia. No Brasil, são comuns os relatos de alunos que espancam colegas e professores, alunos que vão para a aula alcoolizados, drogados e armados. Jovens que levam seus muros pessoais para o ambiente escolar, que deveria ser justamente o apropriado para pular estes obstáculos. Mas será mesmo que todo o sistema de ensino, sobretudo o voltado para os jovens, pode continuar divorciado do mundo real em que vivem os alunos? Esta foi uma das questões levantadas pelo diretor Laurent Cantet em sua passagem pelo Brasil para promover o filme.

Ciente e quem sabe desesperado diante do cenário em que se insere, o professor François desiste de seguir as cartilhas escolares e questiona a intenção que há por trás das palavras do alunos, fazendo com que eles tentem refletir sobre o verdadeiro sentido de suas manifestações. É em instantes assim que ele se torna um mestre, um educador de verdade, daqueles que iluminam a alma dos seus alunos, ao fornecer a eles, mesmo contra suas vontades, um instrumento, minúsculo que seja, para que eles pensem por si mesmos.

Curso apresenta a história do cinema, filmes e diretores

2009-03-02T11:26:00.002-03:00

Estão abertas as inscrições para o curso CINEMA – Introdução à História e à Arte dos Filmes e Cineastas.
O curso é aberto a todas as pessoas interessadas em aprofundar seus conhecimentos sobre cinema, bem como ter contato com filmes, diretores, estilos e estéticas essenciais na história do Cinema.
Não há limite de idade ou exigência de conhecimento prévio ou formação específica.
O curso é direcionado para a apreciação e não para a produção de filmes.
As aulas, que começam no dia 10 de março, serão às terças-feiras, das 19h10 às 21h45. Este módulo vai até junho de 2000.
Os encontros vão abordar desenvolvimento histórico do cinema, seus principais movimentos, realizadores e obras mais significativas; o filme como arte e produto da indústria do entretenimento; noções de linguagem; elementos para a análise fílmica; produção cinematográfica nacional e contemporânea.
A programação do curso envolve aulas dinâmicas, com exibição de trechos de vários filmes, indicações de títulos relevantes da cinematografia mundial e bibliografia especializada. A intenção é fornecer elementos para a formação crítica do espectador.
O Studio Botteri fica na Rua Santo Antonio, 41, no bairro Rebouças, atrás do Quartel da Polícia Militar na Getúlio Vargas e a três quadras do Estação Embratel. Vagas são limitadas.

SERVIÇO
Curso “CINEMA – História, Arte e Entretenimento”
De 10 de março a 25 de junho de 2009
Às terças, das 19h10 às 21h45
Início: 10 de março
Local: Studio Botteri (Rua Santo Antonio, 41, Rebouças, Curitiba)

INFORMAÇÕES

alfekur@terra.com.br
janelaind@yahoo.com.br

Fone:41- 91813749

CINEMA – Introdução à História e à Arte dos Filmes e Cineastas começa dia 11 de março no Studio Botteri, no Rebouças

2009-03-02T11:24:00.000-03:00

Curso HISTÓRIA DO CINEMA começa 11 de março

2009-03-01T16:02:00.002-03:00

Meu curso, INSTRODUÇÃO À HISTÓRIA E ESTÉTICA DO CINEMA,edição 2009, está com turma aberta. Início dia 11 de março.
Toda terça, das 19h às 21h40, com o sagrado intervalo para café e para falar de filmes, é claro.
Requisito: gostar de cinema, de ver filmes e só.
Amanha vou postar mais detalhes sobre.

Oscar 2009 deixa o cinema mais pobre

2009-03-01T15:48:00.004-03:00

Como era previsto, Quem quer ser um milionário? levou os prêmios principais.

Nem de longe é o melhor filme de Danny Boyle, sujeito que para mim será lembrado pelo divertido e criativo Trainspotting.

Talvez uma explicação para esta folia toda em cima de um filme bem feitinho, bonitinho e só isso esteja no momento em que vivem os Estados Unidos.

A braveza da crise econômica exige um contraponto de esperança, de crença na possibilidade de felicidade apesar de todas as dificuldades. Dai o filme capitalizar para si este clima pós-Obama.

Reproduzo abaixo trecho do blog Ilustrada no Cinema, no qual o crítico Leonardo Cruz fala sobre o filme e o Oscar

"se o Oscar representa uma peça importante da história do cinema, então esta ficou um pouco mais pobre nesta noite. A vitória avassaladora de “Milionário”, um filme no máximo mediano, só não é mais lamentável, nesta década, do que os 11 Oscars dados a “Senhor dos Anéis” em 2004. E as ausências de “Wall-E” e “Gran Torino” da disputa de melhor filme só reforçaram esse sentimento de frustração."

Oscar 2009 - minhas apostas

2009-02-15T15:34:00.002-03:00

Feito o desabafo, aí vao minhas apostas para este ano.

FILME
Slumdog Milionaire e pronto. Há uma ínfima chance que seja desbancado por Benjamin Button, o que é pouco provável. O Leitor, Frost/Nixon e Milk estao fora do páreo.

DIRETOR
Talvez para compensar o maravilhoso trabalho de Davi Fincher em Benjamin Button, o sujeito acabe recebendo um troféu. Nao acredito, deve ficar mesmo com Danny Boyle por Slumdog

(aliás, repararam que pela primeira vez os cinco indicados a diretor assinam as cinco obras indicadas a filme?)

ATOR
Mickey Rourke por O Lutador. Eles adoram histórias de superação pessoal, como a retratada no filme e que ilustra a decadência do ex-astro de Nove e meia semanas (aquele horrososo videoclip em forma de filme dos anos 80). Sean Penn por Milk seria uma surpresa honesta.

ATRIZ
Nao vi O Casamento de Rachel, com Anne Hathaway que a crítica americana vem elogiano horrores. Meryl Streep já levou Oscars suficiente para dez vidas. Angelina Jolie nas maos do melhor diretor americano em atividade, Clint Eastwood, merecia.

ATOR COADJUVANTE
Falam em Heath Ledger pelo seu Coringa. Nao lembro de prêmios póstumos, mas tem um apelo interessante.

ATRIZ COADJUVANTE
Marcaria Marisa Thomei, por O Lutador, mas nao vi Doubt, que emplacou duas indicações.

ANIMAÇÃO
Se Wall-E nao levar, será uma das maiores injustiças da história. Mas o mundo e Oscar sao feitos de injustiças.

ROTEIRO ORIGINAL
Dos indicados, só vi Milk e Wall-E.

ROTEIRO ADAPTADO
Benjamin Button, pelo esforço em transpor o conto de Fitzgerald para o cinema.

TRILHA SONORA
Slumdog Milionaire tem temas e canções que fundem musica tradicional indiana com ritmos pop. Um espetáculo.

DIREÇÃO DE ARTE
Benjamin Button

FOTOGRAFIA
Button x Slumdog. Páreo duríssimo, ambos trabalhos sensíveis, cada um á sua maneira.

Nas outras categorias, os prêmios devem se dividir entre Slumdog e Benjamin Button.

Oscar ontem e hoje

2009-02-15T15:21:00.004-03:00

Falem bem ou falem mal, mas quem curte cinema sempre acaba acompanhando o Oscar. É o prêmio do cinemão deles, com critérios discutíveis, mas que a cada ano, nesta época, empolga os cinéfilos de plantão.

Para filmes mais densos ou alternativos, temos Cannes, Veneza, Berlim, a Mostra de SP.

Nao posso deixar de lembrar que este mesmo prêmio já dado a obras-primas como

Aconteceu Naquela Noite
Do Mundo Nada se Leva
Rebecca (aliás, Hitchcok NUNCA GANHOU UM OSCAR DE DIREÇÃO, acreditem!!! E Ron Howard já levou um...)
Como era verde o meu vale
Farrapo Humano
A Malvada
A um Passo da Eternidade
Lawrence da Arábia
Perdidos na Noite
O Poderoso Chefão,
Os Imperdoáveis

Por que este saudosismo agora?

Tente comparar com os vencedores dos últimos anos:
Onde os Fracos nao tem vez
Crash
Chicago
Conduzindo Miss Daisy
Rain Man

Tudo bem, o mundo mudou, o cinema mudou, as pessoas mudaram e já nao vão ao cinema como antes.
Posso despertar a fúria de alguns, mas honestamente, nenhum destes últimos títulos chega aos pés de qualquer filme da lista acima. Sao filmes medianos, que nao justificam de forma alguma receber o maior prêmio da maior indústria de cinema do mundo. Mas vá entender...

Slumdog Milionaire é o simbolo da era Obama

2009-02-15T14:59:00.004-03:00

Salvo surpresas de última hora, daquelas que só acontecem a cada passagem de cometa pela terra, o Oscar do próximo dia 22 vai aclamar SLUMDOG MILIONAIRE, que no Brasil se chamará Quem quer seu um Milionário?

Ninguém tira do filme de Danny Boyle o prêmio de Melhor Filme. Aliás, onde concorreu já ganhou tudo que podia e vai levar um monte de estatuetas para casa, desbancando até outro indicado, Benjamin Button (que particularmente me agrada mais).

O apelo do filme é inegável: um conto de fadas moderno, ascensão social com ajuda da sorte (ou do destino), um amor impossível, nenhum figurão no elenco, locações em favelas na Índia, uma trajetória condenada à miséria que se transforma pela sorte, o tom de denúncia contra as injustiças sociais.

Em tempos de mais tolerância e diálogo pregados pelo novo governo americano, com o presidente defendendo inclusive melhor distribuição de prosperidade e respeito às diferenças, nao poderia haver filme melhor para simbolizar a era Obama.

É a história de Jamal Malik, que ganha 20 milhoes de rúpias respondendo a perguntas no popular programa Quem quer ser um milionario? Sua infância miserável fugindo da polícia e dos radicais que odiavam sua religião, pequenos delitos nas ruas e a cruel indústria da mendincância.

Slumdog cria imagens chocantes ao revelar uma Índia distante dos guias de turismo oficiais, com exploração de menores, prostituição, tráfico de drogas, roubo de turistas, máfias e toda sorte de pequenas picaretagens para quem quer sobreviver.

Daí o tom de conto de fadas, que se manifesta na oportunidade que Jamal tem de responder as perguntas do programa, deixar a vida miserável e se aproximar de seu grande amor da juventude.

Para o público brasileiro a comparação com Cidade de Deus será inevitável: crianças que lutam para sobreviver num ambiente de violência e criminalidade.

Que nao se espere de Danny Boyle o ritmo impactante e criativo do ótimo e divertido Trainspotting.

Sua mao continua visível em Slumdog, sobretudo ao explorar a complexidade da cultura indiana atual em seus bastidores pouco conhecidos, como o submundo do crime e o poder da televisão. Mas agora está a serviço de um conto de fadas, o que fica bem claro no trecho após os créditos finais.

Operação Valkíria esbarra em Tom Cruise

2009-02-15T14:34:00.004-03:00

É uma baita história, daquelas que só de ouvir dá vontade de ler o livro ou ver o filme. Um plano para assassinar Hitler conduzido por altos oficias nazistas. Por pouco nao deu certo.

Mas OPERAÇÃO VALKÍRIA, o filme que Tom Cruise se empenhou em divulgar pessoalmente, inclsuive com farta distribuição de sorrisos e autógrafos no Rio dias atrás, é justamente o próprio Tom Cruise.

A produção hollywwodiana sobre o nazismo e os horrores do regime hitlerista é farta e maniqueísta: de um lado os americanos defensores da liberdade, de outro os nazistas cruéis, psicopatas e sádicos.

Pouco (nao lembro agora) se abordou sobre a resistência dentro da própria Alemanha. Me vem a mente o recente UMA MULHER CONTRA HITLER, da espetacular nova safra do cinema alemão, que tem brindado as telas com filmes maravilhosos como Edukators, Adeus Lênin, A Queda e A Vida dos Outros.

Um extra-terrestre aos qual fossem apresentados filmes americanos como fontes históricas sobre a segunda guerra concluiria que os Estados Unidos deveriam ter jogadas todas as bombas atômicas existentes nas cidades alemãs, dada a coesão do povo alemão em torno de Hitler.

Daí a importãncia da história real do coronel Claus Von Stauffenberg, que lidera um grupo de abnegados oficiais e civis dispostos a matar Hitler, libertar os prisioneiros dos campos de concentração e a acabar com a guerra. Li em algum lugar que o homem é considerado herói (com todos os méritos) em seu país.

O primeiro problema de Operação Valkíria é que ele deveria ser um filme alemão, escrito e dirigido por algum cineasta alemão e falado em alemão. E nao um veículo para uma atuação apagada de um astro de filmes de ação americanos.

Produção caríssima e caprichada, Operação Valkíria simplesmente se dilui nas cenas em que seu protagonista aparece. Tom Cruise como o Coronel Stauffenberg até que se esforça,mas nao consegue desaparecer no personagem (como Sean Peaen em Milk ou Frank Langella em Frost/Nixon).

Cercado por gente como o ótimo Tom Wilkinson e Kenneth Branagah, além de atores alemães que estiveram em A QUEDA (o ótimo filme sobre os últimos dias de Hitler em seu bunker) Tom Cruise fala inglês com sotaque americano, enquanto o resto do elenco exibe o inglês britãnico.

Qualquer figurante em cena consegue desviar a atenção dele, sem contar o fato do roteiro ter construído um personagem unidimensional, que nao apresenta motivações claras para seus propósitos, além do altruísmo muito superficial e nenhum conflito, nenhuma dúvida.

A direção de Bryan Singer, de Superman, cria um visual eficiente para a trama, preferindo conduzir o filme como um suspense de guerra, perdendo a chance de aprofundar mais o seu protagonista.

Há um filme com Tom Cruise que gosto: Magnólia, no qual ele foi muito bem conduzido e por um momento ele nao parece ser Tom Cruise brincando de ser ele mesmo.

Frost/Nixon revela bastidores do poder e da mídia

2009-02-15T14:03:00.006-03:00

Em 1977, com a popularidade em baixa e a auto-estima ainda mais baixa após ser escorraçado da Casa Branca por conta do escândalo Watergate, o ex-presidente americano Richard Nixon decide conceder uma série de entrevistas ao apresentador britãnico de programas de auditório David Frost.
Os encontros entre entrevistador e entrevistado inspiraram o dramaturgo e roteirista Peter Morgan ( de O Último Rei da Escócia e A Rainha) a escrever a peça FROST/NIXON, que revela os bastidores das entrevistas.
A peça, adaptada para as telas pelo próprio Morgan, é o filme homônimo dirigido por Ron Howard.
Morgan tem um tema e estilo claros: pesquisa personagens históricos à exaustão e depois cria em cima dos fatos.
Ron Howard, ainda que alguns defendem algum traço de autoria em sua obra (Cocoon, O Jornal, Uma Mente Brilhante, A Luta Pela Esperança e o sofrível Código Da Vinci) é o tipo de diretor funcional, mediano, pouco inspirado, certinho.
Do encontro entre o roteirista mais aclamado no momento e um diretor , digamos, nao mais que habilidoso, resulta FROST/NIXON.
O filme trata dos bastidores do poder, do papel da televisão na orientação de mentes e corações e do confronto (velado, destaque-se) entre dois homens que pareciam apostar nestas entrevistas a maior batalha de suas vidas.
De um lado, um Frost que conduzia shows de amenidades em busca de prestígio no meio jornalístico. Esperto, foi o primeiro homem de TV a sacar que uma entrevista com Nixon renderia um dinheirão em cotas de patrocínio. Galanteador, sorridente, boa pinta, ele precisa rodar o pires para bancar a transmissão das entrevistas, recusadas pelas grandes emissoras americanas.
Do outro um Nixon recolhido á sua mansão à beira-mar e vivendo de contar piadas em congressos de Odontologia. Nixon (Frank Langella, excelente, indicado ao oscar de ator) é retratado na típica solidão do poder, lembrando de encontros históricos com líderes de outros países, mas dinheirista que é diabo. Que saber quanto lhe renderá a publicação de suas memórias e quanto vai ganhar pela entrevista a Frost.
Como qualquer filme de Ron Howard, FROST/NIXON é certinho, bem feitinho, tem lá seus momentos inspirados, como o telefonema em que Nixon, bêbado, promete acabar com Frost na última entrevista - justamente aquele em que o ex-presidente deixa cair a máscara e se arrepende dos pecados no exercício do poder.
Dá para ver o filme como um mergulho no universo privado de um dos homens mais odiados nos anos 70 e como este mesmo homem tenta manipular um sujeito nao muito brilhante, mas que revela-se um tigre faminto ao estraçalhar Nixon em seu território, diante das câmeras de TV.
Alguns críticos traçaram paralelos entre o Nixon do filme e Bush. Ainda que Bush tenha obtido a proeza e deixar o poder mais odiado ainda que Nixon, nao consigo ver um grande apelo para este filme fora dos Estados Unidos.
Lembro do Nixon de Oliver Stone, com Anthony Hopkins, um filme que vai muito mais a fundo na figura do ex-presidente que se julgava incompreendido pelo seu povo. Mas de um filme de Ron Howard nao se pode esperar muito.

MILK é brilhante como retrato, mas perde força em seu desenvolvimento

2009-02-15T11:58:00.004-03:00

Nao sou o maior especialista do mundo em Gus Van Sant, mas gosto muito de Drugstore Cowboy, aquele com Matt Dillon e com uma pontinha do poeta beatnik Allen Ginsberg, sobre jovens que assaltam farmácias e hospitais para se drogarem.
É um trabalho bonito, honesto, sensível, equilibrado, que nao aponta em momento algum o dedo acusador para seus tipos outsiders, optando com extrair desta trajetória auto-destrutiva alguma percepção maior sobre o papel que estes personagens poderiam ocupar numa sociedade que tenta imprimir padrões próprios e fechados de felicidade.
Também gosto do tom documental e seco com que ele construiu Elefante, sobre o massacre de Columbine. Se Michael Moore explora o fato em si, a Van Sant interessou mais contextualizar o universo em que os jovens envolvidos no massacre viviam e usar esta contextualização como reflexão sobre a a violência no mundo contemporâneo.
Sobre o remake de Psicose, nada a declarar. Foi um escorregão feio que merece ser esquecido.
O mais recente filme de Van Sant é MILK, que deve chegar logo por aqui. Aborda a trajetória pessoal e política de Harvey Milk, primeiro homosexxual confesso a ser eleito supervisor (cargo equivalente ao de vereador) na São Francisco dos anos 70.
Empresário de visão, que já sabia muito bem o potencial do mercado gay, Milk acreditava que as discriminações contra homossexuais exigiriam mais que passeatas e beijos desafiadores em público. Exigiriam participação ativa na política.
Após uma série de derrotas, Milk é eleito e finalmente tem nas mãos o poder de votar leis contra a homofobia, em um ambiente dominado por políticos conservadores e preconceituosos.
O filme equilibra bem a vida pessoal de Milk e como sua militância política exigiu um alto e trágico preço. Imagens de passeatas e violência policial contextualizam o clima da época.
A câmera na mao, a montagem permeada com cortes rápidos e secos, dá um ritmo alucinante e colorido à narrativa. mais que isso, temos a nítida impressão de ver imagens puras, captadas no calor da hora por um câmera amador que presencia os acontecimentos de perto.
O Milk de Sean Penn é impecável no tom de voz aos gestos e seria uma tristeza se não fosse reconhecido pela Academia na cerimônia do próximo dia 22.
A partir do momento em que obtém o cargo público, o filme se extende demais em discussões sobre conchavos, acertos e acordos. Aquele colorido inicial, na trama e na forma, são engolidos por uma linearidade fria e convencional.
Milk é bacana porque resiste à tentação de ser o panfleto de uma causa. Prefere observar as nuances em torno da luta contra a discriminação e nesta observação está seu mérito maior - além de Sean Penn. Mas carece, sobretudo da metade em diante, de uma alma, tornando-se assim um filme bem conduzido, mas de apelo restrito ao mercado americano.
Um detalhe é que a crítica americana em peso amou o filme.
O que Brokeback Mountain tinha de universal em sua condução honesta do relacionamento impossível entre dois homens falta a MILK. É um grande retrato do ativismo gay americano na década de 70, mas isso em si nao entusisma.

O Leitor funde diversos filmes em um

2009-02-12T01:03:00.003-02:00

O Leitor é uma produção que pode ser apreciada como três filmes distintos. Um filme desenvolve o romance entre a mulher madura, na casa dos trinta e o adolescente que é iniciado sexualmente iniciado por ela. O outro explora a responsabilidade dos protagonistas do Holocausto nos campos de concentração na Segunda Guerra. Até aí nada de novo, sobretudo para a produção holywoodiana. O terceiro filme é o mais empolgante e emocionante: o poder transformador da palavra, da leitura e dos livros. Cruzar estas três linhas com equilíbrio e sutileza foi a tarefa – nada fácil – do roteirista David Hare, que partiu do romance homônimo de Bernhard Schilink (agora relançado por aqui) e do diretor Stephen Daldry (do ótimo As Horas).

O trabalho da dupla saiu redondo, mas o brilhantismo mesmo sobrou para a parte final do filme, sobre a qual não é recomendável se alongar muito, sob pena de revelar um segredo essencial para a trama. Berlim, 1958. O jovem Michael (David Kross), de 15 anos, se apaixona pela sisuda e solitária Hanna (Kate Winslet), uma cobradora de bonde. Entre muito sexo e doses de carinho maternal, ele passa tardes lendo livros para ela, que se encanta com as histórias de Homero, Theckov e Dóris Lessing.

Um dia, Hanna simplesmente some. Anos depois, já estudante de Direito, Michael vai com o professor Rohl (Bruno Ganz, que interpretou Hitler em A Queda) acompanhar o julgamento de ex-oficiais da SS por crimes cometidos durante a Guerra.

Da platéia, Michael ouve acusações terríveis contra sua ex-amante. Ela é acusada de ser responsável pela morte de 300 detentas judias, queimadas vivas em um incêndio. Questionada sobre sua responsabilidade no ato, Hanna se limita a afirmar. "Nós simplesmente não podíamos deixá-las sair, pois elas iam escapar".

O longo julgamento leva Michael a um grande dilema moral. Ele é a única pessoa que pode inocentar Hanna. O filme então questiona o conceito de omissão, partindo para reflexões morais. A covardia de Michael não seria a mesma da mulher que cumpria ordens nos campos de concentração?

Em sua fase adulta Michael é interpretado por um silencioso e distante Ralph Fiennes (que já foi o psicopata nazista em A Lista de Schindler), um homem que fracassou em seu casamento, que se mantém distante da família e da única filha e que vive relacionamentos instáveis com estranhas. Sinal de que a relação com Hanna deixou profundas cicatrizes em sua vida.

Iniciação sexual com mulher mais madura não chega a ser um tema original, bem como as conseqüências do Holocausto. Estes dois filmes em si não chegam a empolgar. O Leitor deslancha quando aborda o maravilhoso universo dos livros, dos personagens imaginários e suas aventuras em terras distantes, expressas em palavras que salvam toda uma existência de seus pecados do passado. Contar mais seria comprometedor. Melhor assistir ao filme nos cinemas.

Para além das referências simbólicas do seu elenco, com atores que já encarnaram tipos nazistas, vale destacar a presença de Kate Winslet. Há casos em que o tempo só faz bem às pessoas. Descolada da namoradinha de Titanic, ela encarna uma mulher que carrega um segredo terrível em sua vida.Em todas as cenas em que aparece, sente-se que há um peso sobre suas costas. Seca, direta, esquentada, distante no início. Depois, serena, suave e mais leve, como se conformada com o destino. Já levou o Globo de Ouro de Melhor Atriz e deve levar o Oscar.

(publicado origanlamente no portal Bem Paraná e Jornal do Estado de 11.02.09)

Contra os maus tratos aos animais

2009-02-11T09:57:00.003-02:00

Muito criativos os vídeos que a PETA (People for Ethical Treatment of Animals) fez para divulgar ao consumidor americano o que está por trás da indústria da carne.

Sâo divertidos e apelam para os bons sentimentos do consumidor consciente.

A escolha é de cada um

Assista aos vídeos no Youtube

Porque o Merten preferiu Baz Luhrman ao Krubrick?

2009-02-03T20:17:00.003-02:00

Todos que leram o livro CINEMA - ENTRE A REALIDADE E O ARTIFÍCIO, do crítico Luiz Carlos Merten, do Estadão, sempre se perguntavam porque um sujeito como o Merten deixaria de fora Bergman e Kubrick entre os capítulos da obra, dedicando assim um capítulo inteiro da oba a Baz Lurhman, diretor de Moulin Rouge, Romeu + Juliet e do recente Austrália.

Para quem nao sabe, o livro é uma excelente introdução ao estudo de grandes cineastas e movimentos que marcaram a história do Cinema. Vai de Griffith a Hitchcok, passando por mestres como John Ford, Kieslowski e momentos -chave como Neo-Realismo e NOuvelle Vague.

Tudo escrito por um cinéfilo e crítico apaixonado, que tem a rara habilidade de pisar dos lados , o da crítica, com insights precisos e originais sobre os filmes, diretores e suas temáticas, e o cinéfilo enciclopédico, que associa datas, fatos, inqueitações dos cineastas.

No entanto, nesta versao mais recente, de 2004, acho, nenhum capítulo para Bergman ou Kubrick.

Outro dia postei no blog do Merten, sem esperar que ele fosse responder.

Para minha supresa, ele me respondeu.

Abaixo a justificativa para ausência de Kubrick do livro

http://blog.estadao.com.br/blog/merten/?title=eu_ignorar_kubrick&more=1&c=1&tb=1&pb=1#comments

S eu fosse você 2 - oito possíves motivos para o sucesso

2009-02-03T19:48:00.004-02:00

Interessante observar o trecho do documento abaixo, de Viany, e pensar no desempenho espetacular de SE EU FOSSE VOCÊ 2.

Cinco semanas liderando as bilheterias e já passou dos 4 milhões de ingressos vendidos. Está muito próximo de superar os 5,2 milhoes de DOIS FILHOS DE FRANCISCO, marco do período pós-retomada.

Está inclusive à frente de produções de peso como Benjamin Button, Austrália e Sim, Senhor, que contam com ampla divulgação.

Nao vi o filme ainda, entao prefiro nao me manifestar. Mas de cara dá para raciocinar em cima de alguns elementos.

1 - Continuações, um filão pouco explorado pelo cinema nacional. Se o 1 deu certo, invista-se no 2 sem perder muito tempo. É dar mais do mesmo e pronto.

2 - O carisma do casal central, Gloria Pires- Tony Ramos. Ajuda barbaridade.

3- O dedo de Daniel Filho. Outro dia vi uma estatística, não lembro onde, que ele, sozinho, tem quase metade - ou um pouco menos - das bilheterias acima de 1 milhao entre os filmes nacionais recentes (como diretor ou produtor). O homem tem faro para o que as pessoas querem ver e é rápido em criar, produzir e por um filme nas telas.

4 - A inversão de papéis que é uma marca da vida moderna. Com a crise financeira entao, muitos maridos estão quietinhos em casa cuidando da rotina familiar e as esposas é que estao segurando as contas. E tem também a própria idéia de se projetar na pele do outro, um fetiche que só o cinema proporciona.

5 - Assinatura Globo Filmes, o que garante boa cobertura de mídia.

6 - Época de lançamento, férias, mais tempo livre.

7 - Gênero comédia para todas as idades, o que permite levar a familia toda ao cinema.

8 - Aborda o universo, valores, situações, lugares, trabalho, conflitos, diversões, dúvidas da classe média, que é quem vai ao cinema e é pouquíssimo representada no cinema nacional. É pura identificação, quem paga o ingresso pode se ver no filme.

É um conjunto de fatores que pode explicar o êxito do filme. Veja bem, pode. Certamente há outros que nao me ocorrem agora e mesmo estes sao apenas chutes.

De qualquer forma, o caso deste filme deveria ser estudado mais a fundo por quem faz e pesquisa cinema no Brasil e por quem produz e cria mecanismos de financimento.

Nao sei ao certo, mas acredito que o filme já deve ter pago seus custos de produção. O que é raríssimo por aqui.

Acervo de Alex Viany está na web

2009-02-03T19:30:00.004-02:00

"O cinema brasileiro só tem um caminho a seguir: o das produções baratas que usem temas legitimamente brasileiros, a fim de que se possa conquistar nosso mercado, agora dominado pela produções estrangeiras".

O trecho consta em uma página surrada dos idos de mil novecentos e alguma coisa. São do monumental cervo do crítico, cineasta e pesquisador carioca Alex Viany, que acaba de desembarcar na web.

É uma ótima notícia para os cinéfilos e pesquisadores, que agora terão acesso a cerca de 1800 itens datilografados por Alex, entre críticas, reportagens e entrevistas.

O projeto de recuperação do acervo foi conduzdio pela filha de Alex, Betina.

O site é www.alexviany.com.br.

Como nao temos memória de quase nada no Brasil, sobretudo memória de nossa história audiovisual, a iniciativa merece todos os elogios.

Foi apenas um sonho expõe infelicidade conjugal no pós-Guerra

2009-01-30T19:45:00.005-02:00

>Enquanto assistem à pior crise de sua história e esperam milagres por parte do novo presidente, os americanos sentem saudades dos anos 50. O país acabava de sair vitorioso da Guerra contra o nazismo na Europa. O conflito turbinou a economia, gerou empregos e fixou as bases do grande mercado de consumo de bens duráveis. É a era dos maridos empregados em grandes corporações e suas esposas, donas de casas sorridentes, ambos instalados em casas confortáveis nos subúrbios dos grandes centros.

Esta América dos sonhos, que em sua aparência exala felicidade material mas em seu íntimo cobra o preço da conformidade e do vazio de rotinas previsíveis de seus membros, é a base do romance Revolucionary Road, de Richard Yates, adaptado para as telas com o título em português de Foi Apenas em Sonho.

O nome original refere-se à rua onde vive o casal que protagoniza o filme, condicionando esta existência a um conjunto de valores típico dos subúrbios: crença no conforto material e acomodação com os papéis masculino e feminino dados pela sociedade.

Mais de década após estrelarem Titanic, o filme de maior bilheteria em toda a história do cinema, Leonardo Di Caprio e Kate Winslet voltam a atuar juntos em uma produção. Mas desta vez, nada de amores impossíveis ou romantismos juvenis em alto mar.

No longa, eles dão vida ao jovem, admirado e belo casal Wheeler. Frank é um trintão que não sabe muito bem o que quer. Na falta de coisa melhor e como precisa sustentar a mulher e duas crianças, passa os dias odiando seu emprego na Knox, uma companhia de equipamentos. Para espantar o tédio, fala mal dos chefes e seduz secretárias.

Frank é casado com April, que em sua juventude queria ser atriz. Apesar da rotina de mãe de dois filhos e dona-de-casa, ela não desistiu totalmente de seus sonhos e segue atuando em produções sofrivelmente amadoras.

Se Frank é o sonhador conformado com um horizonte medíocre em um trabalho maçante, April traz da experiência fracassada no teatro a centelha da esperança em uma vida mais intensa, longe de vizinhos entediantes, empregos monótonos. Sugere ao marido que se mudem para Paris, onde tudo é mais intenso e divertido e mais: ela se propõe a sustentá-lo enquanto ele encontra sua verdadeira vocação.

O que se apresenta como solução para que Frank e April encontrem o verdadeiro sentido de suas vidas na verdade passará a servir de pretexto para que o filme questione a possibilidade de felicidade a dois e quanto de sacrifício pessoal um casamento exige, o quanto este sacrifício vale a pena e os casos em que ele pode ser completamente inútil.

O diretor Sam Mendes volta ao terreno de um de seus trabalhos mais expressivos, Beleza Americana, ao observar com lente de aumento o que está por trás de uma vida de prosperidade na classe média americana. Até que ponto as frustrações individuais podem ser sufocadas em nome de uma rotina previsível, monótona, onde a única novidade é observar o crescimento dos filhos.

O conformismo coletivo é apresentado como uma grande doença da qual toda a sociedade padece sem perceber. Neste sentido, o personagem John Givings, o louco que recebeu choques elétricos no hospício, é a única pessoa capaz de revelar verdades terrivelmente dolorosas sobre os planos dos Wheeler de se mudarem a Paris e seu adiamento em função da carreira de Frank.

O título original guarda uma ironia que a tradução (infeliz) perdeu. Revolocionary Road é uma vizinhança arborizada, calma, agradável, o lugar perfeito para se criar os filhos, mas de revolucionária mesmo não tem nada. Ao contrário, cria todo um cenário para que os que nela vivem recusem seus sonhos individuais e aceitam com resignação projetos alheios, previsíveis e limitantes.

Benjamin Button celebra a vida

2009-01-17T13:33:00.004-02:00

Desculpem a ausência. Faz um tempinho que nao posto nada aqui, mas hoje vai. Quero falar alguma coisa sobre O ESTRANHO CASO DE BENJAMIN BUTTON, que chegou ontem por aqui.
Estava pensando em uma palavra para definir o filme. Encontrei hoje, no blog do Merten: epifania.
Eu acredito que alguns filmes iluminam as nossas vidas. Outros são para passar o tempo, outros são criativos e cheios de frescuras e há uma grande maioria dispensável.
Uns poucos filmes tornam a vida da gente melhor, daí o Merten deu forma a meus pensamentos ao lembrar da epifania, revelação , compreensao sobre algo.
É nesta linha que se pode apreciar o filme de David Fincher.
Trata-se de uma história que em si já tem um baita apelo dramático: um homem que nasce velho e vai se tornando jovem. Eo filme trata de tudo de bom e de ruim que há nisso.
Mas o apelo em si nao sustentaria o filme. O roteiro impecável parte do conto de Scott Fitzgerald publicado em 1921 e vai até 2003, quando o Katrina devastou New Orleans.
Tarefa dura abarçar tanto tempo em 150 minutos.
Talvez por isso o conto tenha demorado tanto tempo para chegar às telas, fora questões de direitos autorais.
Enquanto o grosso da produção contemporânea se pauta pelo apelo à violência e ao sexo (atenção, nao estou sendo careta nem condenando) e pela celebração da morte, BB opta por festejar a vida com tudo que ela tem de alegria ou tristeza.
O velho-jovem Benjamin descobre e desfruta daqueles pequenos momentos que definem um ser humano: perdas, paixão, sexo, porre, viagens, amigos, saudades, perdão.
Daí a epifania a que se refere o Merten: a gente precisa ter isso jogado na cara, como se a tela fosse um espelho mesmo, para percebr o quanto nossas vidas sao costuradas com pequenos milagres.
Talvez o conjunto destes milagres, alguns tao simples, como observar o nascer do sol - como faz Benjamin com seu pai - passem despercebidos. Revelar estes momentos na sala escura é reconhecer que eles, os momentos, as alegrias e tristezas, compoem aquilo que a gente chama de Felicidade, com F maíúsculo, que gente passa a vida toda procurando.
O filme escolhe celebrar a vida em várias frentes. As locações em New Orleans, com seus casarões antigos e o rio Mississipi cortando a cidade, o jazz que dá um colorido contagiante, a reconstrução histórica de quase 70 anos perfeita (é bom ter dinheiro, né?), beija-flores que representam a alma dos que partem.

Cate Blanchet (linda, perfeita) de bailarina novinha à idosa é o par de Brad Pitt, o Benjamin, o velho que nasce com 80 e termina bebê.

Reparem em uma cena no Hotel na União SOviética em que ele se envolve coma mulher de um diplomata inglês. Ela o ensina a saborear caviar com vodka. Ela o ensina a viver o presente com toda a sua plenitude, a agradar o corpo e à alma.

Ah, eu saí do cinema com o maior clima Forrest Gump (protagonista inocente que aprende com as pessoas e com a vida).
Nao foi à toa.
Adivinhem que outro filme o roteirista Erich Roth escreveu?????
Abs

Festival do Paraná traz oficina e longa de Mojica

2008-10-02T22:37:00.004-03:00

Começa na próxima segunda, dia 06 de outubro, a terceira edição do Festival do Paraná de Cinema Brasileiro e Latino.
A programação reúne debates, oficinas e mostras de curtas e longas.
Toda a programação está agendada para o Museu Niemeyer.

Vale ver a mostra com títulos do italiano Dino Rosi, o pai da comédia italiana, morto em junho deste ano e a mostra de filmes de Glauber Rocha, de Barravento, seu primeiro longa a Idade da Terra.

Entre as oficinas, destaque para a de Cinema Maldito, a ser conduzida por ninguém menos que José Mojica Marins. Posso estar enganado, mas duvido que ainda tenha algum lugar disponível para esta oficina.

Do mesmo Mojica, o Festival exibe em competição o seu ultra esperado A Encarnação do Demônio, filme que fecha a famosa e cultuada trilogia com o personagem Zé do Caixão e sua incessante busca por uma mulher que dê a ele o filho perfeito. Após o filme de Mojica, será exibido Mysterios, produção local de Beto Carminatti e Pedro Merege baseada no livro O Mez da Gripe, de Valencio Xavier. Os dois filmes agendados para a noite de sexta, dia 10, com casa cheia.

A programação completa do festival pode ser acessada no site do evento.

Festival de curtas vai premiar melhores videos amadores

2008-09-03T19:19:00.003-03:00

A Claro organizou, em parceria com a LG, a Microsoft/MSN Vídeo e a OSCIP (Organização da Sociedade Civil de Interesse Público) Mais Diferenças um concurso que premiará os melhores curtas com o tema Diversidade e Inclusão. Mas há um detalhe: só poderão participar vídeos feitos com equipamento amador, com duração entre 30 e 90 segundos!

É importante louvar as câmeras amadoras, já que elas são estopim da democratização do cinema – da Super 8, nos anos 60, ao VHS, na década de 80. Mas equipamento por si só não faz história; foi preciso que houvesse movimentos por um cinema mais simples, como o Dogma 95, dos cineastas Lars Von Trier e Thomas Vinterberg. Com a tecnologia somada ao endossamento da indústria, criou-se o contexto propício à popularização. Faltava saltar um obstáculo: a distribuição.

Recentemente, esta última barreira caiu, com o crescimento e desenvolvimento da internet. A chamada web 2.0 colocou o usuário na condição de produtor de conteúdo. A evolução da tecnologia de vídeo também colaborou com isso; hoje, qualquer celular com câmera pode filmar.

Ou seja: um celular basta para você criar um filme e inscrever na competição. José Padilha, diretor de Tropa de Elite; Breno Silveira, diretor de Dois Filhos de Francisco; Sérgio Sá Leitão, diretor da ANCINE; Tadeu Jungle, um dos precursores da videoarte no Brasil; e Stephen Hopkins (diretor e roteirista da série 24 Horas e do filme Predador 2, entre outros), compõem o júri que escolherá os 20 melhores filmes.

Os autores dos vídeos selecionados poderão participar de debates abertos em São Paulo e diversos workshops visando à melhoria das imagens, áudio e trilha sonora de seus filmes. Para manter a fidelidade ao tema proposto, haverá também workshops para tornar os filmes mais acessíveis com a inclusão de legendas e LIBRAS (linguagem brasileira de sinais). O foco principal é a democratização dos bens culturais.

Os filmes inscritos poderão ser filmados com câmeras digitais comuns ou celulares, além de outros tipos de equipamento como câmeras Super 8. Quem não tiver nenhum equipamento que filme pode inscrever animações feitas com fotografias ou flash.

O primeiro colocado ganhará um prêmio de R$ 50 mil em barras de ouro; o segundo ganhará barras no valor de R$ 30 mil; o terceiro, de R$ 15 mil; e o quarto lugar – a ser escolhido por júri popular – ganhará R$ 5 mil, em barras de ouro. Além disso, os 20 finalistas levarão um celular LG secret.

Se você quiser participar, basta se inscrever pelo site http://www.clarocurtas.com.br

Quase Nove: 52% dos brasileiros não vai ao cinema

2008-08-30T15:09:00.002-03:00

Em 2007 os filmes nacionais tiveram 8,7 milhões de espectadores no Brasil, o que corresponde a cerca de 10% do total do público. A informação, da Nielsen EDI, foi apresentada nesta terça-feira, durante painel do Fiicav, em São Paulo.

Além da Nielsen, Globo Filmes e o Sindicato das Empresas Distribuidoras Cinematográficas do Município do Rio de Janeiro apresentaram pesquisas semelhantes entre si sobre o mercado de cinema. Embora alguns números tenham sido conflitantes, como o que se refere à preferência ou não por filmes nacionais, o que ambas mostraram é que 52% do público pesquisado não tem o hábito de ir ao cinema. Esses 52% são aqueles que sequer são potenciais consumidores desse tipo de lazer.

As pesquisas qualitativa e quantitativa do Datafolha feitas para a Glob o Filmes no Rio de Janeiro e em São Paulo, em 2006 e 2007, apontaram que esse público não vai ao cinema porque o hábito não foi passado dos pais para os filhos.

Em relação à percepção do cinema nacional e do estrangeiro, a pesquisa da Globo Filmes apontou que o cinema, de um modo geral, está associado ao entretenimento, e que os filmes estrangeiros são ligados ao sonho, à fantasia, ao clima de descontração. Já os nacionais estão mais associados ao mundo da dura realidade, pobreza, sofrimento e temáticas sociais. "Para ampliar o mercado, seria necessário aproximar-se um pouco mais da expectativa que o público potencial tem de lazer e entretenimento", apontou Carlos Eduardo Rodrigues, da Globo Filmes, em sua apresentação.

A pesquisa encomendada ao Datafolha pelo sindicato, realizada em dez mercados, mostrou que a avaliação do filme nacional é boa para 58% do total de entrevistados. É curioso o dado que diz respeito ao motivo pelo qual o espectador acha os filmes nacionais bons: 56% do público freqüentador fez referência ao tema abordado. Quando a pergunta é "por que os filmes são ruins ou péssimos?", a resposta foi a mesma: 80% dos freqüentadores de cinema fizeram referência ao tema abordado.
Em ambas as pesquisas, o gênero aventura e ação foram os preferidos, seguidos de comédia.

Classe C

Enquanto profissionais de diversas indústrias perguntam-se como chegar à classe C, o cinema já faz parte do entretenimento dessa fatia da população. Foi o que mostrou a pesquisa da Globo Filmes, que apontou que 44% do público de cinema é da classe B, 37% é da classe C, e outros 38% de potenciais consumidores são da classe B e 44% da C.

A pesquisa do sindicato mostrou que 56% do total do público de cinema é da classe C. Entre os potenciais consumidores, são 69% da classe C.

(post anterior sobre mesmo assunto)

(Fonte TELA VIVA News)

Decálogo de Kieslowski é lançado Brasil

2008-08-30T14:52:00.005-03:00

Vibração entre os cinéfilos fãs de Kieslowski! Após anos de espera ansiosa, finalmente chega ao Brasil o aclamado DECÁLOGO, série com dez filmes produzidos para a TV polonesa em 1988. Dois episódios, Não Amarás e Não Matarás, ganharam versões para cinema e são mais conhecidos por aqui.

O diretor K. Kieslowski tem seu nome associado à Trilogia das Cores, mas quem acompanha seu trabalho sentia muita falta do Decálogo, disponível até então apenas pela Internet.

O crítico Luiz Carlos Merten, em seu blog no estadão, comenta que mal foi lançado por aqui o filme já é o centro de uma batalha judicial envolvendo duas distribuidoras.

Na Cartoon do Cabral estão disponíveis o Não Amarás e Não Matarás. Esperemos que em breve a Locadora obtenha os outros oito episódios.

Curso de História do Cinema para cinéfilos de todas as idades e formações começa dia 14 de agosto

2008-08-04T15:04:00.005-03:00

Estão abertas as inscrições para o curso CINEMA – HISTÓRIA, ARTE e ENTRETENIMENTO.

No segundo semestre de 2008, as aulas serão às quintas (das 19h10 às 21h40), com início dia 14 de agosto e encerramento em 14 de dezembro.

Este curso é estruturado e direcionado para qualquer pessoa que gosta de cinema e que aprofundar seus conhecimentos.

Aliás, o único requisito é gostar de ver e de conversar sobre filmes.

As turmas reúnem gente de todas as idades e formações: estudantes que concluem o Ensino Médio, estudantes de Comunicação Social, Filosofia, Artes Visuais, Arquitetura, Medicina, Administração, Psicologia, Engenharia, médicos, advogados, nutricionistas, funcionários públicos, músicos, atores e diretores de teatro.

Em comum, os participantes têm o interesse por cinema e por conhecer a história da produção cinematográfica, além de ampliar seus repertórios sobre filmes, diretores, estilos, tendências.

A idéia é que quanto mais se conhece algo de que se gosta, mais se aprecia. Além das aulas sobre história do cinema, o curso aborda ainda noções de linguagem e Cinema Brasileiro.

A intenção é, uma vez por semana, à noite, com direito a intervalo para o café, apresentar um estudo aprofundado do universo fílmico, com enfoque acadêmico, porém em uma linha mais informal, que seja sobretudo divertida e que leve o aluno a conhecer outros estilos, diversos daquele que aprecia, ou a apreciar ainda mais o estilo ou gênero que já gosta.

Trata-se de um curso de cinema essencialmente teórico e analítico que pode tanto servir ao estudante de Audiovisual em busca de uma referência mais sólida quanto ao apreciador sem intenção de produzir um trabalho na área.

A cada aula, são exibidos trechos de filmes importantes, seguidos de análises e discussões. Uma extensa lista com títulos essenciais também é sugerida aos alunos.

ATENÇÃO: não confundir este curso com o Preparatório para o Vestibular de Cinema e Vídeo de FAP/CINETV-PR, que tem outro público e outro enfoque, mais específico.

Para mais informações sobre o curso, acesse a seção curso Cinema História neste blog

CURSO CINEMA – HISTÓRIA, ARTE e ENTRETENIMENTO

Quintas, das 19h10 às 21h40
De 14 de agosto a 14 de dezembro
Uma vez por semana

Studio Botteri - Rua Santo Antonio, 41, Rebouças,
Curitiba (ver mapa)

Informações:

alfekur@terra.com.br
janelaind@yahoo.com.br

Cinéfilos ganham site para agendar filmes no cinema

2008-07-09T19:13:00.002-03:00

A idéia parace ser bem interessante: escolher o filme que queremos ver, reunir amigos e agendar uma sessão no cinema. É coerente com a tendência de criar conteúdos e entretenimento sob demanda do usuário. Ao invés de impor um filme e esperar, os interessados escolhem o que querem ver e assistem, para isso mobilizando um número mínimo de amigos.

Crei uma comunidade para reunir os cinéfilos de Curitiba:
http://www.moviemobz.com/movieclub/profile/ccid/168

Estão todos convidados a participar!

Um site de relacionamentos para cinéfilos, que tem parceria com uma grande distribuidora de conteúdo digital, promete resgatar o clima de cineclube para internautas, agendando salas de cinema para sessões de filmes raros ou fora de cartaz.

A MovieMobz, que lançou na segunda-feira seu site (www.moviemobz.com), tem um catálogo de 200 filmes digitais e uma rede de 159 salas de cinema espalhadas por 18 cidades brasileiras, em parceria com a distribuidora brasileira Rain.

O site funciona como o Orkut ou MySpace. Os visitantes têm acesso às fichas dos filmes, com sinopses, trailers e críticas de outros usuários, além de poder contactar amigos e criar comunidades, chamadas de "Movieclubs".

As pessoas cadastradas podem participar da "mobilização", ou seja, fazer com que determinado filme seja exibido no cinema de sua cidade ou bairro. A quantidade mínima de pessoas para a sessão acontecer depende do tamanho da sala e do horário, que também vão determinar o preço do ingresso.

Por atrás dessa novidade estão os dois sócios-fundadores da Rain, José Eduardo Ferrão e Fabio Lima, atual diretor-executivo da MovieMobz, e o veterano distribuidor Marco Aurélio Marcondes, diretor-geral da nova empresa.

"Uma mobilização pode ser de 10, 15 pessoas ou até 300 pessoas", explicou Fábio na festa de lançamento na noite de segunda-feira. "E pode interferir no preço do ingresso, quanto mais gente, menor o preço."

Como o site foi lançado na segunda-feira, ainda não há nenhum filme "mobilizado", agendado para uma sessão. Os diretores não souberam informar quanto tempo um agendamento pode demorar a ser feito, já que depende da procura dos usuários e da disponibilidade das salas.

Porém, no Rio de Janeiro, maior praça com 16 cinemas cadastrados, há 63 filmes "em mobilização". "Uma Mulher Contra Hitler", por exemplo, já tem 10 usuários dispostos a vê-lo no Estação Vivo Gávea, embora os direitos do filme ainda estejam em negociação para projeção digital.

O site/distribuidora MovieMobz também possibilita que cidades fora do grande circuito de cinema recebam filmes atualmente em cartaz em outras regiões, fazendo com que produções independentes tenham um maior alcance, se houver demanda.

"É uma coisa inédita no Brasil e no mundo. É cinema sob demanda", afirmou Marco Aurélio, entusiasta dos cineclubes desde os anos 1970.

Ele completou que a empresa espera levar o MovieMobz para países da América Latina e Estados Unidos, onde a Rain possui salas de cinema com projeção digital.

O acervo da MovieMobz é composto por filmes nacionais e internacionais, a maioria produções independentes, com destaque para filmes de arte e clássicos. A empresa espera elevar seu catálogo de filmes para 600 até o final do ano

Cinema brasileiro: filmes do segundo semestre de 2008

2008-07-01T23:51:00.004-03:00

A Revista de Cinema publica um calendário anual com as estréias do ano.

Tudo leva a crer que o calndário não está totalmente atualizado, pois o número de títulos é pequeno em comparação à leva que chega toda sexta nos cinemas, mas ali dá para ter uma idéia da produção nacional que vem por aí.

O cenário, segundo a lista, não parece dos melhores: uma média de 3 a 6 filmes nacionais por mês.

Destaque para Linha de Passe, que ganhou Melhor Atriz em Cannes e Ensaio sobre a Cegueira, de Fernando Meirelles, previstos, respectivamente, para agosto e setembro.

Ausências: Última Parada 174, de Bruno Barreto, sobre o sequestro do ônibus 174 no Rio de Janeiro, que estréia em outubro.

É a dramatização sobre o acontecimento que foi tema do documento Ônibus 174, de José Padilha. Este ainda este ano lança seu novo documentário, Garapa; e Desafinados, de Walter Lima Jr, sobre jovens músicos nos anos 60.

Veja a lista publicada pela revista

Aramis, Splendor e o cinema

2008-06-25T21:12:00.004-03:00

Um dos grandes nomes da crítica cultural brasileira, o jornalista Aramis Millarch faleceu em 1992. Em 30 anos de trabalho na imprensa paranaense, ele produziu nada menos que 50 mil artigos. Parte deste precioso acervo, um registro da memória da produção cultural em várias áreas, como música, teatro, literatura, artes plásticas e sobretudo cinema, está sendo digitalizada e reunida no projeto TABLOIDE DIGITAL.

É uma oportunidade muito bacana de se conhecer a memória da atividade cultural no Paraná.

Para homenagear o Aramis, abaixo reproduzo o trecho de um texto sobre o filme Splendor, de Ettore Scolla. O filme é de 1998 e o texto é de 1990.

O filme é, ao lado de Cinema Paradiso, uma declaração de amor ao cinema e ao tempo em que existiam cinemas.

"Se o cinema é a indústria dos sonhos iluminados projetados na tela branca, "Splendor" é mais do que um filme: é o próprio sonho.

Em torno deste filme não deveria haver críticas, ou releases: ou no máximo um poema tão profundo quanto aquele que Carlos Drummond de Andrade dedicou a Carlitos.

"Splendor" é magia do início ao fim. Um filme para quem ama o cinema, sua simbologia, seu folclore.

Em tudo a simplicidade: a história de um cinema - o Splendor, de uma pequena cidade da Itália, inaugurado nos anos 30, em plena ascensão do fascismo. Jordan (Marcelo Mastroianni), seu proprietário, filho de um caixeiro-viajante das imagens que, no início do século, levou a usina dos sonhos em projeções de cidade em cidade."
texto completo

Cinema brasileiro em alta,mas público segue 'escondido'

2008-06-19T10:16:00.001-03:00

O cinema brasileiro virou a vedete do país no exterior. Arranca elogios e prêmios nos festivais europeus, exporta diretores para grandes estúdios internacionais e promete uma das melhores safras de produção para este ano.

Encontrar o público, no entanto, segue sendo um de seus maiores desafios.

Em maio, a boa exposição do cinema nacional teve seu auge, no Festival de Cinema de Cannes, quando dois brasileiros participaram da competição oficial. "Ensaio sobre a Cegueira", de Fernando Meirelles, abriu o evento, e "Linha de Passe", de Walter Salles e Daniela Thomas, ganhou prêmio de melhor atriz.

Apesar de vistos como filmes brasileiros, ambos são co-produções com outros países, como Canadá e Japão, um movimento alternativo aos incentivos fiscais do Brasil.

No último Festival de Berlim, um dos principais ao lado de Cannes e Veneza, o Brasil saiu vencedor do Urso de Ouro com "Tropa de Elite", de José Padilha. Salles, Meirelles e Padilha, aliás, têm projetos com grandes estúdios norte-americanos.

O interesse estrangeiro pelo cinema brasileiro e latino-americano foi percebido por quem viajou até Cannes.

"Nas inúmeras entrevistas com jornalistas internacionais pude perceber que este ano o cinema latino-americano foi considerado o foco do festival. Isso é algo que não acontece há pelo menos 20 anos", disse Daniela Thomas.

Tudo parece brilhar no setor, que promete ainda uma das melhores safras de filmes nacionais para 2008, segundo distribuidores e especialistas.

Além dos filmes de Thomas e Meirelles, previstos para estrear no segundo semestre, há também os novos trabalhos de Bruno Barreto, "Última Parada 174", sobre um sobrevivente de uma chacina no Rio de Janeiro, e de Walter Lima Jr., "Os Desafinados", com o astro Rodrigo Santoro no elenco.

CADÊ O PÚBLICO?

Tal otimismo, no entanto, acaba ofuscado quando o assunto é bilheteria. Afinal, com tantos filmes sendo produzidos no Brasil, era de se esperar um público em ritmo de crescimento.

Enquanto a produção saltou de três filmes em 1992 para 29 em 2003 e cerca de 80 em 2007, o público de tais filmes encolheu de 22 milhões de espectadores em 2003 para 10,3 milhões no ano passado, patamar que mantém desde 2005.

Para comparação, os filmes estrangeiros no Brasil tiveram 80 milhões de espectadores em 2007.

O diretor veterano Carlos Reichenbach diz que a dificuldade está em conseguir espaço nas salas de cinema devido à concorrência com estrangeiros e o preço dos ingressos.

"Nunca, em 40 e poucos anos de cinema, tivemos uma condição tão precária de exibição", disse Reichenbach, que lançou este ano "Falsa Loura". O filme de baixo-médio orçamento custou 3 milhões de reais, captados por meio de leis de incentivo, mas estreou em apenas nove salas de cinema.

Para um dos diretores da Agência Nacional de Cinema (Ancine), Sérgio Sá Leilão, o cinema brasileiro vive "uma encruzilhada", com uma crise de superprodução.

"Nós temos uma ênfase na criação desvinculada do mercado, gerando grande número de produtos pouco competitivos", disse Sérgio.

O aumento na produção vem do investimento público dos últimos 15 anos. Segundo a Ancine, está prevista para a produção nacional este ano 210 milhões de reais através do sistema de incentivo. Ano passado, foram 137 milhões.

"É muito dinheiro, tem que ver onde está o erro", acredita Jorge Peregrino, vice-presidente da Paramount na América Latina e presidente do Sindicato de Distribuidores do Rio de Janeiro.

"Por que se o dinheiro vai aumentando, aumentando e a participação vai caindo? Tem alguma coisa errada."

PAÍS GRANDE, MERCADO PEQUENO

De fato, a Ancine trabalha para fazer o cinema andar com as próprias pernas. O órgão lançará um novo fundo que irá funcionar através de créditos e investimentos, e não com dinheiro a fundo perdido, característica das leis atuais.

O mercado brasileiro está entre os três maiores da América Latina, ao lado de México e Argentina, mas ainda é considerado pequeno para o tamanho de sua população. São 2.200 salas de cinema no total, ou uma sala para cada 90 mil habitantes.

Apesar das críticas, Peregrino acha que o cinema nacional vai ajudar a melhorar a bilheteria geral, que caiu de 91,2 milhões de espectadores em 2006 para 88,5 milhões em 2007.

Segundo ele, há três ou quatro filmes nacionais este ano com potencial para 1 ou 2 milhões de espectadores. "Essa diferença é importante porque quando o cinema brasileiro se comporta bem, o mercado como um todo sobe, é uma coisa histórica."

Em 2007, apenas dois filmes brasileiros romperam a barreira dos 2 milhões de espectadores, "A Grande Família -- O Filme" e "Tropa de Elite". Os demais não atingiram nem 1 milhão.

FERNANDA EZABELLA - REUTERS

TV a cabo de graça no PC?

2008-06-15T23:01:00.001-03:00

Depois do Napster e eMule, programas que revolucionaram o mercado fonográfico com o compartilhamento de músicas em formato mp3, e do Skype, que permite ligações internacionais de graça, chegou a vez de o software MegaCubo oferecer o conteúdo dos canais de televisão por assinatura gratuitamente via rede mundial de computadores.

Utilizando a a tecnologia “streaming” (transmissão contínua de conteúdo), o programa oferece um catálogo dos canais disponíveis. Após instalá-lo, o usuário simplesmente seleciona aquele que deseja assistir e pronto: faz do seu computador uma estação de televisão por assinatura.

Mas o que parece apenas mais um modismo na internet pode dar dor de cabeça ao mercado de tevê por assinatura – segmento que reúne 5,3 milhões de usuários no Brasil e movimentou R$ 6,7 bilhões em 2007, segundo dados da Associação Brasileira de Tevê por Assinatura (ABTA).

Na última semana, o MegaCubo figurou na primeira colocação do ranking dos programas mais baixados no superdownloads.com.br, site líder no segmento de downloads e softwares no Brasil. No período, o programa foi baixado 640 mil vezes. Considerando as três semanas em que está disponível neste site, já somam-se quase 1 milhão de downloads.

E isso pode representar apenas a ponta do iceberg, já que o número não contabiliza os usuários que baixaram o programa diretamente no site oficial do MegaCubo (megacubo.net). Mesmo sem estes dados, pode-se dizer que, em uma semana, o MegaCubo obteve 77% do crescimento médio anual de assinantes do setor de televisão por assinatura nos últimos cinco anos.

Mais na Gazeta on-line de hoje (15.06.08)

O Fim dos tempos de Shyamalan peca por sér óbvio demais

2008-06-15T10:26:00.004-03:00

Sou suspeito para falar de M. Night Shyamalan. Seu trabalhos pós-Sexto Sentido revelam qualidades e sutilezas que acabaram não sendo captadas pela maioria do público e da crítica. A cada filme, esperavam que ele apresentasse um festival de sustos e um fim mirabolante. É como se o sucesso de O Sexto Sentido tivesse depositado uma maldição sobre os ombros do homem. E a cada filme, ele era mais malhado ainda.

Em Corpo Fechado, havia uma ironia no subtexto da história. E se entre nós houvesse um herói de verdade? Que não fosse criação só de HQs e do cinema? Sinais revelou a segurança do diretor ao lidar com ameaças que não são explicitadas como o público quer. A Vila é uma crítica ao estado de caos e violência que anda tomando conta da vida nos grandes centros.

E A Dama na Água? Este então foi o filme mais apedrejado do diretor. Parte da crítica esqueceu de ler nas entrelinhas do filme uma espécie de desconstrução do aparato imaginário que sustenta o próprio ato de contar histórias, sejam elas contas de fadas fantásticos ou filmes.

Toda esta enrolação é para chegar ao mais recete trabalho do diretor. The Happening, no Brasil, Fim dos Tempos.

A assinatura Shyamalan está ali, logo no começo. Talvez buscando-se redimir dos fiascos de bilheteria anteriores, talvez pressionado pelo estúdio ou sei lá o que, em menos de cinco minutos são apresentados os elementos que vão conduzir o filme.

Inexplicavelmente, pessoas começam a falar de forma estranha. Páram de caminhar em pleno Central Park. Algumas andam para trás. E mais inexplicavelmente ainda se matam.

Esta pressa em pedir desculpa ao público tem um preço alto mais adiante. O que captura a atenção no começo é desembrulhado depois de forma enrolada, travada, numa alternância de explicações científicas com dramas familiares de separação e a previsível luta pela sobrevivência.

É como se o diretor pilotasse um avião com o freio de mão puxado. Falta um pouco de ousadia, de criatividade.

O roteiro amarra um trecho didático, que atribui a um toxina liberada pelas plantas a onda de suicídios, à fuga empreendida pelo casal formado pelo professor Elliot (Mark Wahlberg) e Alma (Zooey Deschannel). Esta última tão insossa quanto sopa fria de chuchu. Ela é tão ruim que toda vez que ela aparece em cena o filme dá uma volta para trás.

Esta fórmula de manual é tão fechada que tira um pouco do suspense em torno da própria situação, do pânico instaurado entre a população, que imagina se tratar de um ataque terrorista.

O próprio final em aberto confirma a intenção do autor de lidar com medos reais ou imaginários, sem necessariamente ter que apelar para mosntros gerados por efeitos especiais. Neste ponto, ele faz uma leitura muito pessoal dos clichês de filmes de suspense, deixando para a imaginação do público a tarefa de sentir medo de algo que não rosto.

O problema é que o público parece não ter mais muita paciência para esta tipo de ousadia.

Supense ecológico? Filme-catástrofe com alerta ambiental? Drama de sobrevivência com ameaça invisível? Difícil encaixar este " acontecimento" em algum gênero.

Estudos neurocinematográficos

2008-06-13T10:17:00.001-03:00

Neurocientistas da New York University comprovaram em um estudo recém-divulgado que certos filmes exercem enorme controle sobre a atividade cerebral e que seu impacto sobre os neurônios depende do conteúdo, da edição do estilo de direção. De certa forma, todos já sabíamos disso. Faltava a comprovação científica.

Grosso modo, o estudo funcionou assim, de acordo com matéria do site ScienceDaily: os cientistas fizeram ressonâncias magnéticas nos cérebros de um grupo de pessoas ao longo da exibição dos filmes e depois compararam os resultados para ver como eles estimularam as regiões do neocortex (responsável pela percepção e cognição). Foram usados quatro produtos audiovisuais no estudo: 30 minutos do faroeste “Três Homens em Conflito”, de Sergio Leone, um episódio da série “Bang! You’re Dead”, de Alfred Hitchcock, um episódio de “Curb Your Enthusiasm”, de Larry David, e uma tomada de 10 minutos, sem edição, de um show em Nova York.

Aqui vão os resultados: o episódio de Hitchcock provocou respostas similares de todos os pesquisados em mais de 65% do neocortex, indicando um alto nível de controle do cérebro dos espectadores; “Três Homens em Conflito” chegou a 45%; “Curb Your Enthusiasm” ficou em 18% e o clipe do show, 5%.

“O fato de Hitchcock ter sido capaz de orquestrar respostas de tantas regiões diferentes do cérebro, ligando e desligando-as no mesmo momento em todos os espectadores, pode servir como prova neurocientífica de sua famosa habilidade de manipular a mente da platéia. Hitchcock gostava de dizer a seus entrevistadores que, para ele, a criação é baseada em uma ciência exata das reações do público”, escreveram os pesquisadores.

Segundo eles, a pesquisa pode abrir caminho para um novo campo de conhecimento, que poderia ser batizado de “estudos neurocinematográficos” e ser usado por teóricos do cinema. Mas não duvido nada que a indústria cinematográfica se interesse pela pesquisa para controlar de vez a mente dos pobres espectadores.

Blog do Ricardo Calil